Lipps Inc

Era finales de los setentas, y la música disco estaba en todo su furor, pero las cosas estaban por cambiar, el gusto de la gente estaba cambiando, ya se habían aburrido de la música disco, y justo fue en ese momento que apareció Lipps Inc.

Lipps Inc (se pronuncia "lip sync") fue una banda de estudio que tuvo un solo éxito, "Funkytown" en 1979. Esta canción fue la última canción disco en llegar aser número 1 en Estados Unidos.

El grupo fue formado en Minneapolis por Steven Greenberg, quien escribió y produjo toda la música del grupo, y que además tocaba varios instrumentos musicales.

La cantante principal era Cynthia Johnson, y el resto del grupo consistía en un grupo cambiante de músicos invitados.

Su éxito "Funkytown" pasó 4 semanas como número 1 en la lista pricipal de Billboard y en la lista de Baile (Hot Dance/Club Play). Llegando a conseguir un disco de platino. También alcanzó el puesto 2 en Inglaterra y fue un éxito en todo el mundo, llegando a ser numero 1 en Australia, Canada, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda, Noruega, España y Alemania Occidental, y en varios países de Latinoamérica.

Sus siguientes canciones fueron fracasos totales, incluso su unica otra canción que logró entras a la lista de Billboard, "Rock It", solo llegó al número 64.

El grupo dejó de grabar en 1983.

En 1986 la banda australiana Pseudo Echo hizo un cover de la canción, cambiando el estilo de música electrónica de los setentas a música rock de los ochentas, y también logró un gran éxito, llegando a estar 7 semanas en primer lugar en Australia y entrar al "top ten" de Billboard.

Fats Domino

Antoine Dominique Domino (Nueva Orleans, Luisiana, 26 de febrero de 1928), mejor conocido como Fats Domino, es un cantante, compositor y pianista clásico del R&B y rock and roll afroamericano de los Estados Unidos. Durante los años 1950 y comienzo de los 60 fue el cantante de color que más discos vendió. Domino es también un pianista individualista con influencias del estilo boogie-woogie. Su éxito sirvió de impulso para los artistas de Nueva Orleans, llegando a influir en lugares tan insospechados como Jamaica (el ska jamaicano posee influencias de su música). La personalidad afable de Domino y su rico acento se suman a su encanto natural.
Antoine nació en el seno de una familia numerosa con varios miembros músicos. Su padre era violinista y su tío Harry actuó como trompetista de jazz en las orquestas de Oscar Celestin y Kid Ory. A la edad de 6 años aprendió a tocar el piano y más tarde empezaría con actuaciones en público acompañado de Billy Diamond, un bajista que le bautizaría como Fats (Grasas).
En estos primeros años alternaba la música con diferentes trabajos. Fue vendedor de helados y más tarde trabajó en una fábrica de somieres. En esta empresa sufrió un importante accidente laboral al caérsele encima una pila de somieres. Como resultado se le lastimaron las manos hasta tal punto que los médicos le comunicaron que no podría volver a tocar más el piano. Domino no se resignó a ello y, tras una larga lucha para su rehabilitación, consiguió regresar nuevamente a los escenarios.

Carrera
Fue descubierto en 1948 en el Hideway Club por Lew Chudd de Imperial Records cuando cobraba tres dólares por semana. Su verdadera carrera comenzó en 1949 con el tema "The Fat Man", que compuso junto con Dave Bartholomew, a quien conoció en la Imperial, y que es considerado por algunos como la primera grabación de un rock and roll. La grabación, basada en el tema "Junker's Blues" de Champion Jack Dupree, fue un enorme éxito, vendiendo alrededor de un millón de copias y llegando al segundo puesto en la lista de Billboard R&B Charts. Hasta nuestras fechas (2006), Domino ha vendido más de 110 millones de discos.
Después de esta afortunada grabación, Domino lanzó una serie de nuevos éxitos con el productor y el co-escritor Dave Bartholomew, el saxofonista Alvin "Red" Tyler y el batería Earl Palmer. Otros músicos notables y de muchos años en la banda de Domino eran saxofonistas: Reggie Houston, Lee Allen y Fred Kemp quién era también el líder responsable de la mencionada banda. Domino finalmente atravesó la corriente principal del pop con "Ain't That a Shame" (1955) que fue un éxito en los Top Ten, aunque Pat Boone llegaría al número 1 con una versión de esta canción.
Su primer álbum, Carry on Rockin', lo lanzó en noviembre de 1956 bajo el sello de Imperial, para ser posteriormente reeditado como Rock and Rollin' with Fats Domino al año siguiente. Domino lanzó una serie sin precedente de 35 sencillos que entrarían en los Top 40, incluyendo "Whole Lotta Loving", "Blue Monday" y una versión funky de la vieja balada "Blueberry Hill".
Después de que se trasladara a la ABC-Paramount en 1963, la brillante carrera de grabaciones tocó fondo aunque Domino siguió actuando en conciertos en vivo. Aunque permaneció en activo durante décadas, Domino sólo conseguiría un nuevo éxito en 1968, una versión de "Lady Madonna" de los Beatles, escrita originalmente por John Lennon y Paul McCartney emulando el estilo de Domino.
En los años 1980, Domino decidía no abandonar más a Nueva Orleans. Tenía una cómoda renta de sus derechos de autor y además estaba su aversión para viajar y su idea de que comida como la de su tierra no la había en ninguna parte. Como artista afamado, su inclusión en el Rock and Roll Hall of Fame y una invitación a la Casa Blanca no podría ser una excepción. Domino vive en una mansión rodeado de una vecindad de clase obrera en Lower 9th Ward, donde se le puede ver con su Cadillac de color rosa brillante. Realiza apariciones anuales en el New Orleans Jazz & Heritage Festival y otros acontecimientos locales, demostrando en todo momento que su talento no ha disminuido.
Su carrera discográfica es envidiable: Lleva vendidos cerca de 70 millones de discos con más de 90 sencillos y más de 25 elepés grabados, habiendo obtenido 21 discos de oro.
Cuando el huracán Katrina se acercaba a Nueva Orleans en agosto de 2005, Domino decidió permanecer en el estado con su familia, debido a la precaria salud de su esposa. Su casa, estaba situada en el distrito de Lower 9th Ward de Nueva Orleans, una zona que sufrió una gran inundación. El 1 de septiembre, su agente Al Embry comunicó que no había oído a Dominó desde que comenzaron los efectos del huracán. Más tarde, en ese mismo día, la CNN divulgaba que había sido rescatado en helicóptero por el servicio de guardacostas. Su hija, la cantante de gospel Karen Domino White, lo identificaba por una foto mostrada en la CNN. La famila Domino había sido trasladada al refugio de Baton Rouge. El Washington Post divulgó que el viernes, 2 de septiembre, los Domino en un apartamento, regresando a su hogar el 15 de octubre. Parece ser que su casa fue saqueada durante la ausencia: de sus 21 discos de oro, solamente quedaban tres.

Negocios
Su carrera ha sido producida y dirigida desde los años 1980 por el productor de música y medios audiovisuales Roberto G. Vernon. Desde entonces, las ganancias de Domino se han incrementado en un 500%.
Desde 1995, Vernon y Domino han sido socios (con otras muchas compañías, como por ejemplo la Dick Clark Productions) en la Bobkat Music Trust. Bobkat Music es un grupo de espectáculos que dirige las carreras de distintos artistas, algunos ya fallecidos, como el propio Fats Domino, Elvis Presley, Paul Shaffer, Jerry Lee Lewis o Randy Pringle entre otros. Bobkat Music es el distribuidor oficial de los derechos de grabación de "Fats Domino and Friends".

Anécdotas
El nombre artístico del cantante Chubby Checker es un juego de palabras con la forma de vestir, el apellido y el físico de Fats Domino (chubby significa rechoncho y checker juego de damas). Otro juego de palabras es el nombre del conjunto alemán de música gospel Fetz Domino, en el que se mezcla el alemán y el Latín
En los años 70, en la popular sitcom "Happy Days" (Los días felices), escrita en los años 50, el protagonista Richie Cunningham, representado por Ron Howard, cantaba a menudo "I found my thrill..." ("encontré mi emoción..." la primera estrofa de "Blueberry Hill") en referencia a las chicas bonitas que había conquistado o deseaba conquistar.
En el año 2005 fue una de las víctimas del huracán Kathrina. Aunque no murió, le toco desplazarse de la ciudad que tanto quería: Nueva Orleans.

Kurtis Blow

Curtis Walker (9 de agosto de 1959, en Harlem, New York) o conocido artísticamente como Kurtis Blow es uno de los raperos pioneros en la industria de la grabación, y una de las primeras estrellas del mainstream. "The Breaks" (1980), es uno de los clásicos del hip-hop, con su pegadiza melodía de discoteca y su estilo de rapear. Blow fue influido por DJ Hollywood.
Comenzó su carrera en Nueva York a mediados de los 70s, empezando como breakdancer y DJ antes de ser rapero. En 1980 editó su primer álbum, llamado Kurtis Blow. El primer single fue "Christmas Rappin'". Por entonces, el "Rappers Delight" de The Sugarhill Gang se convertía en el primer éxito del hip-hop.
Kurtis actuó en los largometraje Krush Groove y The Show. Además, Bob Dylan apareció en el álbum de Kurtis Blow Kingdom Blow, de 1986. En 2004, Blow grabó la canción "Hey Everybody" con MaxC y Bomfunk MC's para el álbum de ambos, Reverse Psychology. También coprodujo canciones para Fat Boys, en 1984 y 1985.
Blow fue uno de los primeros raperos mainstream de la historia, llegando a aparecer en un anuncio de la bebida refrescante Sprite.
Actualmente trabaja como DJ en Backspin 43, una emisora de radio de hip hop old school.

Split Enz

Split Enz es un grupo musical neozelandes con un estilo que mezcla rock , vodevil , swing , pop , punk , con gran éxito en Nueva Zelanda , Canadá y Australia . Fue el primer grupo kiwi ( de estética estrambótica , pelos y ropas coloridas , exagerando en sus actuaciones , fotos y conciertos ) , en darse a conocer en Europa y América . Liderados en sus comienzos por Tim Finn y Phil Judd y a partir de su cuarto año por los dos hermanos Tim y Neil Finn . A principios de los años 70 Tim Finn conoció a Jonathan Chunn en la Sacred Heart College donde se hicieron buenos amigos y se dedicaron a escribir canciones . Cuando ambos tuvieron una cantidad considerable de temas decidieron formar un grupo junto a Noel Crombie , Philip Judd y Rob Gillies , estudiantes de arte de la Universidad de Aukland y se hicieron llamar Split Ends . Editan su primer single “For You/Split Ends” en abril de 1973 gracias a Barry Coburn , amigo y primer gerente . El grupo comenzó a tocar en diversos programas de televisión aunque Judd era reacio a aparecer en shows televisados . En 1974 se incorpora a la banda el teclista Eddie Rayner ( apodado The Proof ), quien permanece en la banda hasta el final además de ser crucial en la definición del sonido del grupo . En Febrero de ese año pasaron a llamarse Split Enz y comenzaron a elaborar una estética que consistía en peinados , trajes y maquillaje muy llamativos para sus actuaciones que provocaban un gran impacto visual . Tim Finn y Phil Judd eran los encargados de crear las canciones y Noel Crombie del diseño de los trajes , carteles , insignias etc . Añadían a sus conciertos elementos teatrales inspirados en el cine expresionista , el circo o lo gótico ( como ejemplo mencionar que se contrató a una mujer para que se arrastrara por el escenario durante una canción con un hacha ensangrentada bajo las luces y efectos estroboscópicos ) . Al siguiente año , en 1975 , Split Enz da el salto a Australia donde tienen un recibimiento irregular pero comienza a formar un culto de seguidores . La compañía Mushroom Records , una empresa arriesgada , se fija en su carisma y los contrata. Graban su primer álbum “Mental Notes” y se edita en julio de 1975 sin demasiado ruído , alcanza el séptimo puesto en la lista de Nueva Zelanda , incluye temas como Titus o Spellbound . La banda se embarca en un tour por Australia llamado “Enzo of the Earth” , el cual termina en febrero de 1976 , después graban el video musical del tema “Late Last Night” dirigido por Crombie . Phil Manzanera ( Chrysalis Records ) quedó impresionado y se ofrece a producir su siguiente álbum en Londres . Second Troughs se publicó en julio de 1976 en Australia y dos meses más tarde en Inglaterra , el primer sencillo fue “Late Last Night”. La extraña aparencia y actuación de la banda desconcertó a periodistas y público británico , al contrario que en Australia y Nueva Zelanda donde cada vez eran mas los adeptos . En noviembre llega un nuevo batería , el inglés Malcom Green , considerado el primer miembro no-kiwi . 1977 comienza con el single “ Another great divide” y una gira de 23 días por EEUU , con la esperanza de establecerse fué todo lo contrario ya que se produjo la marcha de miembros fundadores ; Phil Judd y Mike Chunn . Mike debido a que quería pasar más tiempo con su familia y Phil por discrepancias con Tim además de estar cansado de las largas giras , esperaron hasta el final del tour en abril . Debido a la marcha de los dos compañeros , Tim debe asumir mayor responsabilidad para los siguientes conciertos en Inglaterra , llega el bajista Nigel Griggs para sustituir a Chunn y del hueco dejado por Phil se haría cargo el hermano menor de Tim , Neil Finn . El joven Neil Finn , que acababa de terminar la escuela secundaria , no contribuyó demasiado en sus primeros meses debido a su inexperiencia en la interpretación , pero gracias a su entusiasmo se adaptó pronto y su presencia se haría notar enseguida . La marcha de Phil provocó una reestructuración del nuevo material para el próximo disco . Neil , cuya voz era perfecta para el grupo , estaba muy involucrado y comenzó a componer sus propios temas quitando presión a Tim . Split Enz cambió su imagen y música al estilo New Wave , lo que dio lugar a que público y prensa ingleses comenzasen a fijarse mas en ellos . El Próximo álbum se titula Dizrythmia ( término medico que significa cuerpo alterado al ritmo ) y es grabado en los estudios AIR de Londres , de nuevo su éxito fue mayor en Australia que en Inglaterra . La canción My Mistake es elegida como primer single que alcanzó el número 18 , el álbum llega al 3 , también graban dos clips musicales ; My Mistake y Bold As Brass ( elegido como segundo single) . El año 1978 fue difícil para el grupo ya que la compañía tenia muchas deudas y no podían conseguir actuaciones ni contrato de grabación , aun así continuaron creando temas y ensayando . Gracias a una subvención por parte del Consejo de las Artes de Nueva Zelanda , el grupo dispuso de un estudio de grabación donde grabaron un nuevo single creado por Tim Finn (“I See Red” ) , la canción ( perteneciente al disco Frenzy ) llegó al número 15 , Neil compone su primer sencillo para la banda , "Give It A Whirl" y el grupo comienza a ser más valorado y a consolidarse musicalmente en Inglaterra .

True Colours (1980) es el quinto disco grabado en estudio de Split Enz . Considerado en Australia como uno de los álbumes pop más importante de la historia del país . Su primer single fue el éxito “I got you “ editado en enero de 1980 , compuesto e interpretado por Neil Finn , la cara B contenía la canción “Double Happy” . Para este álbum se crearon tres clips musicales , “I got you” , “I Hope I Never” y el single no incluido en el álbum “Things”. La portada del álbum fue editada en distintos colores , la más conocida en verde , naranja , blanco y negro . Para el diseño del dibujo del vinilo se utilizó una técnica llamada “laser-etching” , que hacia que reflejara alrededor de la habitación donde sonara el LP y además dificultaba su falsificación . True Colours se reeditó en 2006 en una edición remasterizada que incluye los bonus track : Things y Two of a kind .

En 1981 graban el álbum “Waiata” (llamado “Corroboree” en Australia) disco con buenas ventas pero exigente debido al éxito de True Colours , sus temas de mayor importancia fueron One Step Ahead y History Never Repeats , ambos a cargo de Neil . Al año siguiente se realiza Time and Tide y el single “Six Months In A leaky Boat” de Tim Finn , canción de éxito retirada de las radios inglesas al creer que era una crítica sobre la Guerra de las Malvinas en 1982 , cosa que el grupo negó . A principios de 1983 Tim se dedica a su primer álbum en solitario planteándose su continuación junto a Split Enz . En 1984 aparece “Conflicting Emotions “ , el mayor de los dos hermanos tan solo compone cuatro temas , las canciones más destacadas son “Message To my girl” y “Strait Old Line” , ambas firmadas por Neil Finn . El mismo año llega un nuevo y joven batería llamado Paul Hester , en sustitución de Malcom Green . Tras la marcha de Tim , Neil es el encargado de liderar a la banda y en el último disco ya ninguno de sus miembros pertenece a la formación original . Se publica “See Ya ´Round” en 1984 , album de despedida que no alcanza demasiado éxito y tan solo aparece a la venta en Australia , Nueva Zelanda y Canadá . Graban un clip de bajo presupuesto de la canción “I Walk Away¨ ( tema que más tarde Neil regrabaría para el primer disco de Crowded House) ¨. Tras su separación , Split Enz ha tenido numerosas reuniones tanto en los noventa como en 2006 ( Rod Laver Arena , Melbourne Australia , espectacular concierto editado en dvd y cd ) y 2008 con los miembros Neil Finn , Tim Finn , Noel Crombie , Eddie Rayner , Malcom Green y Nigel Griggs . En 1985 Neil Finn comienza su nueva etapa junto a Paul Hester y Nick Seymour en Crowded House bajo la producción de Eddie Rayner .

Buddy Holly

Charles Hardin Holley nació el 7 de septiembre de 1936 en Lubbock, Texas, hijo de Lawrence y Ella. La familia Holley se había trasladado a Lubbock para conseguir trabajo en la industria algodonera. El padre de la familia tenía varios trabajos, carpintero, cocinero y sastre. A principios de los años 1950 él fundó una pequeña empresa constructora con un dinero que había ahorrado. En esa empresa trabajaron sus cuatro hijos. Ya antes de nacer, en su familia había instalado un gran interés por la música, sobre todo por géneros como blues, folk y country.
Con una familia ya orientada en el arte músical, Holley aprendió a muy temprana edad a tocar el violín, el banjo, la mandolina, el piano y la guitarra, su habilidad con la voz se desarrolló gracias a una competencia de talento de canto, todo esto cuando solo era un niño de cinco años.[8] Su familia siempre lo llamaba Buddy, y de allí surgió su nombre artístico, con este aprendizaje musical, a tan solo cinco años de edad pisó por primera vez un escenario, cantando junto a sus hermanos Larry y Travis (de dieciséis y catorce años respectivamente) la canción "Down the River of Memories", en este concurso los hermanos ganaron cinco dólares.

Sus primeras grabaciones
En 1949 Holly grabó su propia versión de "My Two Timin' Woman", en un grabador de alambre prestado por un amigo que trabajaba en una tienda de música, convirtiéndose en su primera grabación.
Tres años más tarde, junto a Bob Montgomery grabaron las canciones "I'll Just Pretend" y "Take These Shackles From My Heart", otra vez en la misma casa y en un grabador de alambre, pero esta vez con Montgomery en la mandolina. Más tarde estas grabaciones se pasaron a discos de acetato.
Ellos se habían conocido cuando Holly empezó a asistir al instituto educativo J.T. Hutchinson Junior High School, tenían en común géneros como el country y blues y se desvelaban para escuchar por la radio emisoras que trasmitían canciones de géneros que les atraía. En 1953, Holly y Montgomery empezaron a tocar en las fiestas de los institutos.
Empezó a tocar junto a Jack Neal en 1953, en la radio KDAV en Lubbock, ciudad natal de Holly. Tocaron sus grabaciones "I Saw Tthe Moon cry Last Night" y "I Heard the Lord Callin' for me", más tarde estas grabaciones se registraron en discos de acetato en noviembre de 1953, Jack canta y toca la guitarra y Holly toca la guitarra de ritmo.
Ya con estos ensayos, a finales de ese año Holly, Montgomery y Larry Trio fueron a un pequeño estudio de grabación, fueron al estudio Nesman Recording Studios en Wichita Falls. Entre 1954 y 1955, que volvieron a grabar (él junto a Bob, Larry, Don y Sonny), realizaron cinco sesiones en ese estudio de Wichita Falls, grabaron las canciones "I Gambled My Heart", "Flower Of My Heart", "Soft Place In My Heart", "Door To My Heart" y "Gotta Get You Near Me Blues". Más tarde, en el 7 de junio de 1955, esta vez con Bob y Larry, grabaron "You & I Are Through" (posiblemente haya sido grabado con la idea de que sea el lado B de algún sencillo), y "Down the Line", esta fue la primera composición entre Norman Petty, Holly y Bob Montgomery, en julio volvieron al estudio para grabar "Baby Let's Play House", y para grabar una nueva versión de "Down the Line".

Comienzos
En 1954, en su instituto se realizo un festival en memoria de los pioneros de country del Oeste, el dúo gana el primer premio, por la interpretación con una canción country, esa canción fue "Flower of my Heart". Este éxito los animó a más, y fue entonces que consiguieron una audición en la emisora local KDAV, cuyo director, Hi Pockets Duncan, les sugirió que busquen un bajista, para formar una banda y estar más completos. Entonces en la búsqueda de un bajista encuentran a Larry Welborn, un amigo del mismo instituto de los muchachos. Poco después, comienza a interesarse por el rhythm and blues y a incluir en su repertorio canciones de este estilo, en las que lleva la voz principal.
Así en un principio el interés de Holly y Montgomery se dirigió hacia la música country, pero no duró mucho hasta que vieron por primera vez a Elvis Presley actuar en directo en su ciudad en el año 1955. Al final del show, Holly se fue directo al camerino de Presley y pronto se hicieron amigos, entonces así se inclinó hacia el rock and roll. Gracias a esta amistad, Presley lo invitó a ser su telonero, unos meses después actuaron como teloneros de Elvis Presley, más tarde de Carl Perkins y Johnny Cash y después de Bill Haley.
Gracias al éxito de estas actuaciones, un productor de Decca Records lo escuchó y le ofreció a Holly firmar un contrato, ya que Decca buscaba un rival para Presley. Entonces para probar en Decca, grabó canciones en el estudio de Owen Bradley en Nashville. Su primer sencillo fue "Blue Days, Black Nights", apareció en abril de 1956. Aunque recibió comentarios elogiosos, las ventas no fueron demasiado buenas.
Al año siguiente de este sencillo, después de haber grabado canciones como "Love Me", "Don't Come back Tonight" y "Baby, won't you Come out Tonight", Holly abandonó a Decca, ya que se sentía insatisfecho con su trabajo. Después de su partida de Decca, él emigro al estudio de Norman Petty, un músico y productor de Clovis, Nuevo México, con la intención de grabar una nueva versión de "That'll Be the Day", esta misma canción la había grabado para Decca en Nashville, pero no había tenido éxito, no pudo grabar con total libertad creativa.

The Crickets
De regreso a Lubbock, su ciudad de origen, Holly formó un nuevo grupo llamado The Crickets, junto con sus amigos el baterista Jerry Allison, el bajista Joe Malduin y el guitarrista Nikki Sullivan. La canción que estaba en proyecto "That'll Be The Day", estaba inspirada en una frase que el personaje interpretado por John Wayne repite insistentemente en la película Centauros del desierto.
Owen Bradley consideró que "That'll Be The Day" era la peor canción que había escuchado, y como consecuencia, ninguna de las canciones de aquella sesión fueron publicadas. Entonces en el año 1957, después de haber grabado canciones como "Love Me", "Don't Come back Tonight" y "Baby, won't you Come out Tonight", Holly pensó que él y su banda podían grabar con más libertad si fueran a Nashville. Sin embargo, para un último intento, volvieron a grabar el 15 de noviembre de 1956. Intentaba capturar su propio sonido con la banda, entonces él, Sonny y Don fueron a los estudios de Norman Petty, ya que en los estudios de Decca no estaban cómodos. El 22 de julio volvieron para grabar más canciones para Decca: "Rock Around With Ollie Vee", "Changing All Those Changes", "Girl On My Mind", "Ting-A-Ling", y "That'll Be The Day". Así tuvo que dejar el contrato que había con Decca, y noventa días antes de estas últimas grabaciones viajó 90 millas al Oeste de Lubbock para ver a Norman Petty, en Clovis, Nuevo México.

Las grabaciones en el estudio de Norman Petty
Desde el 24 de febrero de 1956 hasta el 10 de septiembre de 1958, Buddy Holly y The Crickets grabaron sus canciones más populares, en el estudio de Clovis, Nuevo México: de febrero a abril del año 1956 se grabó "Baby Won’t You Come Out Tonight", "I Guess I Was Just A Fool", "It’s Not My Fault", "I'm Gonna Set My Foot Down", "Changin' All Those Changes", Rock-A-Bye Rock" y "Because I Love You", de diciembre a febrero "Brown Eyed Handsome Man" y "Bo Diddley", del 24 al 25 de febrero del año 1957 se grabó el primer y único sencillo número uno, "That'll Be The Day" junto al lado B de ese sencillo "I’m Lookin’ For Someone To Love". El 25 de mayo de 1957 se grabaron dos canciones destacables, "Not Fade Away" y "Everyday", en las cuales se connota el avance musical de Holly. Unos meses más tarde, del 29 de junio al 1 de julio de 1957 se grabaron muchas más canciones, canciones como "Peggy Sue", "Oh Boy!" y "Listen To Me". Se siguieron grabando canciones, pero fue el 8 de abril de 1959, que grabaron "Words Of Love", una de sus canciones más populares.

El sencillo número uno y el éxito
Después de las malas ventas con sencillos como "Blue Days, Black Nights" y "Modern Don Juan" (ambos de 1957), el 27 de mayo de 1957 Brunswick Records (un sello subsidiario de Decca), publica el sencillo "That'll Be The Day", fue acreditado a Buddy Holly y The Crickets, con el reemplazo de Joe Moulding por Larry Welborn. El sencillo fue muy exitoso, llegó al número uno en los Estados Unidos y en el Reino Unido también, ganado fama en ese país, además en el Cashbox llegó al puesto número tres por veinte semanas. Unos meses más tarde, el grupo fue a tocar esa canción junto con "Peggy Sue", en el The Ed Sullivan Show el 1 de diciembre de ese mismo año. Gracias a los contactos de Petty, Coral Records (empresa filial de Decca), contrató a Buddy Holly & The Crickets. La canción "That'll Be The Day" propulsó definitivamente a Holly y a su banda al éxito.
Más tarde se publicaron los sencillos "Peggy Sue"/"Everyday" y "Oh Boy!"/"Not Fade Away", los sencillos lograron obtener éxito, llegando a los puestos n.º3 y n.º10 respectivamente, pero en el Reino Unido "Oh Boy!" tuvo una mejor recepción, llegando al puesto n.º3. Logró acortar la división racial que había en el rock and roll, mientras Elvis hacía que la música negra fuera más aceptable para el público blanco, Holly llamaba la atención del publico negro, llegó a persuadir a una audiencia (todo de negros), cuando él junto a The Crickets fueron a Nueva York al Teatro Apolo, del 16 a 22 de agosto de 1956.
La banda se embarcó en numerosas giras durante las cuales, gracias a su simpatía y extrovertido carácter tejano y también gracias a los nuevos sencillos como "Words of Love", "Maybe Baby", "Not fade away", "Peggy Sue", "Everyday", "Rave on", "It's so easy" y "Oh Boy", trabaron amistad con muchos de sus colegas más significativos, como Chuck Berry, con el que solían jugar a las cartas; Little Richard, que apreciaba la sensibilidad y genio del joven tejano; Eddie Cochran, al que Buddy admiraba por su talento como guitarrista; pero de todas las estrellas con las que trabajó amistad, The Everly Brothers fueron quienes se transformaron en sus mejores amigos.

Carrera en solitario
En el otoño de 1958 comenzó su carrera de solista, sus primeros trabajos fueron en el Pythian Temple Studio de Nueva York, donde junto a Dick Jacobs y su orquesta, grabaron canciones como "Raining In My Hearth" y "It Doesn't Matter Anymore" (esta última la grabó en un solo intento), estas dos canciones fueron publicadas en un sencillo, y proveyeron de un nuevo número uno en el Reino Unido.
En 1958, acreditado por Coral Records, Buddy Holly publicó un nuevo álbum, su primer álbum solista, llamado Buddy Holly, también había sido publicado otro álbum junto con The Crickets, The "Chirping" Crickets, ya que Buddy había firmado con The Crickets y como solista también.En agosto de ese mismo año, Buddy se casó con la venezolana María Elena Santiago y poco a poco se fue distanciando de sus compañeros y de Norman Petty, residiendo en la ciudad de Nueva York. A finales de año se separó definitivamente de The Crickets. Sin embargo él siguió grabando, e intentó expandir su sonido y grabó con secciones de cuerda. Algunos de sus últimas canciones fueron "True Love Ways", "Raining in my heart" y "Moondreams".

Fin de su carrera
Buddy Holly se encontraba con problemas económicos, y ya separado de The Crickets, decidió unirse a la gira Winter Dance Party, que consistía en una serie de conciertos alrededor de veinticuatro ciudades, durante sólo tres semanas, junto a Ritchie Valens, Dion and the Belmonts y The Big Bopper. Los músicos se encontraban acompañados por el grupo Waylon Jennings, el guitarrista Tommy Allsup y Carl Bunch en la batería.
Tras actuar en Clear Lake, Iowa, Holly con cansancio acumulado, decidió alquilar una avioneta ya que la calefacción del autobús se había roto y hacía mucho frío ese día (unos -30ºc), y además para tener más tiempo para dormir. El siguiente concierto que se iba a concretar iba a ser en Moorhead, una localidad ubicada en el estado de Minnesota. La avioneta que Holly había alquilado estaba pilotada por Roger Peterson, un joven e inexperto piloto. Su avión tenía la capacidad para tres pasajeros (cuatro contando el piloto), que tenían que pagar 36 dólares para el viaje. Entonces una vez finalizado el concierto, la avioneta despegó de Clear Lake, a la una de la madrugada, dos horas y media más tarde, se denunció la desaparición del avión. En ese avión, Holly estaba acompañado por Ritchie Valens y The Big Bopper. En esa misma mañana, se encontró en un campo de maíz un avión totalmente destrozado, alrededor de ese avión se encontraron los tres cuerpos de los músicos, habían salido despedidos por la gran colisión del avión contra el suelo del campo muriendo instantáneamente, en la cabina se encontró el cadáver del piloto, él no había sido despedido por el avión.
Así terminaba la carrera de Buddy Holly, quién más tarde se convertiría en uno de los músicos más influyentes de la historia del rock.

Repercusión de su fallecimiento
La muerte de Holly, Ritchie Valens y Big Bopper (tragedia conocida como El día que murió la música), causó un gran impacto en su época. Las dramáticas fotografías del accidente dieron la vuelta al mundo, Elvis Presley envió un telegrama de condolencia desde Alemania; a su entierro acudieron numerosos artistas y disc jockeys del momento; su féretro fue llevado por sus antiguos compañeros de The Crickets y por Phil y Don Everly; Eddie Cochran grabó una versión de la canción "Three stars" en honor de sus camaradas muertos, además, su muerte significó el último gran golpe que recibió el rock and roll.
La música de Buddy Holly era bastante innovadora para su época. Abandonó el rockabilly, el cual había sido su influencia primaria y enriqueció notablemente el lenguaje de la música popular de su tiempo. Utilizó instrumentos poco usuales en el rock & roll, como la celesta (en el tema "Everyday"), o las percusiones latinas. Fue un guitarrista influyente, tanto con la guitarra solista como con la rítmica, especialmente en canciones como "Peggy Sue" y "Not Fade Away". Aunque la mayoría de sus canciones reproducen los esquemas habituales de aquellos años, escribió también letras más sofisticadas. Muchos de sus canciones tienen melodías y armonías bastante más complejas que lo que se había hecho hasta el momento.
Durante el periodo de 1957 a 1958 Buddy Holly y The Crickets encadenaron una sucesión de sencillos que más tarde serían históricos, los cuales lo convirtieron en unos de los artistas más populares de su tiempo: "Peggy Sue", "Oh Boy!", "Not Fade Away", "Everyday", "Rave on", "Maybe baby" y "It's so Easy" son algunos de los más de veinte sencillos que colocaron en el Top 100 a ambos lados del Océano Atlántico, y algunos más exitosos en el Reino Unido que en los Estados Unidos.

Influencias
Buddy Holly fue una de las primeras grandes estrellas pop de aquella época. Fue el primer artista de su época que, sin renunciar a su patrimonio cultural como el country y generacional rock and roll, marcó un estilo en el que primaban la melodía y los arreglos sobre el ritmo. El esquema clásico, metódicamente repetido por millones de bandas de rock de todo el mundo desde entonces, de dos guitarras, bajo y batería, es establecido y popularizado por The Crickets. Además, fue un precursor en el campo de la fusión de las orquestas con los instrumentos amplificados, y en la introducción en el rock de sonidos poco habituales.
Buddy Holly y la banda experimentaron con sus canciones, utilizando trucos de volumen y otras técnicas desconocidas hasta el momento, de modo que el lanzamiento de "Peggy Sue", aprovechara la clase de cambios del volumen y el timbre en la guitarra que por lo general era utilizada para grabaciones instrumentales; asimismo "Words of Love" era uno de los ejemplos acertados más tempranos de voz doble-rastreada en el rock and roll, que The Beatles, en particular, lo utlizarían en la década de 1960.
Buddy Holly tuvo una gran influencia sobre los grupos británicos que comenzaron su carrera a comienzos de los años 60. De él tomaron su nombre The Beatles, ya que Beatles significa en inglés algo así como "escarabajos" es una referencia/homenaje a The "Crickets", que inglés es grillos. Se sabe que John Lennon tenía influencias del músico tejano. También se sabe que George Harrison aprendió a tocar la guitarra con su madre y los discos de The Crickets, y de hecho ellos grabaron su propia versión de "Words of Love", la cual se encuentra en su álbum Beatles for Sale, como también The Rolling Stones que grabaron su versión de "Not Fade Away", esta la utilizaron en varios conciertos como canción de apertura del show. También el otro beatle, Paul McCartney es fan de Buddy, y es además el propietario de los derechos sobre las canciones de Buddy, y de hecho tiene el catalogo entero de las canciones de Buddy, y entre 1978 y 1986 organizó anualmente "The Buddy Holly week", amén de producir y narrar el documental "The real Buddy Holly story" en 1982. En realidad se puede afirmar con rotundidad que, en mayor o menor grado, desde los The Kinks hasta los The Who pasando por The Animals, la sombra de Buddy Holly planeaba sobre cualquier grupo inglés del periodo 1963-1966.
El trágico accidente aéreo en que Holly perdió la vida inspiró a Don McLean para escribir, en 1971, su popular canción "American Pie", en que se refiere al día del accidente como El día que murió la música ("The Day That Music Died").
A principios de la década de 1970, apareció un curioso grupo llamado The Modern Lovers cuyo cantante, Jonathan Ritchman, un singular tipo que destilaba inocencia y sencillez por doquier, se reveló como uno de sus más fervorosos seguidores. Para finales de esta década, la música de Holly fue un modelo invocado por grandes nombres de la new wave, como Elvis Costello, en el Reino Unido, y Marshall Crenshaw, en Estados Unidos (quien interpretó a Holly en la película La Bamba, de 1987), quienes, al igual que los gemelos Craig de The Proclaimers, incluso han imitado su imagen personal.
El primer sencillo del grupo Rush de 1973, fue la canción "Not Fade Away", segundo tema del primer álbum.
Varios historiadores del rock and roll han afirmado que el grupo de The Hollies, se puso ese nombre en honor a Buddy Holly, más que nada a su apellido, Holley.
Incluso también en el punk, Buddy Holly tuvo su influencia, y esta es bien notoria en muchos temas de The Clash, cuyo líder Joe Strummer siempre se declaró incondicional de su trabajo.
En 1978 Blondie grabó una canción de Buddy Holly (I´m Gonna Love You Too) el cuál fue lanzado como single promocional de su álbum "Líneas Paralelas".
En 1994, el grupo estadounidense Weezer le dedicó a Buddy una canción incluida en su álbum debut homónimo, convirtiéndose en uno de los temas referenciales de la banda.
La canción de Radiohead, "True Love Waits" también hace referencia a la canción "True Love Ways".
En 2007 Paul McCartney hizo una versión acústica de I´m Gonna Love You Too de Buddy Holly en el dvd titulado The McCarney´s Years.

Buddy Holly en la escena
En 1978 se produjo el filme The Buddy Holly Story, protagonizado por Gary Busey y Charlie Martin Smith.
La película comienza desde que Holly era un estudiante de Lubbock hasta su trágica muerte. En esta película se pueden escuchar las canciones: "Oh Boy!", "That'll Be The Day", "Peggy Sue" y "Not Fade Away".
Aún así, como producto cinematográfico, la película está realizada con la suficiente calidad para que en los Premios Óscar de 1979, recibiera tres nominaciones (actor, sonido y banda sonora), y ganara uno, el de banda sonora, además de un premio BAFTA, el premio de la crítica y una nominación al Globo de Oro (en todos estos casos en la persona de Gary Busey).
Sin embargo, la polémica porque la palícula defiera con respecto a algunas cosas en la historia de Buddy Holly, sirvio para llevar a Paul McCartney, a producir el documental The Real Buddy Holly Story. Este documental habla de sus inicios, con respecto a la anterior película, este doumental narra la historia épocas antes de sus comienzos, también tiene detalles de la vida privada de Holly. Tiene entrevistas con Paul McCartney y Tommy Allsup.

The Coasters

The Coasters es un grupo rhythm and blues y rock and roll vocal que colocó éxitos durante la década de los años 1950 iniciando con Serchin y Young blood, la canción más memorable, escrita por el equipo de producción de Leiber y Stoller. Sus canciones han sido frecuentemente imitadas, dejando un importante legado a la música de los años 1960.

Estilo
Estilo: rhythm and blues, la banda original estaba integrada por Carl Gardner, Bill Guy, Bobby Nunn, cantantes de color con una marcada influencia Country e influido por el Western Norteamericano, sus temas y estilo son generalmente ambientados en el viejo oeste americano.

Historia
El equipo de composición Jerry Leiber y Mike Stoller había comenzado Spark Records, Y en 1955 produjo "Smokey Joe's Cafe" de The Robins (5 º individual con sus Leiber-Stoller). El disco fue tan popular que Atlantic Records Leiber y Stoller ofreció contratos de producción independientes para producir en the Robins para el sello Atlantic. Sólo dos de The Robins - Gardner y Nunn - estaban dispuestos a hacer el cambio a Atlantic, grabando sus primeras canciones en el mismo estudio que había hecho el Robins (Master Recorders). A finales de 1957, el grupo se trasladó a Nueva York y sustituye Nunn y Hughes, con Cornelius Gunter y Will "Dub" Jones. El cuarteto de nuevo a partir de entonces con destino en Nueva York (aunque todos tenían las raíces de Los Ángeles).

Legado
The Coasters tuvieron una importante repercusión entre los artistas de Rock de los 60s y 70´s por ejmplo Leon Rusell grabó "Young blod" en un concierto en Bangladesh en 1971, y en otros grupos como The Beach Boys, The Roling Stones y The Beatles. Entre los éxitos de The Coasters están "Yakety Jack", "Charlie Brown", "Poison Ivy" y "Alone came Jones", esta última, nombre de un filme.

The Allman Brothers Band

The Allman Brothers Band es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como "los principales arquitectos del rock sureño". La banda se formó en Jacksonville, Florida el 26 de marzo de 1969. La formación original estaba compuesta por Duane Allman (guitarras solistas y slide), Gregg Allman (voces y teclados), Dickey Betts (guitarras rítmicas y solistas, voces), Berry Oakley (bajo eléctrico), Butch Trucks (percusión) y Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (percusión). Los hermanos Allman, Duane y Gregg, formaron inicialmente una banda de garage llamada The Escorts, posteriormente formaron los Allman Joys y finalmente The Hour Glass con los que trabajaron en dos álbumes para la discográfica Liberty Records y un tercero que no llegó a editarse. El grupo fue liberado del contrato con Liberty a excepción de Gregg, de quien la discográfica pensaba que tenía un mayor potencial comercial. Duanne Allman compatibilizó su trabajo como músico de estudio para el álbum de Johnny Jenkins “Ton-Ton Macoute!”, donde puede oírse la primera grabación de un solo de guitarra de Duanne, con la realización de jams con Dickey Betts, Butch Trucks y Berry Oakley en Jacksonville. Duanne trajo a la germinal banda a “Jaimoe” y finalmente llamó a su hermano Gregg para acabar de completarla.

The Allman Brothers Band recorrieron el sur de los Estados Unidos realizando numerosas actuaciones en directo antes de grabar su álbum de debut “The Allman Brothers Band”. Este primer álbum obtuvo la aclamación general de la crítica especializada, aunque las ventas fueron escasas y únicamente llegó a los seguidores de culto del blues rock. La mayor parte del álbum estaba formado por piezas de clásico blues rock, pero destacaba por su germinal importancia 'Dreams' una pieza en compás 12/8 que proporcionaría la estructura rítmica de muchas de sus actuaciones en directo. Su segundo trabajo, "Idlewild South" (1970), producido por Tom Down, obtuvo un másivo éxito de crítica y una importante mejoría en las ventas. Temas como 'Revival' o 'Midnight Rider' con un sonido y duración más aptos a la reproducción radiofónica, facilitaron la popularización de la banda. Tras la grabación de este álbum, Duanne participó en la grabación del celebérrimo álbum de Derek and the Dominos “Layla and Other Assorted Love Songs” lo que aumentó la fama del grupo y facilitó su éxito en Europa.

1971, el año en que todo cambió
El año 1971 catapultó al grupo a la altura de leyendas del Rock. Durante los conciertos que el grupo realizó en la sala Fillmore East el 12 y 13 de Marzo, se grabó la esencia del virtuosismo y capacidad de improvisación del grupo. Aquellas sesiones quedaron registrada finalmente en un doble álbum “At Fillmore East” incluido por la revista Rolling Stone dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. “At Fillmore East” fue un vehículo de presentación mundial de la rica mixtura de jazz, música clásica, hard rock y blues que eran los Allman Brothers Band.

1971 habría sido el mejor año de la historia del grupo de no ser por la desgracia que les esperaba a la vuelta de la esquina: el 29 de octubre de 1971, muere Duane Allman en un accidente de motocicleta en Macon (Georgia). Duane fue fundador, líder y principal artífice de la mixtura de sonidos del grupo. Este virtuoso guitarrista, famoso por su toque de guitarra slide, será recordado además por su participación en el disco de Eric Clapton "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970). Lynyrd Skynyrd le dedicaron la canción "Free Bird".

Un año después, el 11 de noviembre de 1972, el bajista Berry Oakley también moría en accidente de motocicleta a pocas manzanas de donde lo hizo Duane. Berry no murió en el acto, pues tras el accidente se negó a recibir asistencia médica y murió pocas horas después de una hemorragia cerebral.

Ambos músicos están enterrados en tumbas contiguas en el cementerio de Macon (Georgia) donde el grupo compuso algunos de sus primeros temas como "In Memory of Elisabeth Reed" o "Little Martha", títulos que sacaron de lo que ponía en dos lápidas de dicho cementerio.

Era Post-Duane
La muerte del guitarrista y líder del grupo, y la posterior de su compañero, no puso fin a la carrera del grupo que cosecharon importantes éxitos con posterioridad con temas como el instrumental "Jessica", que apareció en el disco "Brothers and Sisters", de 1973, donde aún tocaba Oakley en algunos temas. La banda continuó sacando periódicamente trabajos hasta 1981 y, tras casi una década de descanso, reaparecieron en 1990 con el álbum "Seven turns".

Algunos de sus miembros siguen activos en Gov´t Mule, también haciendo blues rock.

Carl Perkins

Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee, 9 de abril de 1932 - Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998) fue un músico estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con la Sun Records en Memphis al comienzo de los años 50.
De origen humilde, su padre era un granjero arrendatario, Perkins se crió rodeado por la música gospel cantada por los afroamericanos en los campos del algodón.
A la edad de siete años ya jugaba con una guitarra que su padre le hizo con una caja de cigarros y los alambres de embalaje. A los trece, ganó un concurso de nuevos talentos con una canción que él mismo escribió y que la llamó "Movie Magg". Diez años más tarde, Perkins llevaría esa misma canción, renombrada como Sam Phillips, a la Sun Records.
Sus comienzos fueron trabajando en salones de baile country de su pueblo, acompañado por sus hermanos Jay con la guitarra rítmica y Clayton al bajo. De este modo terminaría también su carrera.

"Blue Suede Shoes"
En 1956, un desesperadamente pobre y luchador Perkins, escribió la canción "Blue Suede Shoes" (Zapatos de ante azul) sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso. En los Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias, dicho tema sería interpretado posteriormente por Elvis Presley con un estilo country más marcado, colocándolo nuevamente como un éxito.

Accidente
En el momento en que Perkins y Blue Suede Shoes veían la cima del éxito a nivel nacional, éste sufrió un grave accidente de coche. Ocurrió el 21 de marzo de 1956 cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión de Ed Sullivan que servía de trampolín a muchos artistas. En el accidente, ocurrido en Wilmington, fallecieron su hermano Jay y su manager. Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música todo un año. Durante su convalecencia, Perkins sólo pudo ver como su amigo, Elvis Presley, obtenía un enorme éxito cantando su misma canción.

La Versión
Intencionadamente o no, la versión de Elvis robó el éxito inicial de Perkins, y él nunca alcanzó otro nuevo éxito, incluso después de su marcha a la Columbia Records en 1958. Casi a la par Eddie Cochran, grabó una versión de Blue suede shoes a su estilo, más apegrada al estilo country de Elvis Presley, pero con el estilo llamado Sonido Cochran.

Sus canciones versionadas
Sin embargo, sus canciones fueron escuchadas por el público, en la interpretación de otros grupos, como la banda británica The Beatles, que grabaron los temas "Matchbox", "Honey Don't" y "Everybody's Trying To Be My Baby".
En 1968, Johnny Cash alcanzó, con la canción escrita por Perkins "Daddy Sang Bass", el número 1 en las listas de música country. Perkins pasaría una década de giras con los Cash. También realizaría giras con sus hijos Stan y Greg.
En 1982, Perkins colaboró en el álbum de Paul McCartney Tug Of War, haciendo dúo con el ex Beatle en la canción "Get It".

El Resurgir
Con el resurgir del rockabilly en los años 80 la estrella de Perkins volvió a brillar de nuevo. En 1985, Perkins regrabó su "Blue suede shoes" acompañado de dos miembros de los Stray Cats, como parte de la banda de música para la película "Porky's Revenge".
Al siguiente año, George Harrison, Eric Clapton y Ringo Starr aparecieron con él en un especial para la televisión grabado en Londres, titulado Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session (Carl Perkins y amigos: Una Sesión de Rockabilly).

Su retorno
También en 1986, volvió a los estudios de la Sun en Memphis, junto a Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison en el álbum Class of '55. El disco era un tributo a sus años en esa discográfica y, específicamente, al grupo Million Dollar Quartet formado por Perkins, Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash que realizaron sesiones improvisadas, hoy ya clásicas, que fueron grabadas el 4 de diciembre de 1956.

Sus reconocimientos
En 1985 lo incluyeron en la Nashville Songwriters Hall of Fame y en 1987, el reconocimiento de su contribución a la música le vino al incluirle en el Rock and Roll Hall of Fame, un museo dedicado a los artistas más influyentes del rock and roll. Su "Blue Suede Shoes" fue elegido como una de las 500 canciones más famosas del rock and roll y se le concedió un Grammy especial a su relevancia histórica.

Su último álbum
Su último álbum, Go Cat Go!, fue lanzado en 1996 y en el mismo colaboraron muchos de los artistas ya nombrados junto a otros nuevos como Paul Simon, John Fogerty, Tom Petty y Bono.

Muerte
Carl Perkins murió a la edad de 65 años a causa de un cáncer de garganta después de sufrir varios ataques. Fue enterrado en el cementerio de Ridgecrest en Jackson.

The Rascals

The Rascals fue una banda musical de indie rock procedente de la Península de Wirral cuyos miembros eran parte de The Little Flames. Han sido teloneros de bandas como The Coral o The Zutons pero destacan principalmente por haber sido teloneros de Arctic Monkeys. La banda surgió cuando Miles Kane (guitarrista y cantante), Joe Edwards (bajista) y Greg Mighall (batería), todos ellos antiguos miembros de The Little Flames estaban de gira como teloneros y decidieron dejar la banda y formar un nuevo proyecto. En septiembre de 2006 ya empezaron a escribir nuevo material y nació la banda. En diciembre de 2007 fue publicado su primer EP titulado Out Of Dreams bajo la discográfica Deltasonic Records. En enero de 2008 se ha puesto a la venta su single titulado Suspicious Wit. Su álbum debut ha sido grabado en Londres, grabaron 16 canciones de las cuales tendrán que escoger 12 y saldrá a principios de 2008. Los Rascals anunciaron su separación en agosto de 2009.

Swing Out Sister

Swing Out Sister es un grupo musical que se hizo conocer a nivel mundial por el éxito de 1987 llamado "Breakout", su única canción en alcanzar el top 10 norteamericano. Su sonido varía entre el smooth jazz y el acid jazz.

Swing Out Sister originalmente estaba formada por Andy Connell (teclados), Martin Jackson (batería) y Corinne Drewery (cantante). (El nombre viene de una película de 1945 llamada Swing Out, Sister.) Tanto Connell como Jackson tocaban en otros grupos antes de crear Swing Out Sister -A Certain Ratio y Magazine, respectivamente- y comenzaron a trabajar juntos en Broken Glass, mientras que Drewery trabajaba como diseñadora de modas antes de unirse al grupo.

Junto a su productor productor, Paul Staveley O'Duffy, firman con Mercury Records y lanzan su primer álbum, It's Better To Travel, el 11 de Mayo de 1987, el cual fue número 1 en el Reino Unido y generando sencillos de éxito como "Breakout" que tuvo una nominación al Grammy en 1988 y "Surrender".

El álbum es una mezcla de jazz y electropop, usando secciones de vientos y sintetizadores. Además de "Breakout," también tuvo resonancia "Twilight World" , la cual ha tenido muchas remezclas y fue una favorita de las pistas, y "Surrender" que contiene un poderoso solo de trompeta de John Thirkell.

Jackson abandonó el grupo durante la grabación del segundo álbum llamado Kaleidoscope World y así queda registrado en los agradecimientos del disco en donde se dan gracias a Martin Jackson y además se aclara que Swing Out Sister son Corinne Drewery y Andy Connell. "Kaleidoscope World" salió al mercado en mayo de 1989 con muy buena recepción de la crítica. Este álbum era más jazz y menos pop en especial en lo tocante a las letras. Una de las inspiraciones para este disco fue el compositor Jimmy Webb quien además hizo algunas de las orquestaciones del álbum.

El tercer álbum, "Get In Touch With Yourself" se lanzó en mayo de 1992. Este disco incluía una versión del clásico de Dusty Springfield llamado "Am I the Same Girl" que originalmente fue un tema instrumental de Young-Holt Unlimited y que después tuvo una letra adaptada para Barbara Allen. La canción que da título al álbum, que es una mezcla de soul de los 70s y pop dio una gran rotación al grupo en emisoras de radio especializadas en smooth-jazz y adulto contemporáneo.

"The Living Return" es el nombre del cuarto álbum del grupo, que salió al mercado en septiembre de 1994 y es una completa mirada a otro estilo respecto a los tres anteriores. Paul O'Duffy fue reemplazado por Ray Haydenquien le dio un sonido más crudo a las canciones al utilizar muchas veces lo que se obtenía de las sesiones de improvisación en el estudio. En este momento Swing Out Sister era una banda de diez componentes.

A excepción del primer álbum, los demás pasaron ignorados en las listas pop en general tanto en Estados Unidos como en los demás países occidentales, sin embargo la banda se hizo muy popular en Japón. Su canción "Now You're Not Here" fue usada como base para un programa de televisión, y recibió un premio llamado 'Grand Prix' (el grammy japonés) como mejor sencillo internacional de 1997.

El quinto álbum, "Shapes and Patterns" fue el primero del grupo que se lanzó solo en Japón, en Marzo de 1997 y un año después llegó a Europa y Estados Unidos. En este álbum vuelve el productor Paul O'Duffy y así mismo el tipo de arreglos de los tres primeros discos.

"Filth and Dreams" se lanzó como sexto álbum de la banda en Japón en Marzo de 1999 y demostró la capacidad del grupo para reinventarse. Es el único álbum de la banda que no se ha editado en otro país.

"Somewhere Deep in the Night"salió al mercado en Mayo de 2001 en Japón y posteriormente en el resto del mundo. Para muchos es el álbum con el sonido más cercano a esa mezcla deseada desde el principio entre jazz, soul y melodías suaves. Por esta época Universal canceló su contrato, así que firmaron con Shananchie Entertainment.

El último álbum de estudio de la banda llamado "Where Our Love Grows" salió en Japón en Abril de 2004 y en el Reino Unido en Julio del mismo año. Este álbum contiene más sonido jazz y menos pop, mostrando además un alejamiento de los ritmos de influencia acid-jazz de sus primeras producciones.

Heather Nova

Nova nació en Bermuda con el nombre Heather Alison Frith. Sus raíces paternas en la isla se remontan trescientos años atrás, mientras que su madre es de origen canadiense. La mayor parte de su infancia la pasó navegando con sus padres y sus dos hermanos en un barco de 12 metros, construido por su padre, por el Atlántico y por las islas del Caribe.
De pequeña, Nova comenzó a tocar la guitarra y el violín, y compuso su primera canción a los 12 años. Por aquel entonces su familia se trasladó a Nueva Inglaterra, donde realizó sus estudios escolares. Finalizados éstos en 1983, Nova estudió en la escuela de diseño de Rhode Island, en la especialidad de cinematografía, en la que se graduó en el año 1989. También tomó clases de poesía, y compuso letras y música para sus películas de estudiante. Más adelante abandonó el cine para dedicarse por entero a la canción.
Nova vive en Bermuda con su marido, el productor musical Felix Tod y con su hijo Sebastian, nacido en 2004.

Carrera
Después de finalizar sus estudios, Nova vivió durante un corto tiempo en Nueva York, donde intentó en vano interesar a varias empresas discográficos por su música. A continuación fue a vivir a Londres, donde residió durante los siguientes doce años y donde se sintió como en casa, ya que siendo originaria de Bermudas tiene la nacionalidad británica.
En 1990 apareció su primer single, Heather Frith, todavía con su nombre auténtico. Un año más tarde cambió su apellido por "Nova", nombre que eligió por poderse pronunciar fácilmente en cualquier idioma europeo. Su segundo single, Spirit Of You, y después su primer álbum, Glow Stars, aparecieron en 1993 y tuvieron una favorable acogida.
El año siguiente, Nova publicó su segundo álbum, Oyster, considerado probablemente el mejor de los que ha realizado. A lo largo de su carrera, Nova ha compuesto ya más de 100 canciones y es considerada una artista consolidada en el mundo de la música pop anglosajona.
Además de consolidarse en el mundo de la música pop, es conocida por las importantes colaboraciones que ha hecho con uno de los dj's más reconocidos a nivel mundial ATB, al prestar su voz en canciones como lo ha sido Love will find you y más recientemente Renegade, canción que actualmente es el sencillo más reciente del afamado dj alemán.
Grandes éxitos como : (London rain) tema que fue incluido en la afamada serie de Dawson's Creek.

Jean-Michel Jarre

Nació el 24 de agosto de 1948 en Lyón, Francia. Hijo de France Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.
Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales de Sudes", liderado por el maestro Jorge Gentile, el Rey Sudes, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage - Eros Machine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Consagración
Así llegó 1976, cuando este joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygène (considerado el álbum más importante de música electrónica). Este disco es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema Oxygene 4. Fue todo un evento, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.
Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo éxito que obtendría con Oxygene, así como tampoco con su posterior Equinoxe, que terminó consolidándolo como el más destacado de la escena mundial. Y dio inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en París en 1979, reuniendo a 1.000.000 de personas y rompiendo por primera vez en su vida un "Récord de Guinness". Tras esto prepara su tercer disco oficial, Chants magnétiques (cantos magnéticos juego de palabra con campos magnéticos, ambos se pronuncian igual en francés), que incluso en Estados Unidos (bajo el nombre Magnetic Fields) lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo éxito, es invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de ochocientos millones de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco The Concerts in China.
En 1983 graba Musique pour supermarchés (música para supermercados), disco de una sola copia, cuyos masters fueron destruidos y que fue subastado para incrementar la partida presupuestaria para los artistas franceses. Tras ese notable experimento (Récord Guinness de nuevo) llega Zoolook, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea bases y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes.
Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de 1 millón de personas (otro Récord mas). El astronauta Ronald McNair fue elegido para interpretar la parte de saxofón de Last Rendez-Vous de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger. Iba a ser la primera pieza de música grabada en el espacio. Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada Ron's Piece, y el concierto y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair. El gran concierto de Houston, sumado a un homenaje al Papa Juan Pablo II en su natal Lyon fueron plasmados en Cities In Concert, Houston-Lyon (originalmente "In Concert Houston-Lyon")
Llega 1988 y con su disco Revolutions hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, que finalmente se lleva a cabo los días 8 y 9 de octubre de 1988 en el Muelle Victoria ante más de 200.000 espectadores y que cuenta con la participación especial del guitarrista de The Shadows, Hank Marvin, con quien Jarre hace duple en London Kid, uno de los temas más destacados del álbum. Aquel concierto realizado en el Docklands de la capital britanca fue grabado en el álbum "Jarre Live", rebautizado en 1997 como Destination Docklands, the London Concert.

Años 90
Al comenzar la década de 1990 Jean Michel dedica su trabajo En attendant Cousteau ('esperando a Cousteau') al biólogo francés Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de los steeldrums -tambores metálicos con un característico sonido melódico, muy populares en Trinidad y Tobago o en Jamaica en los temas Calypso 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos. El momento para estrenar este album fue en el concierto Paris - La Défense, el cual fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi 2.000.000 de personas (convirtiendo en récord la reunión), y donde ademas hace una revisión de todos sus discos como manera de presentación de su proximo disco, el albúm recopilatorio Images estrenado en 1991. En este disco, además de incluir los mejores exitos de entre "Oxygene" y "En attendant Cousteau", aparecen tres temas inéditos: Eldorado, Globetrotter y Moon Machine (éste último se edita como "inédito", pero en realidad se publicó con anterioridad como cara B del maxi Fourth Rendez-Vous).
Los temas Eldorado y Globetrotter tienen una particularidad, pues antes del estreno del álbum pero siguiendo en 1991, Jarre comienza la promoción de un concierto que tendría lugar en la zona arqueológica de Teotihuacán, México durante el eclipse solar del 11 de julio de 1991; en el cual, haria estreno tal canción. Sin embargo, este nunca logró realizarse. De un principio se especuló que su cancelación se debió a problemas con los patrocinadores y con autoridades nacionales. Sin embargo, en el documental "Making the Steamroller Fly", que está incluido en el DVD "Oxygene Moscow", Jarre y otros colaboradores cuentan que la verdadera razón para la cancelación del concierto en México fue el hundimiento de un barco que transportaba desde Europa el escenario en forma de pirámide especialmente diseñado para la ocasión y otro material técnico sin el cual era imposible para Jarre realizar el espectáculo como lo tenía concebido. El músico comenta que había compuesto piezas especiales con influencias mayas y aztecas para el evento, aparte de los estrenados en el álbum recopilatorio. El propio Jarre señala que fue tal su frustración con la cancelación de este proyecto que "no pudo probar comida mexicana durante dos años". Aun asi, el single Eldorado de todas maneras pudo ser tocado en vivo despues de un tiempo, solo unos años antes de ser nombrada como el "Himno oficial de la UNESCO".
Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking La Historia del Tiempo lanza Chronologie, un disco que nos comunica la evolución en la historia del hombre. Este álbum incluye samples de sus primeros trabajos, como Eros Machine. Inicia un espectacular tour por Europa que lo lleva además a Hong-Kong. Es nombrado Embajador Universal por la Unesco y con este propósito realiza el megaconcierto Concert pour la Tolerance (1995).
En 1997 Jarre firma un contrato con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygene 7-13. Un álbum donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de 3.500.000 de personas disfrutaron del show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del álbum de remezclas Odyssey Through O2.
1999 fue el año donde planifica su más ambicioso proyecto: The 12 Dreams of the Sun, un espectacular show de doce horas para celebrar la llegada del séptimo milenio bajo las Pirámides de Egipto. Los temas recibieron una nueva armonización y el músico francés aprovechó para mostrar algunos cortes de su futuro disco "Metamorphoses". El concierto fue transmitido por Internet y ganó varios premios. Su lanzamiento en DVD se retrasa debido a problemas de derechos con el gobierno egipcio, pero es probable que se edite en unos años mas según una entrevista en el periódico El Mundo.

La metamorfosis del nuevo milenio
Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natacha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia de su música. Aquel año, Jarre preparaba un nuevo proyecto que no tuvo mucho exito, llamado The Vizitors; y en donde participaban Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher además de Jean-Michel. Durante el año 2000 se cancelaron varios conciertos.
En junio del 2001 Jarre brindó dos conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la asociación griega Elpida. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual sólo se regalaron mil copias) con 2 piezas de música incidental especialmente preparadas para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de sonido y video) en Francia. En este año también preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star y diversas composiciones para el canal francés Match Tv.
Durante el 2002 lanzó Sessions 2000, un compilado de temas creados durante el año 2000 los cuales fueron llamados según el dia en que fueron grabados. El 7 de septiembre realizó el concierto AERO - Tribute to the Wind en la localidad de Aalborg, Dinamarca. Este concierto tuvo como tema central la ecología, por lo cual gran parte de la energía necesaria para el concierto fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el evento.
El año 2003 se pone a la venta Geometry for Love, el cual tuvo un tanto de musica "electro-chill". El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Pekín, China; para celebrar el inicio del Año de Francia en China, el cual fue transmitido por televisión todo el gigante asiatico. Este concierto fue plasmado en el album Jarre in China, y sirvio para presentar su nuevo álbum recopilatorio conocido como AERO. El termino "AERO" (que correctamente debe escribirse como A.E.R.O.) es la abreviación de "Anthology of Electronic Revisited Originals" (en español "Antología de Originales Electrónicos Revisitados") y contiene sus mas grandes clasicos (entre "Oxygene" y "Chronologie") como tambien temas inéditos creados especialmente para este álbum, todos en formato de sonido 5.1 (transformandose en el primer álbum de Jarre grabado en este formato).
El 2005 y 2006 realiza pocos, pero concurridos conciertos. El 2005 realiza el concierto en Polonia Solidarnosc Live, Space of Freedom en la ciudad de Gdańsk, en honor al partido obrero cristiano "Solidarność" y al recien fallecido Papa Juan Pablo II; concierto que seria plasmado en el álbum Live From Gdańsk. En este concierto interpretó el tema musical "Mury", versión excepcional del tema "L'estaca" de Lluis Llach. En su rol de embajador de la UNESCO, brinda un espectacular concierto en la ciudad de Merzouga, Marruecos llamado Water for Life el 16 de diciembre de 2006, celebrando el año de la desertificación en el mundo.
El 26 de marzo de 2007 lanzó su nuevo disco de estudio titulado Téo & Téa, que cuenta con 13 temas orientados a volver al Jarre de los años 80, pero sin dejar los sonidos del género dance del nuevo milenio. No tubo una muy buena acogida. Ese mismo año, planifica un concierto en un parque eólico en Albanella (Italia), dentro del festival de tres días Powerstock, pero a cinco días antes del concierto el Power Stock Festival aún no se había dignado a firmar el pliego de condiciones de honorarios de la agencia del músico francés para su participación en el festival. Muchos fans que habían adquirido sus entradas, comprado sus billetes de avión y reservado sus hoteles, se quedaron tirados sin capacidad de cancelar, perdiendo mucho dinero por esta falta de seriedad del organizador italiano.
El 4 de diciembre tambien del 2007 lanza la tan esperada edición remasterizada de su gran álbum "Oxygene", titulado Oxygene, New Master Recording. Este es su nombre oficial, sin embargo su estreno no fue fechado al azar sino que coincide con el 30º aniversario del estreno internacional de su obra magna, es por eso que tambien se le llama "Oxygene, 30th. Anniversary". Y por ultimo, y en paralelo se estrena Oxygene, Live in Your Living Room el cual consiste en un DVD donde se escuchan los temas de "New Master" con ciertas variaciones entre los temas y un video en formato 2D. En edición limitada, se comercializo un pack con el CD de "New Master" mas el DVD de "Live in Your Living Room" en formato 3D (con sus respectivas gafas en 3D); luego, sale como álbum definitivo con el CD y el DVD en 2D. En forma de estreno de esta remasterización, brinda una serie de conciertos en Europa el año 2008 llamado Oxygene, 30th Anniversary Tour.

Ultimos años
El año 2009 Jarre realiza una gira en Europa donde repasará todos sus grandes exitos hasta la remasterización de "Oxygene" titulada In-Doors Arena Tour. Esta gira comenzo el 4 de mayo de 2009 en el pabellón Fonix Csarnok de la localidad húngara deDebrecen acompañado por Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard. A fines de 2009 se confirmó que la gira seguiría hasta septiembre de 2010 en mas ciudades del viejo continente y se agregaría un país del Medio Oriente asiatico (El Libano); nuevamente confirmando mas locaciones a mediados de aquel año, para Octubre, Noviembre y Diciembre. Hasta principios de diciembre de 2010 se presumía de que la gira seguiría prolongándose para el 2011, hecho que se confirmó el 20 del mismo mes ratificando mas conciertos en Europa para fines del 2011. Sin embargo, tanto en su Twitter oficial como en su Blog a dado a entender de que la gira el 2011 llegará a los otros continentes (dándole el carácter de "Gira mundial") diciendo principalmente que "We're working on it! Hope to be there next year!! Thanks" ("¡Estamos trabajando en ello! ¡¡Esperamos estar el año que viene allí!! Gracias"); no oficializándose nada, hasta el mismo 20 de diciembre de 2010 donde la pagina "Newsletter Jean-Michel Jarre" menciona de que efectivamente la gira llegará a América y Asia durante el 2011 aun cuando la pagina oficial de Jarre no confirma ningún concierto. Mientras, en las redes sociales mencionadas (agregándose ademas Facebook) muchos fans especulan su presencia en sus respectivos países y realizan grupos para que efectivamente el artista llegue.

Las partes confirmadas de esta gira son:

Parte 1: Comenzó el 4 de mayo de 2009 (como ya mencionamos) en Debrecen, Hungría; y terminó el 30 del mismo mes en Zürich, Suiza. Ademas de los mencionados, hace conciertos en Republica Checa, Polonia, Dinamarca (2 conciertos), Suecia (3 conciertos), Noruega, Finlandia, Reino Unido (4 conciertos), Países Bajos (Holanda), Bélgica y Alemania.
Parte 2: Comenzó el 1º de marzo de 2010 en Katowice, Polonia; y termina el 28 del mismo mes en Liège, Belgica. Ademas de estos, tambien realizó conciertos en Alemania (9 conciertos) y Francia (8 conciertos).
Parte 3: Se inició el 24 de mayo del mismo año en Budapest, Hungría; y terminó en Beirut, Líbano (siendo el primer concierto de la gira fuera de Europa) el 18 de septiembre del mismo año. En esta parte de la gira tambien visitó nuevamente Republica Checa y Noruega, y fue por primera vez en la gira a Eslovaquia, Grecia (2 conciertos), Rumania, Turquia (en Estambul, parte europea de Turquia) y España.
Respecto de este ultimo, el compositor realizo un gran concierto el 31 de julio de 2010 de manera gratuita en la Plaza del Obradoiro en la ciudad de Santiago de Compostela (noroeste de España) con motivo de la celebración del año Xacobeo, utilizando las escalinatas de acceso a la catedral como escenario y al propio templo como lienzo inmejorable en el que proyectar la amalgama de efectos visuales de la gira. El espectaculo conto con alrededor de 8.000 personas, la cual se completó horas antes del concierto, siendo mucha la gente que se tuvo que conformar con ver el concierto en una pantalla gigante situada en la cercana Plaza de la Quintana, colindante a la fachada trasera de la catedral. Además, el concierto fue emitido para toda Galicia por el primer canal de la TVG, y para todo el mundo a través de su canal internacional y de su emisión por internet.
Parte 4: Se inició el 30 de septiembre de 2010 en Tours, Francia; y terminará tambien en Francia, pero en la ciudad de Pau el 11 de diciembre del mismo año. En esta parte de la gira, realizará 17 conciertos en su pais, repitiendose nuevamente el concierto su natal Lyon (en el cual ya habia realizado un concierto en el marco de la gira en la 2º parte). Ademas de Francia estará nuevamente en Reino Unido (5 conciertos), Suiza, Polonia (4 conciertos), Eslovaquia, Paises Bajos y Belgica. Por primera vez en la gira estará en Irlanda.
Parte fines de 2011: Esta parte fue confirmada a fines de 2010 y esta programada para fines de 2011; y aun no esta numerada pues, eventualmente, la gira el 2011 comenzaría en America, Asia y Oceania, pero todo aun sin confirmar. Comenzará el 31 de octubre de 2011 en Frankfurt, Alemania y terminará en Zurich, Suiza el 20 de noviembre. Ademas, confirmo mas conciertos en Alemania (10 conciertos, incluido el primero de esta parte) y el primer concierto en Austria.
Ademas, durante el 2010, Jean-Michel ha estado escribiendo el prólogo de el libreto de un album llamado "Sonidos de la nave del misterio" patrocinado por el programa españolCuarto milenio, programa presentado por el periodista español de investigación Iker Jiménez, quien a su vez es gran amigo del artista. En agosto del mismo año fue condecorado con el "Premio a la trayectoria" por la revista "MOJO Magazine".

Vida personal
En lo familiar, de un principio no tuvo muy buena relación con su padre Maurice Jarre, debido a la separación de sus padres; sin embargo con el tiempo se fueron limando asperezas, a tal punto de que se vieron juntos en diversas oportunidades, entre estas la mas importante: la celebración de los 50 años de trayectoria de su padre. Al fallecer, Jean-Michel expreso su tristeza he hizo un reconocimiento a la carrera musical de su padre. Sin embargo, con quien tuvo un inconmensurable cariño fue con su madre, France Pejot con quien vivió toda su infancia. A la muerte de esta ultima el 21 de abril de 2010, menciono estar bastante dolido pues ella era parte importante en su vida.
En lo sentimental, el músico francés ha estado casado con la actriz y fotógrafa británica Charlotte Rampling, de la que se separó. En 1998, se le relacionó con la actriz francesa Isabelle Adjani, con quién rompió en 2004. Más tarde, en 2005 contrajo matrimonio con la intérprete Anne Parillaud, conocida por su papel en "La Femme Nikita", separándose posteriormente en el 2010 sin saber razón alguna.

Sarah Vaughan

Sarah Lois Vaughan (Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan (pronunciado Vo:n) y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como la más importante e influyente voz femenina del jazz, aunque su magisterio se extiende a toda el área de la música popular.

La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante. No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944. Cuando su gran amigo el también cantante negro Billy Eckstine formó su propia orquesta, Sarah se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Más allá de unos pocos meses con John Kirby entre 1945 y 1946, Sarah Vaughan desarrolló su carrera en solitario. Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable. Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares. Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.

Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquél, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown. Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.

Vaughan estuvo casada en tres ocasiones con George Treadwell (1946-1958), Clyde Atkins (1958-1961) y Waymond Reed (1978-1981). Siendo incapaz de tener hijos biológicos, Vaughan adopto a una bebé (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó como actriz en los 80 y 90 bajo el nombre de París Vaughan.

La vida personal de Sarah Vaughan fue un cúmulo de paradojas. Tenía una personalidad mercurial y podía llegar a ser extremadamente difícil trabajar con ella (especialmente en otras áreas fuera de la música), pero numerosos colegas músicos recordaban sus experiencias con ella como algunas de las mejores de su carrera. Ninguno de sus matrimonios tuvo éxito, aunque mantuvo largas e íntimas amistades con algunos hombres dentro del negocio y estaba enteramente dedicada a sus padres y su hija adoptiva. A pesar de la aclamación efusiva del público, Vaughan era una persona insegura y sufría de miedo escénico, que en ocasiones casi la incapacitaba. Aunque tímida y a menudo al margen con los desconocidos, era bastante gregaria y generosa con sus amigos.

El apetito de Vaughan por la vida nocturna era legendario y solía quedarse de fiesta después de sus actuaciones hasta bien entrado el día. Vaughan era una bebedora empedernida aunque, que se sepa, nunca hubo ningún incidente de intoxicación obvia sobre el escenario, que afectara a su habilidad interpretativa. Vaughan fue, supuestamente, usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando la carrera de muchos de sus colegas. Vaughan fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años.

Nancy Sinatra

Nancy Sandra Sinatra Barbato (8 de junio de 1940; Jersey City, Nueva Jersey), más conocida cómo Nancy Sinatra, es una actriz y cantante estadounidense. Es hija del fallecido Frank Sinatra con su primera mujer, Nancy Barbato.
Junto a su padre hizo la conocida balada Something stupid (1967), que años después versionaron Robbie Williams y Nicole Kidman. Aunque, posiblemente, Nancy es conocida por interpretar la pegadiza Sugar town, Lady bird o el éxito These boots are made for walkin' (1966). Lee Hazlewood, el compositor de este éxito de los años sesenta, llegó a producir nueve discos de Nancy e, incluso, grabaron varias canciones del disco Nancy and Lee (1968): un ejemplo es Some velvet morning. Un año antes pusieron voz a la banda sonora de la quinta película de James Bond Sólo se vive dos veces con la canción You only live twice.
Nancy se convirtió en un icono cool del momento. Un físico atractivo, elegante y siempre avanzada a la moda con faldas muy cortas para la época, hicieron que Nancy fuera todo un modelo para adolescentes que compraban sus discos de forma compulsiva.
Otro de sus éxitos -compuesto por Sonny Bono y editada en un primer momento por Cher en su álbum The Sonny side of Cher- fue Bang bang (My baby shoot me down). La versión, que Nancy grabó en 1967, fue utilizada por Tarantino en Kill Bill y volvió al estrellato.
En 2004 lanzó su último disco hasta el momento: To Nancy with love, con colaboraciones de Bono, Morrissey, Jarvis Cocker y Jon Spencer Blues Explosion. El primer single -Let me kiss you- fue escrito por el propio Morrisey. El 11 de mayo de 2006 recibió una estrella en el Paseo de la fama en Hollywood.

These boots are made for walkin'
Esta canción, que también ha sido versionada por Jessica Simpson, fue compuesta por Lee Hazlewood para él mismo. Aunque la canción se convirtió en todo un símbolo de la emancipación de la mujer en la década de los 60, hubiera sido toda una canción machista si hubiera sido cantada por Hazlewood. Y es que dice algo así cómo "si tú me has dejado, yo te aplastaré con mis botas".
Pero Nancy, con un físico de maniquí y con una picardía única, consiguió de ella un himno feminista que Stanley Kubrick utilizó cómo banda sonora para La chaqueta metálica. Las botas, entonces, dieron un significado marcial y antibelicista.

Michael Cretu

Michael Cretu (nacido Mihai Creţu el 18 de mayo de 1957 en Bucarest, Rumanía) es un músico conocido sobre todo por ser el creador del proyecto musical Enigma.
Ha trabajado a lo largo de su carrera con Boney M, Goombay Dance Band, Hubert Kah, Peter Cornelius, Manfred «Thissy» Thiers, Inker & Hamilton, Peter Schilling, Mike Oldfield, Sandra Ann Lauer, Peter Ries, Jens Gad, Frank Peterson, David Fairstein y Andru Donalds.
Tiene su propio estudio de grabación, los A.R.T. Studios, situados en su casa en la isla de Ibiza (España).

Inicio Como Solista
Michael Cretu nació de padre rumano y madre austríaca. Estudió música clásica en Bucarest en 1965, y en París (Francia), en 1968. Después cursó estudios en la Academia de Música de Fráncfort (Alemania), de 1975 a 1978, graduándose y obteniendo el Título en Música. Cretu fue empleado entonces como teclista y arreglista por Frank Farian, productor alemán que estaba detrás de artistas como Boney M. y Milli Vanilli en los años 70 y 80, respectivamente.
El primer lanzamiento de Cretu como solista fue el sencillo «Shadows Over My Head», de 1978, bajo el sello Polydor. Su primer álbum fue publicado en 1979 bajo el título de Moon, Light & Flowers.
El segundo álbum de Cretu como solista fue Legionäre, cantado en alemán y lanzado en 1983 en el sello Virgin junto a la versión cantada en inglés que lleva el título Legionnaires.
El tercer álbum de Cretu fue titulado Die chinesische Mauer, lanzado en 1985, cuyo título hacía referencia a la Gran Muralla China. Como su álbum anterior, fue cantado por Michael Cretu en alemán. Este álbum también se había lanzado en versión inglesa y con diferente listado de canciones bajo el nombre The Invisible Man. Varias de las pistas en The Invisible Man fueron remezcladas, teniendo una duración diferente a las versiones alemanas de Die chinesische Mauer. Contenía el sencillo «Samurai», que llegó a ser un éxito en Europa.

Como Productor
Mientras iba editando sus discos como solista, decidió formar parte en 1981 del grupo musical Moti Special, al cual produjo y con el que actuaba, hasta publicar el exitoso álbum Motivation en 1985.
Cretu se metió a partir de 1984 a productor del grupo musical Hubert Kah, empezando a escribir canciones con el líder de la banda, Hubert Kemmler, y logrando algunos éxitos para el grupo. Aparte de ese trabajo, Cretu fue uno de los productores en 1987 del álbum de Mike Oldfield Islands, concretamente de la última pista «The Time Has Come», y productor en 1988 del sencillo de Peter Schilling «The Different Story (World of Lust and Crime)».
Michael Cretu conoció a su futura esposa Sandra Ann Lauer cuando formaba parte como teclista en las giras en vivo de Arabesque, de cuyo trío femenino Sandra formaba parte desde 1979. Una vez separado el trío, Cretu co-escribió y produjo varios álbumes y sencillos de éxito para ella, empezando por la canción «(I'll Never Be) Maria Magdalena», que llegó a ser nº1 en las listas musicales de 21 países. Cretu decidió finalmente contraer matrimonio con Sandra el 7 de enero de 1988, del cual nacerían dos gemelos en 1995, llamados Nikita y Sebastian.
En 1987 formó con el que fuera también miembro como él de Moti Special, Manfred «Thissy» Thiers, el duo Cretu and Thiers, con quien editó el álbum Belle Epoque.
En 1988 se hizo construir los estudios de grabación A.R.T. Studios en su residencia en la isla de Ibiza. Los A.R.T. Studios se iban actualizando con el paso del tiempo hasta su total renovación en 2003.
En 1992, dos años después de haber editado el primer disco de su proyecto musical Enigma, Cretu publica un álbum en colaboración con Peter Cornelius, Cornelius + Cretu, cantado íntegramente en alemán.
En 1998, Cretu formó equipo con Jens Gad (anteriormente ya habían trabajado en el álbum de Enigma The Cross of Changes) para crear el disco The Energy of Sound bajo el nombre de Trance Atlantic Air Waves. Cretu y Gad trabajaron asimismo con el cantante jamaicano Andru Donalds, obteniendo éxito particularmente en Europa con la versión de «All Out of Love», incluido en su álbum Snowin' Under My Skin, de 1999.

El Proyecto Musical Enigma
Después del matrimonio con Sandra en 1988, Cretu tiene la idea de crear un proyecto musical llamado Enigma, sugerido por David Fairstein. En colaboración con Frank Peterson y David Fairstein, compone lo que llegaría a ser un sorprendente éxito mundial, el sencillo «Sadeness (Part I)», incluido en el álbum MCMXC a.D., de 1990, que también llegaría a ser todo un éxito. Uno de los aciertos de Michael Cretu era haber presentado una música nunca antes producida ni oída, lo que le obliga en adelante a moverse continuamente en busca de nuevas direcciones musicales y estar por delante de posteriores imitadores.
MCMXC a.D. esta 282 semanas en la lista de Billboard, y la abandona dos años más tarde, cuando se publica el segundo álbum de Enigma, The Cross of Changes, en 1993. Antes de esto, Frank Peterson tiene algunos desacuerdos con Cretu, abandonando el proyecto musical en 1991. Cretu cambia la dirección musical de Enigma de los cantos gregorianos a los cantos tribales publicando el sencillo «Return to Innocence», consiguiendo otro gran éxito a nivel mundial.
Cretu es abordado por Paramount Pictures en 1993 para convencerlo de que componga la banda sonora de Sliver (Acosada), presentando éste únicamente el sencillo «Carly's Song», cuyo título se basa en el nombre del personaje principal interpretado por Sharon Stone.
En 1996 se publica el tercer álbum de Enigma, Le Roi Est Mort, Vive Le Roi!. Estilísticamente, suena como una combinación del primer y segundo disco previamente editados. Aun así, no alcanza el mismo éxito que los anteriores.
Para el cuarto álbum, Cretu conduce el proyecto en otra dirección al usar samples del Carmina Burana de Carl Orff para The Screen Behind the Mirror. Andru Donalds y Ruth-Ann Boyle aparecen por primera vez en este disco. Aunque Jens Gad había trabajado con Michael Cretu en los primeros álbumes de Enigma, aquí es la primera vez que sale acreditado.
Decidiendo que la primera etapa de Enigma se había cerrado, Cretu lanza dos discos recopilatorios: Love Sensuality Devotion: The Greatest Hits y Love Sensuality Devotion: The Remix Collection.
Para entonces, Cretu está indeciso si continuar con el proyecto musical, hasta que presenta Voyageur en 2003. Sonidos tradicionales en su música como la flauta shakuhachi o los cantos tribales y gregorianos son reemplazados por rítmicas melodías orientadas al pop.
En marzo del 2006 se publica un nuevo sencillo llamado «Hello + Welcome», sin álbum de acompañamiento.
El 25 de septiembre se publica a nivel mundial el sexto álbum de Enigma, A Posteriori, siendo nominado a mejor álbum en la categoría New Age en los premios Grammy.
En noviembre de 2007 se produce el divorcio entre Michael Cretu y Sandra, lo que pone fin a una relación sentimental y fructífera relación artística de 19 años.
El 19 de septiembre de 2008 sale el séptimo álbum de Enigma, Seven Lives Many Faces.