sábado, 31 de diciembre de 2011

FELIZ AÑO NUEVO


Estamos terminando un año que para muchos ha sido bueno para otros regular y otros tantos diran que fuen malo. Pero que este 2012 sea un gran año para todos en especial que este cargado de PAZ, AMOR, SALUD y BUENA MUSICA, es el deseo de este equipo que agradece su apoyo y su acompañamiento incondicional dandonos ganas de continuar compartiendo historias de grandes bandas mundiales.... FELIZ AÑO NUEVO para toda la humanidad

sábado, 24 de diciembre de 2011

Feliz Navidad para todo el Mundo.


Así como Jesús Nació en la cuna de un pesebre deja que nazca hoy en la cuna de tu corazón y que la estrella que guiaba a los tres reyes magos también guíe tu vida por el camino del bien.

Este es el deseo de quienes integramos este equipo y les agradecemos el apoyo incondicional a quienes disfrutan con nuestras publicaciones por que eso no alienta a continuar …. FELIZ NOCHEBUENA Y POR SOBRE TODO MUY FELIZ NAVIDAD LES DESEAMOS A TODAS LAS PERSONAS DEL MUNDO……………..

sábado, 3 de diciembre de 2011

Morphine


Morphine fue una banda de rock alternativo creada por Mark Sandman y Dana Colley en Cambridge, Massachusetts, EE. UU., en el año 1989.
Morphine combinó elementos extraídos del blues y el jazz con arreglos más tradicionales de la escuela rockera, conjugando un sonido inusual y único. La forma distintiva de cantar de Sandman fue descrita como un "profundo, despreocupado y relajado susurro", y sus líricas revelaban una fuerte influencia de la llamada generación beat. Cuándo fueron consultados por reporteros para dar una descripción de su estilo, la banda creó la denominación "low rock". Una aproximación crítica estimó que "Morphine inmediatamente estableció un sonido minimalista, de bajo perfil que perfectamente pudo haberse convertido en un gimmick: un 'power trio' no elaborado en función de una guitarra eléctrica. En cambio, de manera perspicaz, Morphine expandió su vocabulario no convencional en cada álbum."
A pesar de que Morphine fue continuamente alabado por la crítica a lo largo de su existencia, es difícil determinar su éxito en términos comerciales. En los Estados Unidos la banda fue acogida y promocionada por la comunidad indie, incluyendo estaciones públicas de radio, estaciones de radio universitarias y el programa 120 Minutos de MTV (en el cuál fueron invitados especiales en una ocasión), pero recibieron poca atención de estaciones de radio comerciales, radios con temática rock y otros programas de televisión musicales. Esto limitó la exposición mediática necesaria para obtener mayor éxito en su país, mientras internacionalmente disfrutaron de amplia difusión y acogida, especialmente en Francia y Australia.

Inicios
Morphine se formó en 1989 por el bajista/vocalista Mark Sandman, quien previamente se había desempeñado en la banda de rock alternativo blusero Treat Her Right, y el saxofonista Dana Colley, un miembro original de la banda de Boston llamada Three Colors. Sandman y Colley invitaron al baterista Jerome Deupree a unirse al grupo para completar la formación inicial.
Morphine grabó su álbum debut, Good, para la firma residente en Boston Accurate/Distortion en el año 1991. El álbum recibió críticas positivas y estableció una pequeña pero fiel audiencia. Posteriormente, la banda firmó con Rykodisc, quién volvió a publicar Good bajo su propia firma.
Cure for Pain, publicado en 1993, incrementó la audiencia de la banda fuera de Nueva Inglaterra, y singles como "Thursday" y "Buena" tuvieron cierta difusión en radios universitarias. Durante la grabación de Cure for Pain, Deupree fue reemplazado por Billy Conway, quién había tocado con Sandman en el grupo Treat Her Right. Sin embargo, Deupree fue el ejecutor de la mayor parte del contenido percutivo que se puede escuchar en el álbum. Conway se mantendría como miembro permanente de Morphine mientras Deupree volvería más tarde para presentarse con la banda, ambos en el estudio y en las diversas presentaciones en vivo. Los créditos finales del álbum citan a ambos e incluye una foto de los bateristas tocando con el grupo simultáneamente. Una vez finalizado Cure for Pain, la banda inició un tour por Estados Unidos, Europa, Japón y Australia.
En 1994, los cortes "Sheila" e "In Spite of Me" fueron incluidos en el sountrack de la película Spanking the Monkey. La banda regresó al estudio en 1995 para producir el álbum Yes. En 1996, Morphine firmó con Dreamworks Records.
Dreamworks publicó su álbum debút en una firma grande, Like Swimming, el año siguiente. Fue un éxito de la crítica, pero no llevó a la banda a la exposición que ellos esperaban. Dreamworks produjo el video musical para el single "Early to Bed". Dirigido por Jamie Caliri y publicado en Marzo de 1997, el oscuro pero jocoso video se volvió instantáneamente el preferido entre los fans y fue posteriormente nominado para un Premio Grammy.
El último álbum de estudio editado por la banda, The Night, fue completado a comienzos del año 1999. El día 3 de julio, en 1999, Sandman colapsó en el escenario del festival Nel Nome del Rock en el Giardini del Príncipe en Palestrina, Italia (cerca de Roma). Pronto se develó que la causa del deceso fue un ataque al corazón causando la inmediata disolución de Morphine. A pesar de ello, el álbum The Night fue publicado en el año 2000.
Desde entonces, Bootleg Detroit, un "bootleg en vivo oficial", y The Best of Morphine: 1992-1995 han sido también publicados bajo el nombre de Morphine.

Orchestra Morphine, Hi-n-Dry, & Twinemen
Después de un año de la muerte de Sandman, Colley junto a Conway crearon Orchestra Morphine, un grupo de amigos y colegas de Sandman quienes fueron de gira para celebrar la música de la banda y para reunir dinero para la "Fundación para la educación musical Mark Sandman" (Mark Sandman Music Education Fund). Orchestra Morphine generalmente mostró material del disco The Night, pero también incluyó temas del disco Hypnosonics.
Más tarde, el cantante y guitarrista Laurie Sargent, un miembro de la banda Orchestra Morphine y miembro original de la agrupación Face to Face, se uniría a Colley y Conway en su primer intento de reagrupación post-Morphine, Twinemen. Conway y Colley también crearon el sello y estudio independiente Hi-n-Dry, convirtiendo el entorno de trabajo de Sandman en una empresa comercial. El listado del sello incluye un cierto número de amigos, colegas y otros músicos del área de Boston. Orchestra Morphine aún tiene reuniones ocasionales, pero ya no realizan giras.
En 2004, se publicó el box set de Mark Sandman llamado Sandbox por Hi-n-Dry. Contiene dos discos compactos y un DVD de material previamente no publicado, abarcando gran parte de la carrera musical de Sandman. El DVD incluye clips de diversos shows iniciales de Sandman, entrevistas durante giras de Morphine, y varios videos extraídos de proyectos como solista o en otros grupos de Sandman, tales como Treat Her Right. Sin embargo, éste box set no contiene ningún material de Sandman que pueda ser encontrado en el catálogo de Morphine, ni videos musicales de la banda, o algún material promocional publicado por Rykodisc o Dreamworks Records. Muchos creen que éste es el resultado de una relación poco cooperativa entre los miembros supervivientes de la banda y sus sellos discográficos, aunque Colley y Conway ambos contribuyeron a la publicación de The Best of Morphine, por Rykodisc en el año 2003.
Jerome Deupree continúa grabando con varios artistas de Jazz para posteriormente pasar a formar parte del grupo Bourbon Princess.
En el año 2006, Dana Colley formó la banda A.K.A.C.O.D. junto a Monique Ortiz (miembro inicial de Bourbon Princess). Su álbum debut, Happiness, fue publicado en 2007, y la banda estará de gira en 2008.
Instrumentos
La instrumentación usada por Morphine era bastante particular: El instrumento principal de Sandman es un bajo eléctrico de dos cuerdas (las cuales usualmente estaban tensadas de tal forma que emitían la misma nota) ejecutado con un slide (sin embargo a través de los diversos álbumes fue incluyendo diversos matices de guitarra acústica, piano, órgano eléctrico entre otros instrumentos). Colley tocaba generalmente un saxofón baritono, junto con saxofones soprano o tenor, y el raro saxofón bajo, llegando algunas veces a tocar dos al mismo tiempo, como Roland Kirk; también ocasionalmente acompañaba con percusión, y un dobro en uno de los B-sides.

Miembros de la banda
Mark Sandman - Bajo eléctrico slide de dos cuerdas, voces, órgano, tritar, guitarra, piano
Dana Colley - Saxo baritono, saxo tenor, saxo doble, triángulo
Billy Conway - Batería y percusiones varias (1993-1999)
Jerome Deupree - Batería y percusiones varias (1989-1993; 1998-1999)

Jeff Beck


Geoffrey Arnold ("Jeff") Beck (nacido el 24 de junio de 1944 en Wallington, Gran Londres, Reino Unido) es un guitarrista inglés de rock/blues que ha tocado en varias bandas influyentes en las décadas de los 60s y los 70s. Es uno de los tres notables guitarristas que tocaron en The Yardbirds, siendo Eric Clapton y Jimmy Page los otros dos. Durante 25 años ha mantenido una esporádica carrera en solitario. A pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck ha tenido un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas. Nunca nadie le ha encasillado en un género, Beck ha experimentado con blues rock, heavy metal y jazz fusion y actualmente ha absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy rock y música electrónica.

Primera Parte
Jeff Beck comenzó su carrera musical con un breve paso por la Escuela de Arte de Wimbledon, Londres. Se ganó la reputación apoyando a Lord Sutch , quien le ayudó a buscar trabajo como guitarrista líder de los Yardbirds, tras la salida de Eric Clapton. Beck permaneció en los Yardbirds durante casi 2 años dejándoles a finales de 1966 con la disculpa de abandonar la música.
Volvió meses más tarde con Love is Blue, un single en el cual tocó mal adrede porque odiaba la canción. Más adelante, en 1967 formó The Jeff Beck Group con el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Aynsley Dunbar, sustituido rápidamente por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins agregado a principios de 1968. Con sus potentes arreglos de temas de blues y sus intercalamientos de guitarra y voz, Jeff Beck estableció las bases del heavy metal. Ninguno de los disco de la banda como Truth(1968) o Beck-Ola(1969) (grabado con el nuevo baterista Tony Newman) fueron particularmente exitosos. La banda solía pelearse a menudo, especialmente en sus frecuentes tours en los EE.UU. En 1970, Stewart y Wood la dejaron para unirse a Faces, y Beck disolvió el grupo.
Beck intentó formar un potente trío con los miembros de Vanilla Fudge: Carmine Appice(batería) y Tim Bogert(bajo) pero sus planes se vinieron abajo cuando Beck sufrió un grave accidente de tráfico en 1970. Para cuando se recuperó en 1971, Bogart y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista formó una nueva versión del Jeff Beck Group con la participación del teclista Max Middleton, baterista Cozy Powell, el bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la banda grabó Rough and Ready(1971) y Jeff Beck Group(1972). Ninguno de ambos discos atrajo mucho la atención.
Cactus se disolvió a finales de 1972 y Beck, Bogert & Appice formaron un potente trío al año siguiente. El único álbum de estudio del grupo –una grabación en directo publicada en Japón pero nunca en EE.UU. o U.K.- fue ampliamente menospreciado debido a sus pesados arreglos y débiles voces y el grupo se disolvió al año siguiente.

Segunda Parte
Durante 18 meses Beck permaneció callado, re-emergiendo en 1975 con Blow by Blow. Producido por George Martin, Blow by Blow fue un álbum instrumental de jazz-fussion que recibió buenas críticas. Beck colaboró con Jan Hammer, ex teclista de Mahavishnu Orchestra para hacer Wired(1976) y apoyó el disco co-liderando una gira con la banda de Hammer. El tour se documentó en la grabación en directo de Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live. Tras el tour con Hammer, Beck se retiró a su estancia a las afueras de Londres y permaneció callado durante 3 años.
Retornó en 1980 con There and Back que contó con la colaboración de Hammer de nuevo. Nuevamente el tour de There and Back y Beck se retiró volviendo cinco años más tarde con el logrado Flash, producido por Nile Rodgers. Un disco de pop/rock grabado con una amplia variedad de vocalistas. Flash dio el único hit en single de su historia, el cantado por Stewart People Get Ready y también catapultó Escape, que ganó el Grammy por el Mejor Rock Instrumental.
Durante 1987 tocó la guitarra solista en el segundo álbum en solitario de Mick Jagger, Primitive Cool. Hubo una larga pausa entre Flash y el Guitar Shop de 1989, con Terry Bozzio and Tony Hymas. Aunque el disco sólo se vendió moderadamente bien, recibió buenas críticas y ganó, de nuevo, el Grammy de Rock Instrumental. Beck apoyó el álbum con una gira co-liderando con el guitarrista Stevie Ray Vaughan. De nuevo, Beck se retiró tras finalizar la gira.
En 1992, Beck tocó la guitarra solista en el disco de retorno de Roger Waters, Amused to Death. Un año más tarde publicó Crazy Legs con Big Town Playboys, un tributo a Gene Vincent y su guitarrista solista Cliff Gallup.
Beck permaneció en silencio, tras la publicación de dichos discos, antes de resurgir en 1999 con Who Else!. You Had it Coming fue la continuación 2 años más tarde. Con la pista Dirty MInd de este disco, Beck ganó su tercer Grammy en la categoría de Mejor Rock Instrumental.

Tercera Parte
La publicación en 2003 de Jeff mostró que el nuevo estilo eléctrico usado en los dos álbumes anteriores continuaba dominando. Este estilo ha sido laureado por los críticos. Beck funde magistralmente su influencia electrónica con su pasado de blues/jazz; un estilo fuertemente influido por el sonido "marrón" de posteriores guitarristas como Van Halen o Joe Satriani. El tema Plan B. de este mismo disco, le dio en otoño su cuarto Grammy.
En los últimos años, Beck ha tocado regularmente, incluida la presentación para B.B.King en el verano del 2003, respaldado por Terry Bozzio y Tony Hymas.

Los tours más recientes de Jeff Beck en el 2005 y el 2006 han incluido a Jason Rebello a los teclados, Vinnie Colaiuta a la batería y Pino Palladino al bajo (sustituido recientemente por Randy Hope-Taylor, a consecuencia del anterior compromiso de Palladino con The Who).
Beck gana por quinta vez el Grammy en enero de 2010 con el disco Performing This Week...Live At Ronnie Scotts.
Tras siete años desde su último trabajo, el próximo 13 de abril de 2010 saldrá Emotion & Commotion, disco que cuenta con la participación de una orquesta y artistas invitados de la talla de Joss Stone, Olivia Safe e Imelda May.

Técnica e Instrumental
Al contrario a otros guitarristas, Jeff Beck no se basa excesivamente en efectos electrónicos. El produce una amplia variedad de sonidos usando sus dedos y el vibrato de su Fender Stratocaster Signature.En un comienzo, Jeff Beck le hacía un corte con una hojita de afeitar al parlante para producir distorsión con su equipo. Esto sucedía en la década del 60. Más tarde llegaron los primeros pedales de efecto por lo que a partir de su aparición, usa frecuentemente un pedal wah-wah tanto en estudio como en vivo.
Junto con su Stratocaster, ocasionalmente toca una Fender Telecaster y Gibson Les Paul. Sus amplificadores son principalmente Fender y Marshall. En los primeros días con los Yardbirds, Beck también usó una Fender Squire con un Vox AC30.
En el álbum Beck-Ola usó ampliamente el pedal wah-wah del que se le considera un pionero. También ha usado una amplia variedad de pedales fuzz junto con pedales de eco. El más famoso de los usados es el pedal de distorsión Pro Co RAT.

Roxy Music


Roxy Music es un grupo de glam rock y art rock del Reino Unido surgido en la primera mitad de los años setenta. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock 'n' roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.
La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el Disco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción "Angel Eyes" del año 1979.
En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto 98 de su lista 100 Greatest Artists of All Time.

Primeros años
En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda The Gas Board, con la que interpretaba versiones de música soul. Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y clarinetista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Eno podía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió a la banda el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista, a través del acostumbrado anuncio en Melody Maker (Ferry llamó la atención de Manzanera por el texto del anuncio, en el que pedía "un guitarrista a lo Dick Tracy").
El primer single de la banda fue «Virgina Plain/The Numberer» (1972), que llegó al cuarto puesto en las listas británicas. La banda logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer álbum, Roxy Music (1972), introdujo un sonido original y cercano al glam. Luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum, For Your Pleasure (1973), Eno deja la banda por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

Sin Brian Eno

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, "Stranded", fue el mejor de la misma), por lo que sonido de la banda se concentró en el aspecto más "elegante" y más "decadente", y en las baladas y la voz de Ferry, de aquí saldría el single "Street Life" y un tema musicalmente muy novedoso para la época "Amazona".
El siguiente álbum fue "Country Life" 1974 un disco con mucha más energía de cuerdas que el anterior, de aquí se desprenderían dos singles "All I want is You" y "The thrill of it all". "Siren" salió en 1975 y produjo el primer hit de Roxy Music en Estados Unidos, "Love Is The Drug"; este álbum introdujo elementos más bailables y cercanos a la música disco. Tras la gira del mismo, la banda se disolvió temporalmente.

Pop y música de baile: 1979 - 1983
El grupo se reunió de nuevo para grabar Manifesto (1979) más convencional que los anteriores. De él se extrajeron dos sencillos: "Angel Eyes", una de las canciones precursoras de la Dance Music, y "Dance Away", que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda.
Flesh And Blood (1980) fue un álbum muy sensitivo marcado por su diversidad musical, con unas canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los 80, este álbum contenía los singles "Over You", "The Same Old Scene" y "Oh Yeah". En 1981 grabarían una versión del tema de John Lennon «Jealous Guy» a raíz del asesinato del mismo a fines del año anterior.
El álbum Avalon salió en 1982 y fue el último disco del grupo. Se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores, en este disco están contenidos los singles "More than this" y la balada "Avalon". La banda se separó en 1983.

Década de 2000
El grupo se reunió (sin Eno) en el año 2001 para salir de gira. Roxy Music apareció en el Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight de 2005. Según un anuncio en la página oficial de Phil Manzanera, el grupo estaría grabando un nuevo álbum con la presencia de Brian Eno.
Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry. Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista ("These Foolish Things", un álbum de covers) en 1973.

viernes, 2 de diciembre de 2011

Stereo MC’s


Stereo MC’s es un grupo inglés de música electrónica.
El dúo en el comienzo, tuvo su estudio de grabación llamado Gee Street. Durante uno de sus trabajos, decidieron grabar su primer álbum 33-45-78, junto con DJ Cesare y el vocalista Cath Coffey. Al año siguiente, la canción Elevate My Mind, fue el primer éxito de Hip-Hop inglés en los charts americanos.
Los Stereo MCs trabajarán en el remix de la canción Frozen de Madonna.

Integrantes
"The Head": nacido Nick Hallam, 11 de junio, 1960, Nottingham, Inglaterra.
"Rob B": nacido Robert Charles Birch, 11 de junio, 1961, Ruddington, Nottinghamshire, Inglaterra.
"Owen If": nacido Ian Frederick Rossiter, 20 de marzo, 1959, Newport, Monmouthshire, Wales
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The Damned


The Damned, considerado el responsable de iniciar el movimiento punk en el Reino Unido junto a bandas como Sex Pistols y The Clash, es un grupo de punk y más tarde también de rock gótico formado en Londres, en 1976.
Fue la primera banda punk inglesa en lanzar un sencillo (New Rose), sacar un álbum (Damned, Damned, Damned), y recorrer los Estados Unidos. La música de sus comienzos (más o menos entre 1976 y 1980) y en especial el estilo de batería de Rat Scabies fueron una gran influencia para la creación del Hardcore punk en los Estados Unidos. The Damned han sido considerados también como unos de los fundadores del rock gótico.
El grupo se ha separado y reagrupado muchas veces y sólo el vocalista Dave Vanian se ha mantenido constante en cada alineación. Sin embargo, las alineaciones siempre han incluido o bien al guitarrista Captain Sensible o bien al baterista Rat Scabies.
Los miembros originales del grupo Dave Vanian (David Lett), Captain Sensible (Raymond Burns) y Rat Scabies (Chris Millar), habían sido miembros del grupo Masters of the Backside, en el que también constaba Chrissie Hynde, futura integrante de The Pretenders.
El guitarrista original del grupo, Brian James (Brian Robertson) había sido miembro del grupo London SS, banda que nunca se presentó en vivo pero que tenía entre sus miembros a músicos como Mick Jones y Paul Simonon que más tarde llegarían a la fama en grupos como The Clash, Tony James en Generation X, y Casino Steel y Matt Dangerfield ambos en The Boys. Rat Scabies intentó formar parte del grupo, pero fue rechazado.

Formación y primeros éxitos
The Damned se presentaron por primera vez el 6 de julio de 1976, junto a los Sex Pistols, en el 100 Club. Sacaron su exitoso sencillo New Rose el 22 de octubre del mismo año en colaboración con Stiff Records, y el 18 de febrero de 1977 sacaron su primer álbum Damned, Damned, Damned, que contenía la canción "I Feel Alright", una adaptación de la canción "1970" de The Stooges, entre otros pequeños hits.
Tras su éxito inicial con Stiff Records, hicieron varios acuerdos que fracasaron con asombrosa regularidad con disqueras como Chiswick, Bronze, y Big Beat. En marzo de 1977, The Damned abrió un concierto de Marc Bolan y T. Rex durante el último tour de Bolan. Fue entonces que reclutaron a su segundo guitarrista, Lu Edmunds; esta decisión quizá se tomó para adoptar el sonido de guitarra dual de MC5, y posiblemente fue promovida de Brian James para mantener a Captain Sensible tocando el bajo, evitando así que le haga sombra.
El grupo, con esta nueva alineación, intento contratar a Syd Barrett para que produzca su segundo álbum Music for Pleasure pero no tuvieron éxito. Al final contrataron como productor a Nick Mason, también miembro de Pink Floyd, quien según ellos estuvo generalmente desinteresado durante el proyecto. Adicionalmente, álbum contó con la presencia del saxofonista de free jazz Lol Coxhill. Music for Pleasure fracasó entre los críticos y el público en general.

Finales de los 70'
Brian James, quien hasta entonces era el compositor del grupo, se retiró en 1978. El grupo se separó dando lugar a una serie de proyectos independientes con poco impacto comercial. Pronto The Damned volvieron a agruparse, culpando a James por su declive y separación, presentándose primero como The Dimmed y luego como The Doomed para evitar posibles problemas de marca registrada.
Captain Sensible entonces cambió el bajo por la guitarra, y el sintetizador. Tras un corto período con Lemmy Kilmister de Hawkwind y Motörhead como bajista para los demos de estudio, consiguieron como bajista a Algy Ward, antiguo miembro de The Saints. El grupo grabó más demos, y llegaron a un acuerdo con Chiswick Records que les permitió regresar al estudio para grabar otro álbum. Lanzaron una serie de sencillos que dieron lugar al álbum Machine Gun Etiquette; para entonces Sensible se convirtió en el principal compositor del grupo.
Con la llegada de Ward, el grupo trabajó con una mejor sección rítmica. La forma de cantar de Vanian se expandió de los gritos barítonos de los primeros álbumes del grupo a un estilo suave, tipo gótico. The Damned se hicieron un espacio propio con un estilo melódico oscuro que a veces era rápido y bullicioso, y otras veces relajado, con énfasis en los teclados. Estaban grabando Machine Gun Etiquette en los estudios Essex al mismo tiempo que The Clash iba a grabar London Calling. Joe Strummer y Mick Jones intervinieron -sin crédito- en la canción del mismo nombre.
A pesar de que sus discos rara vez estaban disponibles en los Estados Unidos, The Damned tenían muchos seguidores en ese país. A partir de su gira de 1977, sirvieron de inspiración a muchos grupos de New York y Los Ángeles. Los tempos rápidos de muchas de sus canciones del período entre Machine Gun Etiquette y Strawberries (incluyendo "Ignite", "There Ain't No Sanity Clause" y "Therapy") influenciaron a grupos que más tarde tocarían hardcore punk.
The Damned fueron el primer grupo punk inglés en tocar en Estados Unidos, dieron dos conciertos en el mítico CBGB de Nueva York (que viera nacer a Ramones y Talking Heads, entre otros), dos en Boston, dos en Los Angeles y dos en San Francisco.

Fase gótica
Virtualmente desde la formación del grupo, Dave Vanian tenía una apariencia vampiresca en escena, vestido formalmente y con su rostro pintado con maquillaje blanco. Tras grabar The Black Album, The Damned asumieron una estética parecida a la de la subcultura gótica. Enfatizaron el rol de Vanian en la banda sobre el de Sensible (quien se dedicaba a hacer payasadas), y su sección rítmica en cierto modo modificó su característica imagen punk. Para ese entonces, Ward había dejado el grupo, y fue reemplazado por Paul Gray. En este punto, comenzaron a usar más el sintetizador y la guitarra acústica.
Lanzaron el álbum Strawberries (incluyendo en su alineación al teclista Roman Jugg) en 1982, y adicionalmente una serie de sencillos independientes entre 1983 y 1984. Captain Sensible estuvo en un último concierto con el grupo en Brockwell Park antes de separarse para seguir una carrera de solista. En consecuencia, Jugg fue el nuevo guitarrista, y sin la presencia de Captain Sensible, la influencia gótica de Vanian dentro del grupo aumentó.
The Damned firmaron un contrato con MCA, dando lugar al exitoso álbum Phantasmagoria. Por otro lado, su siguiente álbum, Anything (1986), fue otro fracaso comercial, que acabó con el contrato del grupo con la disquera. No obstante, el sencillo "Eloise" se convirtió en un éxito en el Reino Unido y también MCA incluyó una canción del grupo ("In Dulce Decorum") en la banda sonora oficial de Miami Vice (1987).

Años recientes
Brian James regresó al grupo durante algunas presentaciones en vivo, algunas de las cuales aparecen en el álbum Final Damnation (1988).
Durante la década de 1990, dos grupos populares hicieron covers de sus canciones: Guns N' Roses interpretó New Rose para su álbum The Spaghetti Incident? de 1993, y The Offspring interpretaron Smash it up para la banda sonora de Batman Forever. Los dos álbumes fueron ampliamente distribuidos, y dieron a conocer la música de The Damned a una audiencia más joven, no familiar con el grupo.
En 1993 se formó una nueva alineación en el grupo, con Scabies, Vanian, los guitarristas Kris Dollimore, y Alan Lee Shaw, y el bajista Moose Harris (in 1995). Realizaron giras regularmente durante por cerca de dos años para promover su nuevo álbum, Not of This Earth. Cuando el álbum por fin salió al mercado, The Damned volvieron a separarse, en parte como resultado de una serie de batallas legales: Vanian y Sensible acusaron a Scabies de lanzar Not of This Earth sin autorización adecuada.
En 1996, Sensible se juntó de nuevo con Vanian y formaron una nueva alineación para The Damned. Esta alineación al principio contaba con el bajista Paul Gray, quien más tarde reemplazado por Patricia Morrison, ex miembro de The Bags, The Gun Club, y The Sisters of Mercy. En el 2001, lanzaron el aclamado álbum Grave Disorder, tras el cual realizaron constantemente giras musicales. Desde entonces, Morrison (quien dejó el grupo para dedicarse a su familia) fue reemplazada por Stu West.
En la actualidad (2006), The Damned realizan giras regularmente.

Elvis Costello


Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.
Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.
En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.
El disruptivo 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de "Alison" en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top40 en Estados Unidos). La portada con un Costello con Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos estéticos al punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones. La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country/root y que con el tiempo se convertiría en Huey Lewis and The News: ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formadada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. El otoño participaría en la Stiff Live Package, con otros grupos del sello como Ian Dury, Wreckless Eric y Nick Lowe. A final de año Jack Riviera deja Stiff para fundar Radar Records a donde se llevaría a Lowe y Costello, publicando su último single Watching the detectives (grabado con el bajista y batería de Graham Parker and The Rumours) a final de año.
En los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This Year's Model', otra colección de singles como fue el su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.
Costello cierra los setenta como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials.Son conocidas sus incursiones en el mundo de la música clásica como es el caso de sus obras "The Juliette Letters" y "Il Sogno". Elvis Costello se casó con Diana Krall en diciembre de 2003 y tuvieron dos hijos gemelos el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York, Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.
En 2008 Costello presentó un programa de televisión llamado Elvis Costello With... (Elvis Costello con...) co producido por CTV (Canadá), Channel 4 (Inglaterra) y Sundance Channel (Estados Unidos). El programa desarrollaba entrevistas en profundidad a miembros destacados del negocio musical. Su primer invitado fue Elton John. El espacio televisivo tenía fines benéficos, para recaudar dinero en la lucha contra el sida en África.

jueves, 1 de diciembre de 2011

Regina Spektor


Regina Spektor (en ruso: Регина Спектор) (Moscú; 18 de febrero de 1980) es una cantante y pianista estadounidense nacida en Rusia.
Esta talentosa artista nació el 18 de febrero de 1980 en Moscú en el seno de una familia judía. Su padre, Ilya Spektor, fotógrafo, fue también violinista aficionado, mientras su madre es profesora de música, y enseñó en un colegio de música en Rusia, y actualmente lo hace en una escuela pública básica en Mount Vernon, localidad ubicada en la misma ciudad en la que ellos residen.
La familia abandonó Rusia en 1989, durante la Perestroika, cuando a los ciudadanos rusos se les permitió emigrar del país. En su país natal, Spektor tocaba el piano desde que tenía seis años, y escuchaba bandas de rock, como The Beatles y Queen. Cuentan que de pequeña Regina soñaba con ser concertista clásica de piano[cita requerida] y que los primeros años de su nueva vida en Norteamérica, habiendo tenido que dejar su instrumento en su lejano país de nacimiento, los pasaba la niña practicando escalas en cualquier superficie plana, ya fuera el tablero de una mesa o el alféizar de una ventana.
Durante su adolescencia fue descubriendo nuevos estilos musicales, básicamente pop y jazz, que fueron llevando sus pasos hacia terrenos alejados de su primera formación clásica. Dice haber descubierto a Radiohead a los 21, a Tom Waits a los 22 gracias a cintas que le grababan sus amigos. Amiga y telonera de The Strokes (y voz femenina en Modern Girls and Old Fashion Men, canción que interpretó a dúo con Julian Casablancas), el productor de los dos primeros discos de estos, Gordon Raphael conoció uno de los dos primeros discos —11:11 y Songs— grabados de forma casera y autoeditados por la joven Regina Spektor. El hombre se sintió hechizado por la capacidad expresiva y los extraños registros de su voz y le propuso grabar unas canciones en su estudio.
En los últimos años ha pasado de tocar ante pequeñas pero entregadas audiencias en lugares como el Sidewalk Café (uno de los centros neurálgicos de la movida anti-folk en Manhattan) y otros garitos similares del Lower East Side neoyorkino a llenar lugares con aforos superiores a las mil personas como el Irving Plaza de Nueva York o el Shepherd’s Bush Empire de Londres.
Tras editar en 2003 Soviet Kitsch de la mano de Shoplifter en el Reino Unido y Sire en Estados Unidos —su primer álbum comercial— Regina Spektor ha dado un nuevo paso en su carrera hacia la normalización de un sonido que hasta ahora siempre se había basado en los timbres de su voz, su versátil técnica al piano, y, ocasionalmente, una baqueta con la que golpeaba la silla donde se sentaba a tocar el piano.
Regina Spektor tardó dos meses en grabar Begin To Hope (Warner, 2006), mucho más tiempo del que se había tomado nunca hasta ahora para grabar uno de sus discos: Songs se grabó en 1 solo día, y Soviet Kistch en 10, en un estudio profesional con la ayuda del productor David Kahne. En 2008 apareció en la banda sonora de The Chronicles of Narnia: Prince Caspian con la canción The Call. También grabó "Far", que vio la luz el 22 de junio de 2009 y ese mismo año participó en la banda sonora de la película (500) Days of Summer con las canciones "Us" y "Hero", siendo una de estas incluida en el inicio de la pelicula y el trailer de esta misma.
Regina Spektor dice que ella ha creado un gran número de canciones. También dice que nunca planeó escribir ella misma las letras, pero que "las canciones parecen seguirla".
Las canciones de Spektor normalmente no son autobiográficas, pero raramente están basadas en escenarios o personajes simplemente creados de su imaginación.
Sus canciones están influenciadas por el folk, punk, rock, Secular Jewish music, estilo Ruso, hip hop, jazz y música clásica.
Spektor ha dicho que trabaja duro para asegurarse que cada una de sus canciones tenga un estilo musical propio, en lugar de intentar desarrollar su propio estilo musical y aplicarlo a todas sus canciones.

The Clash


The Clash fue una banda británica de punk que estuvo activa entre 1976 y 1986। El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio.
Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época. Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años '80.
Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1980), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Billboard lo calificó como el mejor de los años 1980, y según la revista Rolling Stone como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, donde también figuran otros dos discos del grupo, The Clash y Sandinista!, en las posiciones n.º 77 y n.º 404 respectivamente.
Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción fue un gran éxito 6 años después de la disolución del grupo debido a su uso en una campaña publicitaria de Levi's.
En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos. Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición n.º 30 de "The Immortals". la banda se le calculan unas 180 millones de discos y 78 milllones en estados unidos
A lo largo del tiempo, se ha asentado entre los fanáticos y los críticos el apodo atribuido en una ocasión por su discográfica CBS Records, "the only band that matters" (en español "la única banda que importa") para referírseles. La aplicación del mismo refiere a que el grupo nunca se desvió de sus ideales ni de sus costumbres por buscar beneficios personales.

1976 - 1978: formación y primeros éxitos en el Reino Unido
La banda tuvo sus inicios en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres, en 1976, durante los inicios del punk británico. Estaba originalmente formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería), acreditado en su primer álbum como "Tory Crimes" presuntamente por el descontento de los otros miembros con sus ideas políticas (en español "crimes" quiere decir "delitos", mientras que Tory es una palabra en inglés británico para definir a un conservador).
Mick Jones, Paul Simonon y Terry Chimes en principio habían formado parte del grupo London SS y Joe Strummer había participado desde mayo de 1974 en el grupo The 101'ers. Gracias al consejo del mánager de la banda, Bernie Rhodes, los tres primeros reclutaron a Strummer luego de verlo con su grupo en una presentación en vivo diciéndole en palabras textuales: "eres bueno, pero tu grupo es una mierda". Levene nunca llegó a grabar con la banda ya que dejó el grupo, antes del lanzamiento del primer disco y, más adelante, se convirtió en miembro de Public Image Ltd., liderado por John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols. Jones reconoció años más tarde que fue expulsado del grupo por no asistir a los ensayos. El nombre "The Clash" (en español: "el conflicto") fue sugerido por Simonon luego de haber leído la palabra en reiteradas ocasiones en un mismo periódico.
El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera vez actuando como soporte de los Sex Pistols en un recital en Sheffield donde la banda interpretó los temas "Janie Jones", "London's Burning" y "1977", mostrando un estilo punk puro con una diversidad musical casi nula. Luego del recital, la revista NME publicó una frase que con el tiempo se haría famosa:
The Clash es la típica banda de garage (cochera) que debería rápidamente regresar a su garaje, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor prendido
Charles Shaar Murray
Luego, en el otoño europeo de ese año, el grupo firmó por un total aproximado de £ 100.000 con la discográfica CBS Records, una de las más prestigiosas por ese entonces, generando el descontento entre algunos fanáticos y derivando en otra recordada frase:

Punk died the day The Clash signed to CBS (en español: el punk murió el día que The Clash firmó con CBS)
Mark Perry


En noviembre de ese mismo año Chimes decidió dejar el grupo, no obstante, volvería temporalmente unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda. En diciembre de ese año, y con Rob Harper reemplazando a Chimes en la batería, The Clash se unió a Sex Pistols y The Damned para el desastroso Anarchy Tour que fue cancelado tras solo siete conciertos.
Ya en 1977, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", en marzo y un mes más tarde salió al mercado el primer LP homónimo, The Clash, caracterizado por una crudeza musical y letras políticas, sociales y agresivas. El álbum alcanzó un éxito considerable en el Reino Unido, pero Epic Records, la discográfica responsable de la banda en los Estados Unidos, no lo publicó en primera instancia en el mercado americano ya que lo consideraba demasiado crudo y rudo. Recién dos años más tarde, y luego de que el disco se convirtiera en el más importado de la historia de los Estados Unidos, se emitió una versión modificada del mismo para dichas tierras llamada habitualmente The Clash US.
Después del primer disco, Terry Chimes dejó definitivamente el grupo por diferencias personales con el resto de los integrantes, iniciándose así un proceso de búsqueda de baterista que acabó con la incorporación de Topper Headon. Años más tarde, Headon admitió que se había unido al grupo buscando reputación para luego encontrar una banda más prestigiosa donde tocar pero con el tiempo, y al ver el progreso musical de The Clash, decidió quedarse definitivamente.
Finalmente, en mayo de ese año el grupo emprendió su primer gira mundial, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en Inglaterra, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania.
Durante la gira y la grabación de su primer álbum The Clash comenzó a formarse una imagen conflictiva siendo arrestados sus miembros por vandalismos y por dispararle a los gorriones que se posaban en su sala de ensayos con rifles de aire comprimido (la canción "Guns on the Roof" de su segundo álbum trata el tema en cuestión).

1978 - 1982: éxito internacional
El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon en todos los temas. Tras ver al baterista en acción, el productor quedó sorprendido por su perfección tempística y lo apodó The Human Drum Machine (en español: La caja de ritmos humana). El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir críticas negativas por parte de los expertos, tuvo éxito con el público británico.
Give 'Em Enough Rope fue el primer trabajo oficial de The Clash en salir a la venta para los Estados Unidos, por lo cual la banda emprendió su primer gira por tierras norteamericanas para promocionarlo a comienzos de 1979. Más tarde ese mismo año se emitió la versión alterada de su primer álbum, The Clash US, mencionada previamente.
Su tercer álbum, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue emitido también en 1979 y marcó el punto de mayor éxito crítico y de inflexión comercial en los Estados Unidos del grupo. Inicialmente, fue visto con recelo por los fanáticos británicos de Clash ya que los discos dobles estaban asociados con el rock progresivo y no con el punk. En London Calling la banda experimentó con una amplia gama de estilos musicales como el rockabilly americano, el reggae jamaiquino y los estilos dub y ska populares en Gran Bretaña. El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock y fue posicionado octavo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, primero en su lista de los mejores álbumes de los años 1980 y cuarto por la Revista Q en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia. El estilo de las letras de la portada de London Calling es un homenaje al primer disco de Elvis Presley mientras que la foto usada muestra a Paul Simonon golpeando contra el piso su defectuoso bajo en un show de Nueva York de ese mismo año. Según Simonon, que en un principio no quería que se usara la foto para la tapa del álbum, fue la única vez que rompió un instrumento en el escenario. Irónicamente, el tema más exitoso del disco, "Train in Vain (Stand by Me)" que llegó al n.º 23 en las listas estadounidenses, no había sido incluido en un principio en London Calling ya que la banda tenía pensado emitirlo como flexi disc en la revista NME. Sin embargo, a último momento y por decisión de Mick Jones, fue agregado como pista oculta.
Más tarde, hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!, nombre utilizado para hacer referencia al Frente Sandinista de Liberación Nacional de Nicaragua. Una vez más, los miembros insistieron en que se venda al precio de uno, pagando de sus propios bolsillos la diferencia al resignar parte de sus ganancias.
Sandinista! mostró una variedad de estilos aún más amplia y experimental que London Calling y se encontró con reacciones diversas por parte de los críticos y los seguidores. Durante las sesiones el grupo grabó cada idea que tuvieran en su momento, alejándose del punk y recurriendo a la experimentación con el dub ("One More Time"), jazz ("Look Here"), hip hop ("The Magnificent Seven"), música de cámara ("Rebel Waltz") y gospel ("Hitsville UK" y "The Sound of the Sinners").
Al igual que su anterior material, Sandinista! tuvo éxito en el rubro de las ventas, lo cual no es común en álbumes triples. Luego del lanzamiento del disco, The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó shows en lugares tan alejados como el este de Asia y Australia.
Durante estos años, las tensiones y los conflictos dentro de la banda comenzaron a crear rumores de separación. Las giras, la fama y la constante convivencia no daban descanso, develando ciertas asperezas en el seno del grupo. Sin embargo, The Clash se las arregló para grabar más y de esta manera emitir su álbum de mayor número de ventas alrededor del mundo, Combat Rock. En dicho álbum se encontraban los exitosos temas "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go", este último el único en llegar al primer puesto en la UK singles chart, aunque nueve años después de su emisión y gracias a su uso en una publicidad.

1982 - 1983: conflictos y separación
Después de Combat Rock, The Clash comenzó lentamente a desintegrarse. Topper empezó a sentir el cansancio de las desgastantes giras y se vió obligado a tomar un descanso; durante el receso, en una insólita actitud de la banda (claramente influenciada por su mánager) se dio a conocer la explusión del batería bajo la acusación de una relación adictiva con la heroína. Sin embargo, el mánager de la banda, Bernie Rhodes, ocultó la razón real atribuyendo a "diferencias políticas" el motivo de la salida. El baterista original de The Clash, Terry Chimes, regresó para los próximos meses.

La problemática también se evidenció en el conflicto que surgió entre Jones y Strummer, a pesar de que existe la creencia que Bernie Rhodes fue quien creó la fricción entre ambos para obligar a Jones, a quien consideraba arrogante, a dejar la banda. Durante dichos años, a pesar de continuar haciendo giras y actuar como soporte para The Who en la de 1982, los miembros mantuvieron una relación distante. De hecho, las fechas originales de la gira británica para Combat Rock se cancelaron porque Strummer desapareció poco antes del comienzo de los shows sin previo aviso.
Chimes dejó la banda luego de la gira de Combat Rock realizada durante 1982 y 1983 convencido de que las peleas internas la harían separarse en breve. En 1983, y luego de una larga búsqueda por un nuevo baterista, Pete Howard fue elegido para tocar con el trío. Ese mismo año The Clash tocó en el festival de San Bernardino, California donde fue, junto a David Bowie y Van Halen, una de las bandas principales. Con aproximadamente 500.000 personas presenciando el show dicha presentación en vivo fue, por mucho, la de más concurrencia en la historia de la banda. Sumado a esto, esa fue la última presencia de Jones con The Clash.
En septiembre de 1983 Strummer y Simonon, apoyados por Rhodes, apartaron a Mick Jones del grupo argumentando que se encontraban descontentos por su comportamiento problemático, sus diferentes aspiraciones musicales y su "ceguera por el estrellato".
Luego de una serie de audiciones, la banda anunció que Nick Sheppard y Vince White serían los nuevos guitarristas. Howard continuó siendo el baterista, a pesar de que se especuló que pudieran volver Headon o Chimes para reemplazarlo. En enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en una gira autofinanciada para exhibir su nuevo material, a la que llamaron Out of Control Tour.
La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum.

1983 - 1986: Cut the Crap y el fin de The Clash
Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Múnich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después.
Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas así como covers de las canciones "Twist and Shout" y "Stepping Stone" entre otras.
Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro। Al regresar disolvió la banda. Durante su alejamiento, se emitió el primer sencillo de Cut the Crap, "This is England", que tuvo críticas principalmente negativas. La canción, así como el resto del álbum que salió a la venta más tarde durante el año, había sido drásticamente modificada por Rhodes, agregándosele sintetizadores, caja de ritmos y cantos de tribuna a las grabaciones de voz incompletas de Strummer. Otras canciones tocadas en la gira aún no han sido emitidas oficialmente al día de hoy como por ejemplo "Ammunition", "In the Pouring Rain" y "Glue Zombie".


Influencia
The Clash ha sido musicalmente, y por su activismo político, influencia central para una gran cantidad de bandas e intérpretes tanto del punk y del rock en general como de otros variados géneros। Entre las más destacadas se encuentran U2 (particularmente Bono que la calificó como "la mejor banda de rock" y The Edge que calificó a sus presentaciones en vivo como "una experiencia que te cambia la vida"), Pearl Jam (particularmente Eddie Vedder y Jeff Ament), Arctic Monkeys, Public Enemy (particularmente Chuck D) The Strokes y Rage Against the Machine। En 1999 fue emitido el álbum tributo Burning London (que tuvo mayormente críticas negativas) donde No Doubt, Ice Cube, Rancid, Third Eye Blind, Indigo Girls, Moby y Heather Nova, entre otros, versionaron temas del grupo। En 2006 fue lanzado el box set Singles Box que incluyó un extenso cuadernillo donde varios intérpretes musicales, como Steve Jones, Damon Albarn(Blur), Shane MacGowan, Pete Townshend, Carl Barât y Bernard Sumner, u otras figuras reconocidas, como los novelistas Irvine Welsh y Nick Hornby así como el director cinematográfico Danny Boyle, expresaron su admiración por la banda británica। La influencia de The Clash en Green Day se ve en canciones como "Welcome to Paradise"। También aprendieron del grupo, ya que Green Day y The Clash empezaron con punk y después le surgieron más géneros। La movida de The Clash con London Calling y Sandinista! le dio el empujón a Green Day para animarse a experimentar en Nimrod।

Willy DeVille


Willy DeVille (25 de agosto de 1950 - 7 de agosto de 2009) fue un cantante y compositor estadounidense.

Empezó su carrera en Nueva York en plena época punk con la banda Mink DeVille en 1974, antes de iniciar su carrera en solitario en 1985. Su estilo musical era una mezcla de rhythm and blues urbano de los años 1950 y 1960, de música latina y de portorriqueña. Tras unas incursiones en el soul y la salsa, su música se tiñó con la influencia cajún de Nueva Orleans, donde se instaló en los años 1990. Amante de Francia, donde grabó parte de su álbum Le Chat Bleu (al español, «El Gato Azul») (1980), era un gran admirador de la cantante francesa Édith Piaf. Su último álbum, Pistola, apareció en 2008.
Creó, en una carrera artística de 35 años, canciones famosas por su originalidad con raíces de estilos musicales tradicionales americanos. Trabajó con artistas de lo más variado en la música contemporánea, entre los que cabe destacar a Jack Nitzsche, Doc Pomus, Dr. John, Mark Knopfler, Allen Toussaint, Eddie Bo, Brenda Lee, Los Camperos de Nati Cano y David Hidalgo. Sus canciones están cargadas de ternura y romanticismo. Ritmos latinos, toques melancólicos de blues, doo wop, música cajun o cabaret francés e influencias del soul de los años 1980.
Falleció de cáncer de páncreas en la noche del 6 al 7 de agosto de 2009 en un hospital de Nueva York, su ciudad natal. «Willy DeVille se fue esta noche al lado de Edith Piaf, Jack Nitzsche y Johnny Thunders», comunicó la empresa organizadora de sus giras por Francia, Caramba Spectacles. El artista padecia también hepatitis C.

jueves, 3 de noviembre de 2011

Montell Jordan


Montell Jordan (nacido el 3 de diciembre de 1968 en Los Ángeles, California), es un cantante afroamericano de R&B, compositor de canciones y productor musical. Jordan fue el primer artista de R&B en firmar por el sello discográfico Def Jam, y se convirtió en el artista masculino principal de Def Soul hasta su abandono en 2003.

El primer single de Jordan fue "This Is How We Do It", en 1995, convirtiéndose en #1 y definiendo el estilo musical hip hop soul. "This is How We Do It" y el siguiente single "Somethin' 4 Da Honeyz", mostraron fuertes influencias del hip hop. Futuros éxitos como "Let's Ride" con Master P en 1998 y "Get It on Tonite" en 1999 llegarían.
Jordan dejó Def Soul en 2003 y grabó el álbum Life After Def en Koch Records.
Además de crearse su propio material, Jordan ha escrito y producido para numerosos artistas como Christina Milian, 98 Degrees, Deborah Cox ("Nobody's Supposed to Be Here", 1998) y Sisqó (el single #1 "Incomplete", 2000).

The Carpenters


The Carpenters fue un duo vocal e instrumental formado por los hermanos Karen y Richard Carpenter. Aunque se les conoce ampliamente como "The Carpenters", el nombre oficial del grupo, y el usado en las grabaciones autorizadas así como en materiales de prensa, es simplemente "Carpenters", sin el artículo determinado.
Durante sus catorce años de carrera (1969-1983), The Carpenters grabaron once álbumes, cinco de los cuales contuvieron sencillos de éxito (Close to You, Carpenters, A Song for You, Now & Then and Horizon), treinta y un sencillos, cinco especiales de televisión y una serie de televisión (Make Your Own Kind of Music). Hicieron giras por los Estados Unidos, Japón, Australia, Países Bajos y Bélgica. Su carrera cesó con la muerte de Karen el 4 de febrero de 1983. Karen falleció de un paro cardiorrespiratorio debido a complicaciones de una anorexia nerviosa. La amplia cobertura que se hizo de las circunstancias de su muerte incrementaron la alerta social en EE. UU. sobre las consecuencias de los trastornos alimentarios.

Richard Carpenter (nacido el 15 de octubre de 1946) y Karen Carpenter (2 de marzo de 1950 – 4 de febrero de 1983) nacieron y crecieron en New Haven, Connecticut hasta 1963, cuando la familia Carpenter se mudó a Downey, California. Richard ha dicho en varias entrevistas que la familia se mudó a Downey para alejarse del clima frío de New Haven y acercarse al centro de la industria de música.
Desde niño, Richard mostraba interés en el piano. Tomaba clases de piano, pero su maestra le dijo que no tenía talento. Sin embargo, Carpenter practicó el piano cada día. Explicó en la canción "Piano Picker".
Sin embargo, Karen no mostraba interés en la música. A diferencia de Richard, Karen jugaba al sófbol con los vecinos de la familia Carpenter. Pero cuando la familia se mudó a Downey, Karen descubrió los tambores. Un año después de que se mudó, Richard y Karen formaron el «Richard Carpenter Trio» con un amigo de Richard llamado Wes Jacobs. En el Richard Carpenter Trio, Richard tocó el piano, Karen tocó los tambores, y Jacobs tocó la tuba y el contrabajo. Grabaciones del Richard Carpenter Trio todavía existen hoy, incluso de "Caravan" (la grabación mayor de Richard y Karen) y "Iced Tea". Compitieron en el «Battle of the Bands» (Batalla de las Bandas) en el Hollywood Bowl en 1966, y ganaron el premio gordo.
Poco tiempo después, el Richard Carpenter Trio se separó. Richard y Karen formaron la banda «Spectrum» en 1966, cuando Richard ya asistía a la universidad. En la universidad, Richard conoció a John Bettis, con quién escribiría muchas canciones exitosas. Spectrum grabó muchas canciones, incluso de "You'll Love Me", "I'll Be Yours", y "Parting of Our Ways". El sencillo "Looking for Love"/"I'll Be Yours" (también conocido como el «Magic Lamp Record») fue grabado en el garaje del bajista Joe Osborne, quien fundó la discográfica Magic Lamp Records. "Looking for Love" salió a la venta en 1966, pero solamente se hicieron 500 discos. Ahora, es poco común, y muchas veces puede costarle casi $1.000 USD.
Cuando Spectrum se separó en 1968, Richard, Karen, y un amigo (llamado el «Dick Carpenter Trio») aparecieron en el show sindicado "Your All American College Show", y tocaron un cover de jazz de la canción muy popular "Dancing in the Street". Su aparición sería su primer aparición televisiva.de mediano exito
En 1968, Richard y Karen grabaron muchas maquetas para que buscaran trabajo. Desafortunadamente, todas las compañías discográficas los rechazaron, excepto A&M Records. Herb Alpert, el co-fundador de A&M Records (el "A" en "A&M Records" viene del "A" en "Alpert"), se dio cuenta de su talento. El 22 de abril de 1969, Richard y Karen contrataron a A&M Records.

Final de The Carpenters
Estos importantes logros en las listas de ventas se vieron oscurecidos a mitad de la década, ya que a partir de 1975 The Carpenters no conseguiría mantener su elevado estatus comercial, debido, principalmente a los problemas de salud contraídos por los hermanos.
Richard sufrió de una adicción al Quaaludes (una metacualona, medicamento por prescripción) y tuvo que ingresar en una clínica para rehabilitarse y Karen padeció anorexia, que le llevaría a la muerte a los 32 años, el 4 de febrero de 1983.
Anteriormente había grabado un disco en solitario producido por Phil Ramone que no vería la luz hasta 1996 y el último Lp oficial de los Carpenters, titulado Made in America (1981).

The Righteous Brothers


The Righteous Brothers, duo musical compuesto por Bill Medley y Bobby Hatfield en 1963 cerca de Los Ángeles, CA. En 1964, el grupo grabó su maximo éxito "You've Lost That Lovin' Feelin" logrando 1 US, 1 UK. "You've Lost That Lovin' Feelin'" .Otra de sus mejores canciones se titula "unchained melody",(Melodía Desencadenada) creada a mediados de los años sesenta.y que fue incluida como tema principal en la película GHOST, bastantes años después.

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Cutting Crew


Cutting Crew fue una banda británica de rock nacida en 1985.
Formada por el vocalista Nick Van Eede y el guitarrista canadiendse Kevin Scott MacMichael, fundadores del grupo, el bajista Colin Farley y el batería Martin Beadle, esta formación lanzó su primer larga duración, "Broadcast", en 1986, y produjo el primer gran éxito para la compañía discográfica Virgin de Richard Branson: "(I just) died in your arms". (Kevin Macmichael falleció el 3 de enero de 2003 tras perder una larga batalla contra el cáncer de pulmón. Tenía 51 años.)
El tema, grabado en Nueva York y cuyos vídeos promocionales fueron filmados en Australia, alcanzó el número 1 en Estados Unidos, Canadá y en algunos países del norte de Europa. El siguiente single, “I've been in love before”, también alcanzó el Top 10 de la prestigiosa "Billboard".

Deep Forest


Deep Forest es un grupo de world music integrado por los músicos franceses Eric Mouquet y Michel Sanchez. Fusiona música étnica de diversas partes del mundo con sonidos electrónicos de vanguardia.

El proyecto se inició cuando Sanchez -músico de formación clásica y ávido estudiante de música étnica- compró a la Unesco numerosas grabaciones realizadas en diferentes comunidades a todo lo largo del continente africano. Decidió intentar combinar las grabaciones con un concepto pop moderno y se las mostró a su amigo Mouquet -autodidacta que componía y arreglaba principalmente con sintetizadores, dando a su música sonido ambient dance- a quien le interesó la idea. Ambos se fascinaron por la sorprendente técnica usada, en la que las cuerdas vocales se utilizan como un intrumento musical; y comenzaron a samplear los sonidos nativos para usarlos con sus pistas de dance atmosférico. Con el ingeniero y productor belga Dan Lacksman definieron un sonido: la música de Deep Forest intenta recrear el muy particular ambiente de una comunidad de la selva húmeda tropical y en ella se puede escuchar las aves gorjeando, el zumbido de los insectos, el gotear del agua en los helechos, las voces conversando mientras la gente camina. Finalmente, tras un año de producción apareció su disco inicial.
Este primer trabajo aparecido en 1992 y titulado Deep Forest, fue mejor identificado por el tremendo éxito internacional de su sencillo Sweet Lullaby. El disco reunió sonidos contemporáneos del ambient techno con las aullantes voces de los Baegu de las islas Salomón. En 1993 fueron nominados al Grammy en la categoría best world álbum. En 1994 apareció World Mix una reedición de su álbum inicial con versiones remezcladas añadidas.
Mouquet y Sanchez pronto comenzaron su siguiente trabajo, esta vez explorando áreas tales como Mongolia, la India, Hungría y otras áreas de Europa Oriental, grabando varias pistas con la cantante Márta Sebestyén. El álbum resultante, Boheme, apareció en 1995 y les valió para ganar el Grammy en 1996.
Le siguió en 1998 la tercera grabación, Comparsa, que con influencia cubana, caribeña, mexicana y malgache resultó un disco mucho más animoso y festivo que el anterior y cuyo título evoca las improvisadas fiestas callejeras de las islas caribeñas. En este disco colaboraron : Ana Torroja y el sirio Abed Azrié (en el tema "Media Luna") y la vocalista mexicana María Sabina ( en "Tres Marías") entre otros. El disco incluye además dos cortes ("Earthquake. Transition 1" y " La Lune se bat avec les étoiles. Transition 2") extraídos de una grabación-ambiente en la que los aborígenes hispanos del lugar expresan su teoría sobre la relación de los astros y la Tierra. Live in Japan, grabado en 1998 en concierto en Tokio, Japón, apareció en 1999. Para este directo, Mouquet y Sanchez se rodearon de doce músicos y de colaboradores que prestaron su voz en las siempre difíciles letras étnicas, como Gino Ceccarelli, Monkia, Lala, etc. En el 2000 el dúo grabó la banda sonora, Pacifique, para la película francesa Le Príncipe du Pacifique' que se estrenó sólo en el país galo y Belgica. Para esta ocasión, el dúo francés desplazó su equipo de grabación ambiental al corazón del Pacífico. Los temas que incluía el disco invitaban a soñar (con magníficas melodías como "Le baiser" y "L'île invisible") o a despertar nuestro espíritu más salvaje ( como "La révolte" y "la Veuve Furieuse", entre otros). En 2002 volvieron con su álbum de estudio, Music Detected . En este sexto trabajo, los samples nativos de los primeros discos dejan paso a los sonidos instrumentales de la guitarra eléctrica y de la batería, principalemnte, fusionados con voces robotizas y vocodeadas y también con instrumentos étnicos orientales ( como el sarod indio en el bellísimo "In the Evening" ). Las colaboraciones líricas corrieron a cargo esta vez de promesas como Anggum , Hajime Chitose y Beverly Jo Scott ( que interpreta entre otras, la canción "Yuki Song" dedicada a la esposa de Mouquet, la japonesa Yuki ) . En 2003 presentaron su recopilación Essence of Deep Forest. Un año más tarde, en 2004, publicaron una segunda recopilación " Essence of The Forest ", y también el que sería el último álbum del dúo : " Kusa No Ran " para el mercado japonés, y que sirvió como banda sonora para la película del mismo título. Es, de todos sus trabajos, el que más se diferencia con respecto al estilo al que nos tenían acostumbrados pues se trata de breves piezas melódicas con el piano como instrumento predominante.
Pero la producción musical de ambos compositores no se termina aquí pues uno y otro, por separado, también han colaborado y producido numerosos trabajos. Michel Sanchez ha editado dos álbumes en solitario : " Windows " ( en el año 1994 ) sigue una línea muy parecida al proyecto Deep Forest, y " Hiéroglyphes " ( en el 2000 ) es el resultado de una serie de vivencias y experiencias musicales.De género, un tanto particular, Sanchez afirmaba que había disfrutado verdaderamente en la composición del álbum. Como dato anecdótico, decir que su hija Cécile presta su voz en el corte "Poème" recitando una poesía de Rabindranath Tagore. Anteriormente, en el año 1996, Michel conoce en una tienda de instrumentos musicales en Lille, a un joven Wes Madiko, músico camerunés con el que va a producir el primer trabajo del cantante africano : " Welenga ". El disco, que mezclaba cantos tradicionales de Camerún con ritmos dance, fue todo un éxito. El primer single "Alane" fue número uno en la lista top ten de varios países europeos. Cuatro años más tarde, ambos músicos repiten experiencia en un proyecto de características similares : "Sinami, The Memory", en el que , de nuevo , la particular voz del camerunés se mezcla con los sonidos electrónicos del maestro Sanchez, describiendo un continente africano liberado por la música. Actualmente, Michel Sanchez se halla inmerso en dos trabajos musicales que muy próximamente verán la luz : " The Touch " y " The Day of a Paperbird " ( se pueden oir ya algunas muestras que se encuentran colgadas en la página web -myspacemichelsanchez- ).
Por su parte, Eric Mouquet ha trabajado en numerosas colaboraciones y producido discos a artistas de la talla de Herbert Léonard, Ana Torroja ( en su álbum "Frágil" ), Hajime Chitose, Josh Groban y la violinista francesa Catherine Lara con la que ha trabajado en los álbumes : " Aral ", " Thorgal ", y recientemente en el año 2005 " Passe-moi le Ciel ". Mouquet ha participado igualmente en el grupo Dao Dezi, ha colaborado en numerosos temas para bandas sonoras de películas como " Astérix et Obélix, Mision Cleopatre ", " Livraison à Domicile " y " Super Champs " por ejemplo. En 2006 publica " Tragediénnes ". Recientemente ha trabajado en la segunda entrega de " Aral ", de nuevo con Catherine Lara y ha participado en la banda sonora del musical " El rey León " . Actualmente, Mouquet trabaja en un ambicioso proyecto musical y solidario , denominado DEEP PROJECTS , que recoge la esencia y problemática de distintas partes del mundo. El primer disco " Deep Brasil " ( Junio de 2008 ) se centra en el corazón de la selva amazónica , y es un grito de esperanza para salvar esta tierra en peligro de extinción ("il faut sauver l'Amazonie", en español:!hay que salvar la Amazonia!). El disco ha contado con la colaboración y la voz del brasileño Flavio Dell'Isola. Como nota curiosa, podemos encontrar las voces de los dos retoños de Mouquet, que colaboran en el corte "Amazonia". También se puede encontrar en este trabajo la versión brasileña del famoso éxito de Deep Forest: "Sweet Lullaby". Otras salidas inmediatas, también pertenecientes a la idea DEEP PROJECTS, son "Deep Africa" (próximamente ), y "Deep China" donde Mouquet trabaja con la popular cantante china Sa Dingding en temas como "It Wont be Long" ( compuesto en honor a las víctimas del terremoto que asoló, no hace mucho, el país asiático, y con el que se espera recaudar fondos de ayuda para el pueblo chino ). Decir, por último, que la segunda gran pasión de Eric Mouquet (después de la música, evidentemente) es la astronomía. Su afición y estudio por los astros, le han llevado incluso a montar un observatorio semi-profesional en el jardin de su casa, publicar libros y conseguir fotografías realmente maravillosas del firmamento. "Deep Sky" es un album que recoge música relacionada con esta ciencia. Compuesto por él, sirve de soporte musical a la gran escena del firmamento que se puede observar en el Planetarium de Villeneuve D'Asq (Francia). Recientemente, en Abril de este 2009 , Mouquet ha ofrecido un concierto en directo en el planetarium de La Cité de l'Espace (Toulouse), donde ha interpretado el repertorio musical de Deep Sky, al mismo tiempo que se proyectaban imágenes de constelaciones , nebulosas y galaxias , fotografiadas por él mismo.

Trasfondo y Filantropía
El símbolo de Deep Forest está basado en kanjis japoneses o en ideogramas chinos y es muy parecido al símbolo de la paz. Las líneas interiores representan un árbol y el círculo representa unidad. En la interpretación de Deep Forest, juntos significan «bosque», aunque en realidad el kanji para bosque es otro.
El nombre del grupo y de su primer álbum se deriva de que el proyecto fue dedicado al Día de la Tierra y el nombre Deep Forest (en español Bosque Profundo) resalta la misión de preservar las selvas húmedas tropicales alrededor del mundo.
Un porcentaje de ventas del álbum Deep Forest se entrega a la Pygmy Fund, para ayudar a poblaciones de pigmeos en la transición de la vida nómada a la agricultura. Una parte de Boheme va a la Gyoörgy Martin Foundation, que ayuda a proteger la cultura gitana en Hungría. A partir de Comparsa apoyan a la Sana Madagascar Association, que contribuye a preservar el ambiente y la cultura tradicional malgache.

Visage


Visage fue un conjunto musical representativo dentro del estilo "New Romantic" originado a fines de la década de 1970 con el motivo inicial de proveer música para ser reproducida en el club nocturno londinense Blitz, perteneciente a Steve Strange y Rusty Egan.

Primeros años
En 1978 Steve Strange, quien había estado en una banda punk llamada The Photons, forma un proyecto electrónico, al que llama Visage, junto a Rusty Egan y Midge Ure, quienes recién habían disuelto The Rich Kids. El trio grabó una demostración que incluía su versión del hit del dúo estadounidense Zager y Evans "In the Year 2525". Tras la adición del músico Billy Currie de la banda Ultravox, y el guitarrista John McGeoch, el bajista Barry Adamson y el pianista Dave Formula, miembros de Magazine, en 1979, Visage firma con Radar Records y lanza el sencillo "Tar" en septiembre de ese año.

Éxito
Durante el año siguiente se lanzó al mercado su primera producción discográfica, que resultó ser todo un éxito en ventas y en críticas gracias a una excelente composición y arreglos musicales pero sobre todo y mayormente al sencillo "Fade to Grey" que se transformó rápidamente en uno de los temas musicales representativos de la escena musical "New Romantic", para la cual este primer álbum se transformó en una especie de banda sonora.
Luego del lanzamiento de los hits "Mind of a Toy" and "Visage" Strange tuvo que esperar por sus compañeros de conjunto, sumergidos en los compromisos de sus respectivas bandas (Ure y Currie con Ultravox, Fórmula y Adamson en Magazine y McGeoch, recién separado de ésta, junto a Siouxsie and the Banshees) para grabar la segunda producción; no fue sino hacia fines de 1981 que todos los músicos salvo McGeoch regresaron al estudio y grabaron "The Anvil". Las seis semanas de grabación de este álbum fueron tensas y llenas de controversias entre Strange y Ure, ya que no se ponían de acuerdo en cuanto a la dirección musical que el conjunto tomaría, resultando "The Anvil" en un excelente, aunque poco uniforme álbum. Este álbum fue lanzado en marzo de 1982 con mucha menos fanfarria que el primero. Midge Ure abandonó su colaboración con Visage debido a las diferencias con Strange y los crecientes compromisos con Ultravox, su banda principal y a la cual había ingresado por medio de Billy Currie al poco tiempo de conocerlo. El conjunto, ya sin la colaboración de Ure y Adamson y con la incorporación del bajista Steve Barnacle se grabó el sencillo "Pleasure Boys", que salió al mercado en octubre de ese año.

Decadencia y separación
El último álbum del conjunto, ya con integrantes permanentes grabó 'Beat Boy", entre 1982 y 1983, álbum que salió a fines de 1984 y cuyo éxito en nada se pareció al de las dos grabaciones anteriores, marcando el fin de la banda.
Strange formó con Wendy Wu, una banda llamada Strange Cruise, que fracasó al lanzar su álbum, y se marchó a Ibiza, y luego afrontó crisis, entrando a cortes judiciales y enfrentando su adicción a las drogas. Formula se mantuvo en el anonimato, hasta el 2003, cuando formó The Angel Brothers; Adamson al terminar su compromiso con el grupo, tocó para Pete Shelley y luego ingresó a Nick Cave & the Bad Seeds; Egan continúa siendo DJ.

Post-realizaciones
Una segunda versión de "Fade To Grey" fue realizada por Midge Ure como solista en 1982। Otra versión fue remezclada con un éxito moderado a inicios de la década de 1990.


En el 2004 Steve Strange reunió Visage con nuevos integrantes, siendo conocidos como Visage mark II. El 4 de marzo de ese año, John McGeoch falleció por causas desconocidas mientras dormía.

martes, 1 de noviembre de 2011

Einstürzende Neubauten


Einstürzende Neubauten es una banda musical originada en Berlín que no ha dejado de cambiar desde su comienzo en 1980. Su música se clasifica usualmente como industrial o electrónica, pero estos términos no pueden realmente describir el sonido de la banda. Una de las características principales de la banda es el uso de instrumentos y sonidos que ellos mismos hicieron, acompañados de instrumentos tradicionales. La banda perteneció al movimiento dadaísta Die Geniale Dilletanten, que tenía el objetivo de revolucionar la escena musical usando sierras, taladros y demás herramientas como instrumentos.

Dead Kennedys


Dead Kennedys fue una controvertida banda estadounidense de música punk, surgida en la década del 70.

Primera época: fines de los 70
En 1978, East Bay Ray (Raymond Pepperell Jr.) un joven enamorado del Rock and Roll y la música surf pone un anuncio buscando gente para formar un grupo. A éste responde Eric Boucher, conocido como Jello Biafra. Biafra que al volver de Londres estaba impresionado por el punk, decidió formar un grupo cuando vio un concierto de los Ramones en Denver. Ambos contactan con Klaus Flouride (Geoffrey Lyall), y 6025 (Carlos Cadona). En junio nacen los Dead Kennedys. Graban su primera maqueta con East Bay Ray a la guitarra, Biafra como cantante, Klaus como bajista y 6025 a la batería. Buscando un batería con más experiencia contactan con Ted (Bruce Slesinger), pasando 6025 a la segunda guitarra. Dan su primer concierto en un restaurante filipino Fab Mab, en el norte de San Francisco. A partir de enctonces comienzan a tocar regularmente, aunque, debido a lo provocativo de sus nombre (Los Kennedys Muertos), lo hacen muchas veces con otros nombres como The Sharks, The Creamsicles, Decay o The Pink Twinkies.
En 1979 6025 abandona la banda, debido a diferencias musicales con Biafra. Graban California Über Alles, su primer single para Alternative Tentacles Records, la propia discográfica de Biafra. La canción es una feroz crítica al entonces gobernador ultra conservador de California Jerry Brown. El título de la canción hace referencia a la canción patriótica alemana "Das Lied der Deutschen", que fue adoptada como expresión de superioridad racial durante la Alemania Nazi.
Durante el año, Biafra presenta su candidatura a la alcaldía de San Francisco con el objetivo de ridiculizar el proceso electoral. Su eslogan es “There’s always room for Jello” (“Siempre hay lugar para Jello”), y presenta entre otras propuestas que los ejecutivos y los banqueros vistiesen con trajes de payaso o que a los policías los eligiesen los vecinos de los barrios en los que patrullen. En el proceso recibe más de 6000 votos, quedando el cuarto de diez candidatos.
Son invitados a una ceremonia de entrega de Bay Area Music Awards. Aparecen vestidos con camisas blancas con una “S” pintada con spray y corbatas negras (quedando así el símbolo del dólar: $) e interpretan una canción compuesta expresamente para esa ocasión: “Pull my strings”, en la que atacan a los empresarios de la música y a los artistas mainstream. No volvieron a ser invitados a la ceremonia, ni grabaron la canción en ningún álbum, pero incluyeron el tema en directo en el recopilatorio Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles, 1987).
En 1980 Publican su segundo single, el antimilitarista Holiday in Cambodia, en el que cargan contra los Marines estadounidenses. Ese mismo año publican su primer LP, Fresh Fruit for Rotting Vegetables. El LP incluye “California Über Alles” y “Holiday in Cambodia”, y le precede el single Kill the Poor, en el que Biafra ironiza con acabar con todos los pobres para conseguir una sociedad limpia. La canción es entendida por muchos de manera literal, así como “California Über Alles” (que se convirtió en una expresión muy usada por los jóvenes californianos de extrema derecha), lo que les empieza a acarrear sus primeros problemas y el ser tildados de fascistas. Sus conciertos son vigilados por fuerzas policiales y, a pesar de sus problemas, su popularidad se dispara dentro y fuera de Estados Unidos de América, llegando a ser disco de oro en el Reino Unido (llegó al número 33 de las listas de este país).
En 1981 Ted abandona y es substituido por D.H. Peligro (Darren Henley). Con la nueva formación publican los singles Too Drunk to Fuck y Nazi Punks Fuck Off’, donde arremeten contra el uso de iconografía nazi por parte de los punks (hay muchas fotografías en las que se ve a Sid Vicious luciendo una camiseta con una esvástica). Parece ser que la canción lleva alguna alusión velada al grupo de punk escocés The Exploited. En una gira por el Reino Unido, Jello Biafra protagoniza una pelea con Wattie Buchan, líder de The Exploited. Biafra realizó unas declaraciones en las que dijo que “The Exploited y la Policía son lo mismo”, debido a los supuestos contactos y connivencia de The Exploited con el partido ultraderechista inglés National Front. La banda escocesa responde con dos temas: “I Hate You” (dedicada a Biafra) y “Fuck The U.S.A” (dedicada a Dead Kennedys).
A finales del año publican el EP In God we trust, Inc (en el que incluyen el tema “Nazi Punks Fuck Off”). El disco contiene numerosos temas en los que se ataca a la derecha religiosa estadounidense. La canción “We’ve Got a Bigger Problem Now” es una versión de “California Über Alles” dedicada esta vez a Ronald Reagan. En esta época comienzan los roces entre Biafra y East Bay Ray cuando, según el primero, East presiona al resto del grupo para firmar un contrato con Polydor Records, una multinacional, a lo que Biafra se opone frontalmente, amenazando con dejar el grupo si sucede así.
Durante la campaña electoral de 1981, Dead Kennedys organizan conciertos de protesta frente a actos tanto del Partido Republicano como del Demócrata. Los conciertos se realizaban bajo férreas medidas de seguridad, llegando a realizarse cargas policiales en muchos de ellos.
En 1982 aparece Plastic Surgery Disasters, su segundo LP de estudio. El disco es una feroz crítica al “American way of life”, cargando contra la familia patriarcal, la televisión como forma de control social, la destrucción del medio ambiente, el imperialismo estadounidense y la derecha religiosa. Realizarán una gira de casi dos años por Estados Unidos de América, Canadá, Australia y diferentes países europeos.
Hasta 1985 no aparece su siguiente álbum, Frankenchrist, que les enfrenta con el Parents Music Resource Center (PMRC), una organización para la defensa de la moral y las buenas costumbres y que contaba con estrechos vínculos con líderes diferentes organizaciones religiosas (como Jerry Falwell y Pat Robertson). El motivo fue la inclusión en el disco de un póster con la ilustración “Penis Landscape” (“El paisaje del pene”), obra del dibujante suizo H. R. Giger. Musicalmente es su disco más ecléctico y experimental, las canciones se ralentizan (incluyen menos cortes de lo habitual) y se introducen efectos electrónicos e instrumentos como trompetas, sintetizadores o un Bellzouki eléctrico. Lo que no cambia es la lengua afilada de Biafra, criticando abiertamente el establishment socio-político con temas como “Hellnation”, “Stars and Stripes of Corruption” o “MTV – Get Offf the Air”.
1986 es el año de su disolución, debida, fundamentalmente, a enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda (particularmente virulentos con East Bay Ray y Klaus Flouride). En febrero dan su último concierto.
El PMRC contrata a un prestigioso bufete de abogados para demandar al grupo por de "distribución de material obscena para menores". La campaña contra los Dead Kennedys la lideran Tipper Gore y Susan Baker, junto a sus maridos Al Gore y James Baker, respectivamente, entonces miembros del Senado estadounidense. En junio de 1986 se celebra el juicio, y son condenados, cada uno, a un año de prisión y 2000 dólares de multa. Numerosas tiendas retiran Frankenchrist de sus estantes y la continuidad de Alternative Tentacles se ve seriamente amenazada.
Durante el juicio aparece su último disco, Bedtime for Democracy, en el que dejan de lado los experimentos de Frankenchrist y vuelven a la velocidad que caracterizaba a sus primeros trabajos. El disco lo lanzan a modo de obtención de fondos para costear el juicio, y se pone en marcha una campaña en defensa de la libertad de expresión en la que reciben el apoyo de músicos como Frank Zappa, Crass y las bandas de Alternative Tentacles.
En 1987 aparece la recopilación Give Me Convenience or Give Me Death, que contenía los temas inéditos “Pull my Strings” y una versión de “I Fought the Law”. Este año termina el proceso y son absueltos de todos los cargos.

Juicios y Reuniones
En el año 2000 la banda decidió reunirse de nuevo, aunque esta vez sin Jello Biafra, tras una serie de juicios por los derechos de la banda. La banda comenzó a tocar con Brandon Cruz como vocalista, sustituido en mayo de 2003 por Jeff Penalty.

The Move


The Move fueron un grupo británico de la década de los 60 y comienzos de los 70, que alcanzó gran popularidad por sus energéticas actuaciones en directo y una serie de singles que alcanzaron los primeros puestos de las listas inglesas.
Originarios de Birmingham, la génesis de la banda se produjo en Octubre de 1965, cuando diversos músicos locales activos en diversas bandas decidieron unir sus fuerzas para formar un nuevo grupo con mayores ambiciones artísticas.
Fueron Chris 'Ace' Kefford y Trevor Burton quienes iniciaron la operación en el Club Cedar, santuario de la escena beat de Birmingham. Contactaron con el joven guitarrista Roy Wood (que tocaba con Mike Sheridan's Lot, antes conocidos como Mike Sheridan and The Nightriders), que componía sus propias canciones. El siguiente en unirse fue el cantante Carl Wayne, que había coincidido anteriormente con Kefford en su propio grupo, Carl Wayne and The Vikings. El puesto de batería fue ocupado por otro ex-Viking, Bev Bevan, tras haber considerado para el puesto a John Bonham, después en Led Zeppelin. El empujón definitivo se produjo cuando contrataron a Tony Secunda como manager, un antiguo promotor de combates de wrestling metido a promotor musical. Sus expeditivos y no siempre del todo legales métodos pusieron al grupo en el candelero, aunque también les trajeron problemas, incluso con el primer ministro británico.
Secunda consiguió hacer de The Move la banda residente en el prestigioso Marquee de Londres. Vestidos como gangsters, con zapatos y corbatas blancas, les proporcionó una imagen impactante. "Nunca sonriais a la cámara", fue la terminante órden que recibieron lós músicos en las sesiones fotográficas.
Musicalmente, The Move eran una fuerza de la naturaleza sobre el escenario. Originalmente su set estaba compuesto principalmente de versiones de rythm & blues, que poco a poco fueron cediendo su lugar a las fantásticas composiciones de Wood, verdadero orfebre del pop.
Sin embargo, a finales de 1966, comenzaron los problemas. La administración del Marquee club expulsó a la banda a causa de la violencia cada vez mayor que se desarrollaba durante sus actuaciones. Carl Wayne colmó el vaso de su paciencia intentando prender fuego al escenario.
Paralelamente, el grupo había grabado su primer single de éxito, Night of Fear, basado en la Obertura 1812 de Tchaikovsky. El productor Denny Cordell, que ya había facturado algún éxito para The Moody Blues y Georgie Fame, les ayudó a conseguir el atractivo pop necesario para triunfar en las listas. Le siguieron I Can Hear The Grass Grow, Flowers in The Rain y Fire Brigade, todas salidas de la pluma de Roy Wood.
Una polémica postal publicada por Secunda con la imagen del primer ministro Harold Wilson les ocasionó serios problemas. La atevida maniobra comercial del manager les costó todos los beneficios del single Flowers in The Rain, que fueron destinados a beneficencia, y a Secunda el puesto. Fue sustituido por Don Arden.
Los problemas de drogas y alcohol provocaron la salida del bajista Ace Kefford y posteriormente, del guitarrista Trevor Burton, disgustado por el perfil demasiado pop que tomaba la banda, siendo sustituido por el semidesconocido Rick Price.
Nunca fueron un grupo de álbumes, al menos en lo que se refiere a éxito de ventas. Tras la marcha de Burton y el despido de Arden, contrataron un nuevo manager, Rick Walsh, que les embarcó en una gira de cabarets que provocó serias tensiones entre Wayne, más avezado en actuar en este tipo de locales, y Wood, que lo odiaba profundamente, sobre todo después de diversos incidentes con el duro público que frecuentaba dichos lugares.
Su progresivo arrinconamiento dentro del grupo y la falta de éxitos recientes, motivaron el abandono definitivo de Carl Wayne. Fue sustituido por Jeff Lynne, que ya había colaborado intermitentemente con Wood. El posterior abandono de Price los convirtió en un trío.
Message from the Country fue su último álbum. Tal vez su mejor lanzamiento, se benefició de la fantástica calidad como compositores de Lynne y Wood. Sin embargo, el disco fue grabado sólo por razones contractuales, pues los dos músicos ya tenían muy avanzado un nuevo proyecto muy ambicioso, que pretendía mezclar la música pop con la clásica. En 1972 dieron sus últimas actuaciones como The Move y pasaron a llamarse Electric Light Orchestra.
La importancia de The Move es grande dentro de la historia de la música pop. Comenzaron como un grupo mod, con fuerte influencia de la música negra proveniente de América, para después convertirse en una factoría de canciones pop exquisitas, gracias al talento como compositor de Roy Wood. En sus álbumes fueron ambiciosos, aunque el éxito no les acompañó. A través de arreglos barrocos y experimentales intentaron encontrar un nexo de unión con la música clásica que sería explotado en su siguiente aventura, la ELO. Asimismo, abrieron las puertas de lo que más adelante sería el Heavy Metal, con temas como Brontosaurus.
Muchos artistas han versioneado sus temas. Grupos como Cheap Trick lo han hecho diversas veces en su carrera.