lunes, 28 de septiembre de 2009

Soft Machine


Soft Machine fue un grupo inglés de rock progresivo, rock psicodélico y jazz fusión formado en Canterbury en 1966. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine. Son una de las principales bandas de la Escena de Canterbury, la cual se caracterizaba por fusionar la psicodelia con el jazz y el rock progresivo.

Soft Machine fue fundada en 1966 por el vocalista y batería Robert Wyatt, el guitarrista, bajista y vocalista Kevin Ayers, el guitarrista Daevid Allen y el teclista Mike Ratledge. Al poco de comenzar con su actividad, la banda grabó su primer single, Love Makes Sweet Music, y varias maquetas, que fueron publicadas algunos años después. Este material permitió que Soft Machine comenzase su primera gira por Europa, en países como Francia, Alemania y Holanda. De vuelta al Reino Unido, las autoridades de dicho país restringieron el acceso a Daevid Allen, australiano, por lo que éste regresó a París y fundó la banda Gong, y Soft Machine continuó como un trío.

La grabación del primer álbum de la banda, The Soft Machine, transcurrió en los Estados Unidos dentro del género del rock psicodélico y rock progresivo. De vuelta al Reino Unido, Andy Summers, futuro guitarrista de The Police, se unió a la banda para participar en su gira, pero fue despedido al finalizar ésta a causa de problemas con Kevin Ayers. Después de una actuación en los Estados Unidos, Ayers decide disolver la banda, y sus miembros tomaron caminos distintos. Sin embargo, las obligaciones contractuales hicieron que Soft Machine se reformase en 1969 con Wyatt, Ratledge y el bajista Hugh Hopper para editar Volume Two, considerado como el disco que sentó las bases del jazz fusión. A pesar de los problemas en el interior de la formación, el periodo que va de finales de la década de 1960 a comienzos de la de 1970 fue el más intenso en cuanto a grabaciones se refiere. El trío se amplió a septeto en pocos meses, al entrar cuatro trombonistas y Elton Dean, un saxofonista que permaneció sólo unos meses en la banda. Se editaron dos álbumes, Third y Fourth, de los cuales el segundo es el primero enteramente instrumental de los editados por la banda a lo largo de su discografía. Estos álbumes fueron compuestos casi en su totalidad por Mike Ratledge, quien se ocupaba además de la producción y de los arreglos en el estudio de grabación.

Después de varias discusiones con el resto de miembros, Robert Wyatt dejó la banda y formó Matching Mole, un juego de palabras con el francés machine molle (que significa "máquina suave", o "soft machine", en inglés). Su sustituto fue Phil Howard, un batería australiano que permaneció poco tiempo en la banda, pero que grabó Fifth, el siguiente álbum de Soft Machine. Fue reemplazado por John Marshall, y Karl Jenkins entró para reemplazar a su vez al saxofonista Elton Dean. Esta formación grabó, en 1973, Six. Poco después, el bajista Hugh Hopper fue despedido y reemplazado por Roy Babbington, quien había colaborado en la grabación de Fourth y Fifth. Esta formación (Babbington, Jenkins, Marshall y Ratledge) compuso y grabó los tres últimos trabajos oficiales de la banda: Seven, Bundles y Softs. El guitarrista Allan Holdsworth, que había colaborado junto a Karl Jenkins en discos de Ian Carr´s Nucleus, entró a formar parte del grupo, tras disolver su grupo Tempest, dejando un memorable trabajo de guitarra en Bundles. Durante la grabación de Softs, al año siguiente, el único miembro original de Soft Machine, Mike Ratledge, dejó la banda y Allan Holdsworth fue reemplazado por otro virtuoso del instrumento, John Etheridge, procedente de Darryl Way´s Wolf.

En 1981, Karl Jenkins y John Marshall vuelven a reunirse en un último proyecto, Land of Cockayne, con Allan Holdsworth, de nuevo y colaboradores de la talla de Jack Bruce y Ray Warleigh.

La banda se separó en 1984 después de diversas idas y venidas de varios miembros en la formación de la banda.

miércoles, 23 de septiembre de 2009

Vanessa-Mae


Vanessa-Mae Vanakorn Nicholson, conocida como Vanessa Mae (nacida el 27 de octubre de 1978 en Singapur) es una violinista de formación clásica pero que se ha hecho famosa por sus grabaciones en las que mezcla piezas clásicas con pop, jazz, techno y otros ritmos modernos. La grabación que le dio la fama internacional fue The Violin Player (1994).

Primeros años

Vanessa Mae nació en Singapur el 27 de octubre de 1978. Hija de la señora Tan Soei Luang, una pianista clásica y abogada nacida en China y del empresario hotelero tailandés Vorapong Vanakorn, la niña fue bautizada Chen Mei Vanakorn.

Inicios Artísticos

Su primer acercamiento a la música, más allá de oír en casa el piano de su madre, tuvo lugar en un jardín maternal de Singapur, donde fue incentivada a jugar con un piano. Después del divorcio de sus padres, Vanessa se mudó a Londres cuando tenía cuatro años y se ubicó con su madre y su nuevo padre en el barrio de Kensington, en Londres occidental.

Una vez instalados en la casona de Kensington, Graham Nicholson formalizó la adopción de Vanessa y le dio su apellido, que Vanessa usaría en segundo lugar, después de su Vanakorn natal. Hasta los cinco años, Vanessa Mae sólo había tenido contacto con el piano, pero su padrastro influyó en la incorporación del violín al repertorio de actividades de la pequeña Vanessa que también asistía a clases de danza clásica. Nicholson, además de abogado era violista y se ilusionaba con tener a su hija como acompañante. Así, Vanessa Mae tuvo su primer acercamiento al violín a los cinco años, en la escuela, aunque todavía solo como un juego.

Estudió en la escuela primaria Francis Holland y acompañando a sus padres a conciertos y óperas. Para perfeccionar su técnica sus padres la enviaron al Conservatorio Central de China, en Pekín, donde tomó clases de violín con un prestigioso profesor local, el Sr. Lin Yao Ji. Además, se inició en el estudio del idioma mandarín y elaboró trabajos prácticos para su escuela de Londres. A los diez años sus padres le compraron un costoso violín fabricado por el luthier italiano Giusepe Guadagnini, en 1761.

Por otro lado tuvo su primer concierto como solista acompañada por la Orquesta Filarmónica de Londres. Su precocidad musical y talento natural fue bien visto por el director del Royal College of Music, quien la admitió como alumna regular con tan sólo once años para tomar clases avanzadas con el profesor Félix Andrievsky. En 1991, a los 12 años, inició una gira internacional junto a la agrupación London Mozart Players, el "Mozart Bicentennial Tour". Además, realizó tres grabaciones clásicas para el sello Trittico: "Violin", "Kids Classics" y "Tchaikovsky & Beethoven violin Concertos".

Su madre ya se había hecho cargo de su representación, oficiando de manager (cargo que ocuparía hasta 1999), productora, consejera artística y pianista acompañante. En 1992, a los catorce años, finalizó sus estudios en el Royal College of Music y dos años más tarde, con sólo 16 años firmó un contrato con EMI Music para grabar tanto música clásica, como pop.

Profesionalismo

Así, en 1995, armada con un nuevo violín eléctrico de la firma americana Zeta, Vanessa grabó su primer álbum pop, titulado The Violin Player. Este disco la mostró con un estilo al que ella misma bautizó como "fusión tecno-acústica".

Para los demás temas del disco se recurrió a la creatividad de Mike Batt, un experto en música pop instrumental. Los casi 3 millones de álbumes vendidos le aportaron importantes ganancias y pedidos de presentaciones en vivo desde todo el mundo. El primer vídeo comercial puesto a la venta se filmó también en 1995, bajo el título Live at the Royal Albert Hall. También organizó una gira mundial que la llevó a dar docenas de conciertos por toda Europa y Asia, The Red Hot Violin Player World Tour. Incluso cruzó el Atlántico y aterrizó en los Estados Unidos, donde brindó algunos conciertos y tuvo el honor de ser la primera artista extranjera invitada a interpretar The Star-Spangled Banner, el himno nacional de los Estados Unidos de América, emocionando al público de Chicago.

También en el año 1995 llegaron los primeros reconocimientos internacionales materializados en la forma de premios: el Premio Bambi a la "Artista clásica del año" y el Premio ECHO Internacional, en la categoría "Bestseller del año 1995".

Crecimiento

El álbum “The alternative Record” (intermedio entre simple y un LD, con 25 minutos de duración), adaptó el tema “Classical Gas” al ritmo del reggae jamaiquino y exploró nuevos sonidos en obras ya estrenadas anteriormente. A pesar de esta fusión, Vanessa Mae no abandonó su repertorio clásico. La gira de 1996 dio lugar a otro vídeo comercial grabado durante la segunda visita a Alemania, en septiembre de 1996, titulado “Live at the Berlin Philharmonie". También en 1996, Vanessa inició su relación musical con los automóviles más lujosos del mundo.

El siguiente evento trascendente fue el lanzamiento del álbum "The Classical Album #1", que marcó su regreso al repertorio clásico. Este lanzamiento vino a cumplir con la promesa que había hecho a sus fans, de que mantendría sus carreras clásica y pop de forma paralela. En el año 1997, trajo un nuevo Premio ECHO, esta vez denominado "Clásicos sin Fronteras". Por entonces, en compañía del compositor Andy Hill recibió el encargo de componer una obra para musicalizar la celebración de reunificación de China y Hong Kong. La obra resultante fue una magnífica pieza titulada "Happy Valley".

Grabo un disco con música china en la forma de tres obras: un concierto chino, un arreglo sobre "Turandot", la ópera de Puccini y "Happy Valley". El disco se tituló "China Girl". Llegó hasta Estados Unidos para un concierto en la Avenida Madison de Nueva York. También en aquel año, Vanessa colaboró en los discos de otros artistas, como invitada como en el primer track The Velvet Rope, del álbum homónimo de Janet Jackson.

Otro evento trascendente de aquel año fue el lanzamiento del álbum pop "Storm" y de éste llegó una nueva gira mundial, la "Storm on World Tour". Se incluían un par de temas de discos anteriores: "Donna Summer" y "Embrasse Moi" fueron las canciones en las que Vanessa puso su voz. Además tuvo una actuación en un cortometraje mudo titulado "The violin fantasy", junto a Vasko Vassilev, también tuvo su primer recital transmitido en vivo y su debut como modelo.

The Original Four Seasons and Devil Trill Sonata – The Classical Album #3, The Italian Album aparece en su catálogo de discos clásicos. También dio un mini recital en el Parque de la Costa y asistió como invitada a los programas de Susana Giménez y Georgina Barbarossa. Otro hecho importante fue la invitación que le hizo el director y arreglista George Martin (ex productor de Los Beatles) para colaborar en un tema.

Ya en el año 2000 compuso la pieza titulada "The Power of C". El 6 de mayo, Vanessa tocó en el Royal Albert Hall cuando interpretó su particular versión de Storm junto a Vasko Vassilev y otro violinista, con motivo de la apertura de la ceremonia de entrega de los premios "Classical Brit Awards". Esta participación en la entrega del prestigioso galardón iba a ser la primera de varias, y hoy en día, Classical Brit Awards y Vanessa-Mae son casi sinónimos.

Nueva imagen

La señora Pamela Nicholson se desvinculó de su hija en el año 2000. Esto ocurrió justo un día antes del cumpleaños número 21 de Vanessa. En un principio la separación sería estrictamente laboral, pero la Sra. Nicholson no estaba dispuesta a relacionarse con su hija de otro modo que no fuera el empresarial. Apenas un mes más tarde, por desacuerdos entre ella y su manager Mel Bush, aparentemente por la vinculación de éste con el flamante cuarteto femenino de cuerdas Bond, era buen momento para terminar también aquella relación que se había prolongado durante siete años. Así pues, no sin demandas judiciales de ambas partes, Mel Bush se apartaba de la carrera de Vanessa-Mae para siempre.

Además se desvinculó por siempre de Gay-Yee Westerhoff quién fuese una de las cellistas que tocaban en los coros de la artista, la cual dejó esta banda para formar su propio cuarteto. Después de probar suerte con otro manager, y luchando contra sus propias dudas, Vanessa decidió que ya estaba lo suficientemente madura como para prescindir de un manager. Así fue que reunió a sus mejores colaboradores y fundó su propia empresa a la cual llamó "Fretless".

Finalmente, en mayo del 2001, el lanzamiento del álbum “Subject to Change” trajo una nueva imagen de la artista, ritmos estrictamente contemporáneos, con algunos aires étnicos y mucho sintetizador, además de un nuevo y efectivo intento por introducirse en el mundo de la canción. Tres temas llevan su voz; uno en inglés, otro en francés y un último en castellano. Además, renovó el plantel creativo al incorporar al compositor y productor Youth (quien ya había colaborado en los arreglos de "Power of C" y "Devil's Trill") y agregó a su plantel de violines el estilizado y transparente "Clear" fabricado en acrílico por Ted Brewer.

Este álbum dio paso a una gira por toda Europa, llamada "Tour of Change". Vanessa se hizo un tiempo para grabar un simple junto a la banda de DJ Sakin & Friends (el mismo grupo con quien había colaborado con el tema "Reminiscing" para "Walk on Fire", en 1999).

Vanessa recibió un nuevo premio durante este año. MTV Asia decidió premiarla como "Mejor artista Crossover del año", en una ceremonia que se celebró en Hong Kong. El 2002 comienza en los Estados Unidos y allí, el 7 de marzo se abrieron oficialmente los Juegos Paralímpicos donde Vanessa musicalizó la ceremonia, interpretando "Storm". Los recitales en Sao Paulo y Río de Janeiro recibieron apenas una tibia acogida por parte del público y los medios, mas afectos a otros géneros musicales.

A principios de 2003, apareció en el álbum de Prince, "Expectation". Éste incluía cuatro canciones en las que colaboraba Vanessa y colabora con la holandesa Candy Dulfer entre otros. Este es un disco de jazz experimental que Prince publico a través de su página web.

También en 2003 participó en la entrega de los Premios Classical Brit, siendo la elegida para entregar la estatuilla correspondiente al rubro "artista clásico más vendedor del año". Entre 2003 y toda la primera mitad de 2004, Vanessa soportó un acoso de un médico demente de 50 años que merodeaba su casa insistentemente, llegando a convertirse en un auténtico riesgo para la artista. La policía logró detenerlo un día en que el desquiciado portaba un montón de cartas para ella y un puñal.

En 2004, se retiró de EMI y se incorporó a Sony. En septiembre lanzó su disco "Choreography", interpretando obras compuestas (a excepción de una) exclusivamente para ella por reconocidos autores europeos y asiáticos como Tolga Kashif, Vangelis, Walter Taieb, Jon Cohen, Bill Whelan y A.R. Rahman.

Andrew Ivan Bell


Andrew Ivan Graham Bell (Peterborough, Inglaterra; 25 de abril de 1964) es el cantante líder del dúo de Synth Pop británico Erasure.

Reclutado inicialmente como "el vocalista de Vince Clarke", Andy Bell acudió al anuncio debido a que era un fan de la trayectoria previa del tecladista con Depeche Mode y Yazoo, Clarke por su parte lo escogió por su voz pues era exactamente lo que él buscaba. Así, para Andy Bell era un sueño cumplido, mientras que Clarke como en sus anteriores proyectos preveía poca duración del dueto, sin embargo Bell reveló también inspiración musical y aportó sus propias ideas a las nuevas composiciones y desde ese momento se complementaron perfectamente bien trabajando como dupla. Ya desde el primer disco de Erasure, todas las canciones fueron coescritas por Clarke y Andy Bell.

Con su andrógina voz, Andy Bell en un principio fue criticado de ser un émulo de la cantante Alison Moyet, con quien Clarke había tenido Yazoo, pero al poco tiempo otorgó a Erasure su propia particular identidad. Desde su ingreso al dueto, Andy dio a conocer abiertamente su homosexualidad y los problemas que una persona debe afrontar por ello ante los prejuicios de la gente, lo cual vertió en sus letras con el ánimo de informar más sobre el tema.

En el 2003, después de casi veinte años de carrera en el dueto, Andy Bell empezó a trabajar en su primer álbum solista, un disco consistente de covers, sin embargo le pidió a Vince Clarke su colaboración y el proyecto terminó convirtiéndose en el décimo álbum de Erasure, Other People's Songs. Además, ha colaborado también en discos de otros artistas como cantante o como DJ haciendo remixes para estos.

En el año 2004, Andy dio a conocer públicamente que desde 1998 sabe que es seropositivo, pero durante todo este tiempo se ha sentido bien y ello no le ha representado impedimento alguno para seguir cantando y grabando discos.

En 2005 concretó su primer disco e inicia su carrera en solitario sin dejar atrás su mancuerna con Vince Erasure. El álbum se llama Electric Blue y es más próximo al pop en su sonido que sus trabajos con Erasure. En el disco colaboran Claudia Brücken de la banda alemana de pop electrónico Propaganda y Jake Shears de la banda electroclash Scissor Sisters, además de Manhattan Clique quienes habían trabajado previamente con Andy Bell y de quienes este cantante es amigo.

Berlin


Berlin es una banda estadounidense de estilo New Wave. Formada en 1979 en California y liderada por la cantante Terri Nunn. Su canción más famosa mundialmente fue "Take My Breath Away" (1986), del soundtrack de la película Top Gun. Éste fue nominado a los premios Óscar. El tema fue compuesto por Giorgio Moroder.

Historia

Su estilo estaba encuadrado dentro del naciente Tecno Pop, pop electrónico (o synth-pop en inglés).

Berlín fue formado en el Condado de Orange, California en 1979. Su primer disco, "A matter of time" fue grabado en 1980 en I.R.S. Terri Nunn había dejado temporalmente la agrupación para iniciar una carrera actoral, siendo reemplazada en aquella ocasión por Virginia Macolino.

Luego fueron fichados por la disquera independiente Enigma Records donde ellos tendrían su primer hit, la polémica canción “Sex (I'm A...)" (1982), que fue prohibida por algunas emisoras de radio debido a su letra demasiado explícita.

En 1983 dos nuevos singles los catapultan a la fama “The Metro” y “Masquerade” que juntos con el anterior hit formaron parte del LP “Pleasure Victim”, con mucho su trabajo más exitoso.

En 1984 publican el LP “Love Life” que tuvo menos ventas que “Pleasure Victim” pero de donde salieron dos temas importantes “No more words” (N° 23 en Billboard) y “Dancing in Berlin”.

Años después, pasaron al ámbito más comercial con su éxito “Take my breath away” (número 1 en decenas de países), tema más importante de la taquillera película “Top Gun”, canción que difiere mucho del estilo desenfadado de sus creaciones anteriores.

Aparte de Nunn, los miembros principales de Berlin fueron el miembro fundador John Crawford (compositor de canciones, bajo y Sintetizador), y David Diamond (Sintetizador y guitarra). Otros miembros de la cinta incluyeron Ric Olsen (guitarra), Matt Reid (Sintetizador), Rob Brill (batería 1982-1987) y Rod Learned (batería 1979-1982).

Berlin oficialmente se disolvió en 1987, en parte debido a la carencia de éxito de su álbum “Count three and pray” a pesar de incluir la canción "Take my breath away", eclipsdo en gran medida por el éxito de ventas del soundtrack de Top Gun.

Nunn retuvo los derechos legales al uso del nombre del grupo después de discusiones legales con el miembro fundador del grupo, John Crawford, recreándolo con una nueva alineación de músicos en 1999.

En 2000-2001 Berlin contribuyó a varios álbumes de tributo de artista, entre ellos Marilyn Manson, Madonna y Blondie.

En 2002, con la nueva reunión del grupo se lanza al mercado su último disco, llamado "Voyeur", que contiene los sencillos "Blink of an Eye" y "With a Touch" lanzado al año siguiente, los cuales no ingresaron en listas.

Chuck Berry


Charles Edward Anderson Berry (Saint Louis, Misuri, 16 de octubre de 1926), más conocido como "Chuck" Berry, es un influyente compositor, intérprete y guitarrista afroamericano de Rock and Roll de los Estados Unidos.

Es una figura influyente y uno de los pioneros del Rock and Roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybellene".

Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía.

La revista Rolling Stone lo presenta como el interprete #5 de toda la historia en su lista "The Immortals" (superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones)

Biografía

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Summer High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Mississipi, en la que también estudiaría Tina Turner.

Berry había estado tocando blues desde su adolescencia y a principios de 1953 gracias a su maestro , comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.

En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963

Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.

Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.

Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.

Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

El documental Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.

Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.

Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.

Influencias

Chuck Berry es uno de los pioneros del rock and roll, según el sitio web/ del salon de la fama del rock: "Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas". [1] Cub Koda escribió, "del rock de todos los principios de avance y artistas rock, ninguna es más importante para el desarrollo de la música que la de Chuck Berry. Él es el compositor más grande, el formador principal de la voz instrumental, uno de los mejores guitarristas, que posee la más clara dicción, y uno de sus más grandes artistas. "John Lennon dijo:" Si se trató de dar el rock and roll otro nombre, podrías llamarlo 'Chuck Berry'.

Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.

Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.

Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybellene" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".

Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".

Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.

A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll.

Sus canciones

A continuación se indican las canciones que son consideradas como auténticos himnos del rock and roll:

* "Johnny B. Goode" - La biografía de un muchacho de pueblo que podía "tocar una guitarra como si fuera una campana". Fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la Voyager I. La canción también sonó en la película "Regreso al futuro". La canción fue versionada por el grupo de heavy metal británico Judas Priest en su álbum Ram It Down.

* "Rock and Roll Music" - Una de las primeras versiones que grabaron los Beatles.
"Sweet Little Sixteen" - Con un toque de lirismo, se convertiría en un éxito en manos de los Beach Boys.

* "Roll Over Beethoven" - Version que también grabaron los Beatles, cantada por George Harrison.

* "School Days" - El estribillo "Hail! Hail! Rock and Roll", fue tomado como título de un documental musical organizado por Keith Richards como tributo a Chuck.

* "Let It Rock" - Una fantasía de los trabajadores de ferrocarriles, escrita bajo el seudónimo de E. Anderson. Ha sido interpretada por los Rolling Stones, los Yardbirds, Motorhead y Jerry Garcia.

* "Little Queenie" - Canción interpretada por muchos artistas a lo largo de los años. Las versiones más populares son las hechas por los Rolling Stones, que aparece en el álbum Get Yer Ya-Ya's Out! y la del dueto de Jerry Lee Lewis y Kid Rock, que aparece en el DVD de Lewis llamado Last Man Standing Live. Queen hace referencia a Little Queenie en su canción Now I'm Here.
Entre sus numerosos éxitos se pueden destacar los siguientes:

* "Maybelline" - Fue uno de los dos temas con los que se presentó a la Chess Records y el que llamaría la atención de Leonar Chess. Se trata de una adaptación a ritmo de boogie woggie del tema country de Bob Wills "Ida Red". Con el empuje del afamado locutor Alan Freed llegaría a lo más alto de las listas de música negra y se oiría ampliamente en las emisora blancas. Alcanzaría el puesto 5 en la revista musical Billboard. Trata sobre una carrera de coches entre jóvenes.

* "Too Much Monkey Business" - Comenta las actitudes de los adolescentes. Inspiró a Bob Dylan en su canción "Subterranean Homesick Blues".

* "Brown Eyed Handsome Man" - Trata sobre las actitudes racistas de los adultos,*

* "arrested on charges of unemployment" (arrestado por no tener trabajo).

* "Back in the U.S.A." - Inspiraría a los Beatles en "Back in the USSR".

* "No Particular Place To Go" - Coches, chicas y frustración.

* "Memphis" - Una dulce historia. Lonnie Mack y Johnny Rivers comenzaron sus carreras con esta canción

* "My Ding-a-Ling" - Sú único número uno.

* "Run Rudolph Run" - Su canción de navidad.

* "Oh! Carol!" - Cancion que habla de una chica llamada Carol
Entre sus tributos al blues:

* "Confessing the Blues" - Con la famosa banda de jazz de Jay McShann.

* "Merry Christmas, Baby" - Original de Charles Brown

* "Route 66" - Escrita por Bobby Troup y originalmente presentada por Nat King Cole, es considerada como un tema de Berry. Existe una versión cantada por los Rolling Stones.

* "Things I Used to Do"

Sus canciones han sido recopiladas en álbumes como:

The Great Twenty-Eight - Álbum definitivo de los grandes éxitos de Berry.

De gira

Cuando comienza una gira, no lleva músicos. Siempre va solo y hace un casting para seleccionar los músicos que le acompañarán en ese país. Lo característico de esta forma de actuar es que no paga a los músicos. Chuck Berry considera que tocar con él ya es un honor suficiente y por eso no son actuaciones remuneradas. Asimismo específica que todo guitarrista de rock debe conocer sus canciones. Entre otras excentricidades está también la de alquilar y conducir personalmente a su edad un mercedes de color blanco allí donde actúa.

Trivia

En la película "Regreso al Futuro" (Back to the Future, 1985), dirigida por Robert Zemeckis, producida por Steven Spielberg y protagonizada por Michael J. Fox y Christopher Lloyd, se hace una referencia bastante directa a Chuck Berry. En la escena del baile "Encanto bajo el Océano", el personaje de M. J. Fox, Marty McFly, toca una canción considerada como un clásico del rock de los 50's, Johnny B. Goode. Durante la ejecución de la pieza, uno de los músicos de la banda, llamado Marvin Berry, llama por teléfono a su primo para que escuche, a través del auricular, la pieza de rock & roll que se está tocando en vivo durante el baile. Le dice "¿Chuck? Soy tu primo, Berry, Marvin Berry. ¿Recuerdas ese ritmo que habías estado buscando? ¡Escucha esto!", mientras sostiene el auricular con la mano, apuntando hacia el escenario. De esta escena se infiere que fue Marty McFly quien inspiró a Chuck Berry para componer los ritmos siguientes de sus piezas de rock, y eventualmente, Johnny B. Goode, jugando también con el sentido que la película imprime al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.

viernes, 18 de septiembre de 2009

Basia Trzetrzelewska


Basia Trzetrzelewska (30 de septiembre de 1954, Jaworzno, Polonia). Cantante polaca, su nombre completo es Barbara Trzetrzelewska. Tuvo éxito a nivel internacional por medio de canciones mezcla de jazz y pop finales de los ochenta y principios de los noventa especialmente en los Estados Unidos, Japón e Inglaterra.

Biografía

En 1969 debutó con la banda local de rock Astry. De 1972 a 1974, del grupo vocal femenino Alibabki y en 1977 cantó con el grupo Perfect. Después de estar temporalmente en Chicago en 1979, se desplazó al Reino Unido en 1981. Allí conoció a Mark Reilly y a Danny White, hermano del guitarrista de jazz Peter White. En 1983 los tres formaron el grupo de jazz-pop Bronze que después cambió a Matt Bianco y grabaron el álbum Whose Side Are You On (1984). Este álbum incluyó los éxitos Get Out Of Your Lazy Bed y Half A Minute, obteniendo disco de oro en Gran Bretaña.

En 1985, tanto ella como White abandonaron Matt Bianco para lanzarse en sus carreras en solitario. En 1987, su primer álbum Time And Tide vendió más de un millón de copias solamente en Estados Unidos, incluyendo el hit Time And Tide en las listas de Billboard. Su siguiente álbum, London, Warsaw, New York (1990) repitió el éxito del anterior y lanzó el hit Cruising For Bruising. Este álbum llegó a lo más alto de las listas de Jazz Contemporáneo por encima del álbum de Quincy Jones.

Basia se hizo muy popular en Asia (especialmente en Japón) y Europa. Su tercer álbum The Sweetest Illusion, se lanzó en 1994 y vendió medio millón de copias en Estados Unidos y un millón a nivel mundial generando el éxito Drunk On Love. Su siguiente grabación fue Basia On Broadway, que se grabó en vivo en el teatro Neil Simon de Nueva York en 1995. En 1998 sale al mercado el Grandes Éxitos Clear Horizon - The Best of Basia con 4 canciones inéditas, incluyendo Waters of March de Antonio Carlos Jobim.

A pesar del reconocimiento internacional se retiró de la industria en 1998 después de lanzar Clear Horizon. Posteriormente citó las muertes de personas cercanas a ella (lo que incluye a su madre) como la razón para no sentirse a gusto cantando. Después de tercos esfuerzos por parte de Danny White y Mark Reilly (que trabajaban juntos nuevamente), accedió a unirse a un nuevo Matt Bianco que lanzó el álbum Matt's Mood en 2004.

Frankie Goes to Hollywood


Frankie Goes to Hollywood (FGTH) fue un grupo techno pop inglés, formado en Liverpool, a principios de los años 80. Consiguieron mucho éxito en el Reino Unido y en otros países con canciones como "Relax", con letras que aludían explícitamente a la homosexualidad, "Two Tribes", "The Power of Love" y "Welcome to the Pleasuredome".

Su formación incluía a Holly Johnson (previamente bajista de Big In Japan) y Paul Rutherford (años antes cantante de Spitfire Boys) como vocalistas, Mark O'Toole` y Brian Nash, respectivamente, al bajo y a la guitarra, y Peter Gill a la batería.

El primer sencillo del grupo, Relax fue categorizado por la BBC como número seis en la lista de éxitos, y se mantendría en las posiciones más altas entre los sencillos más vendidos en Inglaterra durante cinco semanas consecutivas, disfrutando de un éxito que se mantendría hasta 1984 y convirtiéndose en el séptimo sencillo más vendido en Inglaterra de todos los tiempos. Después del éxito de Two Tribes y The Power of Love, FGTH se convirtió en el segundo grupo en la historia de Inglaterra que conseguía alcanzar el número uno con sus tres primeros sencillos; el primero fue Gerry and the Pacemakers en 1964.

Formación

En la cara B del primer sencillo del grupo, Johnson explicó que el nombre del mismo provenía de una página de la revistaThe New Yorker magazine, que presentaba el título Frankie Goes to Hollywood y una fotografía de Frank Sinatra. Otra versión de la historia es que un artículo similar sobre Frankie Vaughan fue la inspiración para el nombre del grupo. Y finalmente otra versión es que el nombre fue inspirado por una historia publicada en un diario sobre el cómico inglés Frankie Howerd en un viaje a Hollywood. De todas maneras el grupo musical llamado "Frankie Goes to Hollywood" surgió en 1980.[1]

El núcleo del grupo surgió a finales de los años setenta, en Liverpool bastante influido por la cultura punk. El cantante Holly Johnson había tocado el bajo con Big In Japan, y había grabado dos sencillos en solitario. Paul Rutherford - que se incorporaría después- había cantado con The Spitfire Boys. Los músicos locales Peter Gill (batería), Jed O'Toole (bajo) y el primo de éste, Brian Nash (guitarra) se unieron en Johnson, llamándose ellos mismosSons of Egypt, y este grupo inicial efectuó una serie de conciertos en pequeños locales. El grupo se deshizo durante un corto periodo de tiempo para que regresar más tarde, cuandoJohnson se unió con Mark O'Toole (bajo) y Ped para formar FGTH, durante un periodo especialmente prolífico en cambios durante el cual Jed tomó la guitarra. Una vocalista femenina Sonya Mazunda, se unió al grupo más tarde, y esta formación realizó el primer concierto de FGTH en la sala The Warehouse, como teloneros de Hambi & The Dance.

Rutherford, que había hecho de vocalista temporalmente, tuvo tanto éxito en el concierto que sustituyó a Mazunda aquella misma noche. La nueva formación compuesta sólo por hombres efectuó conciertos a nivel local junto con un dúo llamado The Leatherpets (que iban vestidos con escasa ropa de cuero), y fueron contratados para realizar vídeos promocionales y espectáculos, aunque en alguna ocasión fueron rechazados tanto por la productora Arista Records como por Phonogram. En octubre de 1982, el grupo participó en el programa de radio de John Peel en la BBC Radio One, en el cual interpretaronKrisco Kisses,'Two Tribeso,DisneylandyThe World Is My Oyster. En este tiempo Jed O'Toole dejó el grupo, y sería sustituido por el reencontrado Nash.

En febrero de 1983, el grupo fue invitado para grabar el vídeo de Relax para el programa de Channel FourThe Tube en el Liverpool State Ballroom. Después de esta emisión, la sesión del programa de radio de John Peel se repitió, y se grabó una nueva sesión para la BBC, que incluía Welcome tono the Pleasuredome , The Only Star In Heaven y Relax. Estas actuaciones junto con el vídeo del programa The Tube , parece que convencieron a Trevor Horn para contratar al grupo para su nueva discográfica, ZTT Records, en mayo de 1983.

Relax

Relax fue publicado por ZTT en octubre de 1983 y tuvo un gran éxito, llegando al Top 40 de las listas inglesas. Después de una aparición en el programa de la BBC Top Of the Pops el 5 de enero de 1984 cuando estaban en el número 35, el sencillo alcanzó el número seis ... y entonces ocurrió el incidente que propulsaría tanto la canción como el grupo a la mayor notoriedad del mundo del pop para siempre.

El 11 de enero de 1984, el disc jockey de la BBC Radio 1 Mike Read puso el disco en su programa, y notó que el diseño de la portada del mismo, (hecho por Yvonne Gilbert) presenta un hombre y una mujer de espaldas empujándose el uno en el otro, ligeros de ropa, e incluye una parte de la letra con contenido picante. Eso lo llevó a leer con más detenimiento la letra, y parece que su reacción fue la de retirar del tocadiscos el disco que estaba en aquel momento sonando, por consideralo "repugnante". [1] Un par de días después - casi tres meses después del lanzamiento del sencillo, y ocho días después de la actuación del grupo en Top Of The Pops - la BBC retiró del mercado el disco.

Relax alcanzó inmediatamente el número uno de las listas de éxitos de Inglaterra y permaneció durante cinco semanas, y eso dandóse el caso de que la BBC no podía emitir el sencillo más vendido del país en ninguno de sus medios de radio ni televisión durante un mes (así pues la sintonía de despido del programa 'Top Of The Pops, que tradicionalmente se reservaba a la canción más exitosa del momento, tuvo que cubrirse con diferentes temas menos populares durante cinco semanas consecutivas).

Se establecieron comparaciones entre Relax y el God Save el Queen de los Sex Pistols por la siguiente cuestión: la BBC no intentó incrementar las ventas de sus discos prohibiendo Relax, pero por otra parte el disco desafió claramente estas intenciones, en el sentido que - no por primera vez - la BBC y los medios se enfrentaron con un disco de grandes y rápidas ventas que podía ser muy rompedor y los motivaron a explotar una supuesta prohibición de lo mismo a nivel institucional -cosa que evidentemente lo hacía más atractivo. Por otra parte, la BBC y los medios ingleses no estaban nada preparados para el fenómeno sin precedentes que ocurrió con Relax. La experiencia de Relax en definitiva demostró la existencia de un fenómeno cultural capaz de hacer cambiar las normas de la BBC relativas a la prohibición de discos provocativos, y de hacer que los medios tuviesen un especial interés en los trabajos que despiertan controversia.

Mike Read se sintió aparentemente ofendido por el contenido sexualmente explícito del diseño de la portada y de las letras. No obstante el texto "Relax, don't don it, when you want to suck it to it" (relájate, no lo hagas, cuando quieres hacer sexo oral) presentaba un error provocativamente deliberado. Las palabras correctas eran "...when you want to sock it to it" (cuándo quieres golpearlo). No obstante, la expresión final "Relax, don't don it, when you want to come" (relájate, no lo hagas, cuando quieres venir) parece bastante más ineludible, o menos críptica para ciertas personas (cuando en la Revista de pop Smash Hits le preguntaron a Johnson: "Relájate, no lo hagas ... ¿no hacer el qué"? , él respondió: "no relajarse, claro está").

El videoclip original dirigido por Bernard Rose muestra un bar gay (está filmado en el teatro Wilton's Music Hall, en el este de Londres), y fue aparentemente censurado tanto por la BBC como por la MTV, en el lugar del cual se emitió otro videoclip dirigido por Brian De Palma, coincidiendo con el estreno de su película Body Double(Doble cuerpo). En este aparece una versión ligeramente diferente del vídeo como escena de una película pornográfica.

El texto provocativo en el reverso de la tapa de Relax fue atribuido al periodista musical y socio de ZTT Paul Morley, responsable también de la campaña que siguió a la censura de la BBC, y que provocó una demanda masiva hacia el grupo y la canción. Parte de esta promoción (si bien llegó unos meses después, con el lanzamiento de Two Tribes ) incluía la icónica camiseta con el texto "Frankie Say Relax Don't Do It", atribuida a Morley pero diseñada realmente por Katharine Hamnett, que había realizado unas camisetas con un diseño minimalista en blanco y negro muy similares mostrando esloganes positivos como "Choose Life" y "Go Go" (éstas últimas utilizadas por Wham! en el videoclip de Wake Me Up Before You Go-Go . Las camisetas "Frankie Say..." se convertirían en ubicuas durante el verano del 1984.

Además de toda la polémica entorno Relax, empezaron a circular rumores de que el sencillo había sido grabado realmente por otro grupo de músicos. Este rumor derivó en la acusación "los Frankie no saben tocar", agravado por la falta de conciertos en directo durante todo 1984. Un tiempo después el productor Trevor Horn admitió que realmente había grabado una versión de muestra de Relax con FGTH y The Blockheads, grupo que tendría renombre gracias al icono del New Wave Ian Dury. Después grabó una segunda versión con FGTH solos, pero quedó descontento con el resultado, y finalmente se llevó la cinta para trabajar. Horn supuestamente se pasó cinco semanas añadiendo pistas con más músicos, incorporando bajos pregrabados del bajista de los Blockheads Norman Watt-Roy y unas pulsaciones de bajos sampleadas con un teclado Fairlight CMI dos años antes en Battery Studios por el bajista Mark 'Thumbs' Cunningham. Aunque aparentemente empleó tanto de tiempo y dinero en un sencillo, Horn afirmó después de que Relax representó una gran apuesta para él y para su nuevo sello discográfico, ZTT, y que su fracaso en el mercado podía haberle supuesto la bancarrota. En el momento en el que fue completado, había costado £70,000 sólo en tiempo invertido en el estudio, con un coste adicional de £15,000 para el videoclip. El tiempo utilizado en el estudio y los costes supondrían una cuestión primordial para FGTH (y para otros grupos contratados por ZTT como Propaganda) más allá de 1984.

Two Tribes

Relax permanecía a las listas de éxitos' cuando el siguiente éxito,Two Tribes, fue publicado en mayo de 1984. A esta canción de cariz pacifista se le dio un sentido relacionado con la guerra nuclear. Acompañado de sirenas, la inconfundible voz de Patrick Allen (que había llevado a cabo la locución de los anuncios reales de peligro nuclear del Gobierno británico, Protect and Survive - protegeos y sobrevivid - , dos años antes) y otro innovador soporte electrónico, pasó directamente al número uno de la lista de éxitos de Inglaterra y permaneció durante nueve semanas (el primer sencillo que lo hacía desde Mull of Kintyre de los Wings en 1977-78), con un total de ventas que excedió 1,5 millones de copias y convirtiéndose en uno de los treinta discos más vendidos en Inglaterra de todos los tiempos.

Dirigido por el famoso dúo Kevin Godley y Lol Crème (banda de rock de mediados de los años sesenta), el vídeo presentaba a unos imitadores de los líderes de la Guerra Fría Ronald Reagan y Konstantín Chernenko practicando lucha libre en un ring mientras miembros del grupo y otra gente hacían apuestas. El público, formado por otros líderes mundiales, entraban en la lucha, y finalmente la Tierra acababa explotando. La voz de Ronald Reagan en este tema fue obra de Chris Barrie.

Morley inició una campaña comercial mediante camisetas, de diseño inspirado en las de Hamnett, en el momento de la publicación de Two Tribes , añadiendo a la camiseta "Frankie Say Relax Don't Do It" otros diseños como "Frankie Say War Hide Yourself" y "Frankie Say Arm The Unemployed" (un diseño muy controvertido, por el cual Johnson tuvo que explicar en una entrevista radiofónica que el eslogan estaba destinado a pedir al Gobierno que "armara" a los parados con puestos de trabajo).

Two Tribes fue un sencillo espléndido por propios méritos, pero su reinado en la lista de éxitos fue más notable gracias al continuo éxito de su predecesor. Relax fue declinando de forma natural en mayo de 1984, pero con el lanzamiento de 'Two Tribes' 'sus ventas reavivaron, y FGTH obtuvo los dos primeros puestos en la lista de éxitos de' Inglaterra durante el mes de julio, siendo el primer grupo que lo conseguía desde principios de los años sesenta).

El grupo sugirió (en el programa The Tube de Channel 4) que el segundo sencillo más vendido podría haber sido Slave tono the Rhythm , interpretado por Grace Jones.

The Power of Love

FGTH publicó un tercer sencillo, The Power of Love , a finales de 1984. Balada sorprendentemente inspirada y bien arreglada, fue número uno en diciembre y otorgó al grupo el honor de ser la primera formación desde hacía dos décadas (desde Gerry and the Pacemakers (también de Liverpool) en 1963) al conseguir el número uno de ventas con los tres primeros trabajos publicados. El vídeo no fue censurado en esta ocasión pero también levantó una cierta polémica - muestra una escena de Navidad (y no aparece ningún miembro del grupo, sólo se les ve en unas imágenes añadidas a los fotogramas), y fue considerado equivocadamente un disco de música navideña. Como consecuencia, desde entonces las cadenas de radio y televisión lo tienen en cuenta sólo por Navidad. Pero la letra no tiene en principio relación con esta festividad.

La canción fue precedida por una campaña publicitaria que declaraba, antes de suceder realmente que The Power of Love era el tercer número uno del grupo, siguiendo una estrategia de hechos consumados.

El proyecto benéfico para la gente del Tercer Mundo llamado Band Aid - para el cual Johnson grabó un mensaje en la cara B-, significó que The Power of Love consiguiera colocarse esta vez al número uno sólo durante una semana, antes de que fuera desplazado por el tema de Band Aid Do They Know It's Christmas? . The Power of Love pertenecía a su primer álbum, Welcome to The Pleasuredome , que consiguió el número uno de ventas. El álbum se vendió relativamente bien pero no tuvo una buena acogida por la mayor parte de la crítica. Incluyendo los tres temas número uno y mostrando un título tan sugerente, El disco presenta también una serie de versiones de otros temas como Borne tono Runde Bruce Springsteen,Do You Know The Way to San Josede Dionne Warwick, Ferry 'Cross The Mersey de Gerry and the Pacemakers ... junto con parodias de temas de Liverpool.

La BBC levantó la censura de Relax a finales de 1984 con el fin de permitir a FGTH interpretar la canción en la edición navideña del programaTop Of The Pops (había sido, aparte de Band Aid, el sencillo más vendido del año).

En el 2008 el grupo musical Il Divo han sacado en su nuevo CD "The Promise" la primera version de esta cancion, en español, siendo el unico grupo mundial al que se le ha otorgado ese derecho.

Welcome to the Pleasuredome

El tema que da nombre al álbum, Welcome to The Pleasuredome , fue publicado como cuarto sencillo en marzo de 1985. Los primeros posters promocionales del mismo lo proclamaron como "su (de FGTH) cuarto número uno", incluso antes de su publicación. Desafortunadamente el sencillo llegó como máximo al número 2, dando pie a algunas voces que vaticinaban un declive del grupo. Los pesimistas a la larga - cómo no podía estar de otra manera en un mercado donde se suceden rápidamente las ofertas - acabarían teniendo razón, pero no por el supuesto "fracaso" de un número 2. Este declive fue, en última instancia, atribuible a las crecientes tensiones internas y desilusión general dentro del grupo; alguno de estos momentos de tensión fue detectado durante 1985, pero sólo fue evidente en el momento del público y muy anunciado "retorno" de 1986. El disco destaca por una larga introducción narrada por Geoffrey Palmer que habla de mitología griega y pensamientos del poeta y filósofo Samuel Taylor Coleridge.

Un nuevo tema, Disneyland, fue publicado en el disco de ZTT RecordsZang Tuum Tumb Sampled a finales de 1985.

Retorno y declive

En 1986 FGTH apareció en el Festival de Rock de Montreux retransmitido por la televisión inglesa. Esta actuación sirvió para presentar en público dos temas que serían dos futuro sencillos, Rage Hard y Warriors of The Wasteland . Ambas en versiones diferentes de las posteriormente publicadas. En agosto de 1986 el nuevo y esperado sencillo de Frankie Goes to Hollywood, Rage Hard , fue publicado, y llegó al número 4 en Inglaterra. Inicialmente promocionado con canciones como Warriors of The Wasteland , el sonido del grupo evolucionó significativamente hacia un estilo más lírico, más orgánico y menos extravagante. Aunque el sencillo fue inevitablemente promocionado como buque insignia de ZTT, el resultado pareció un poco forzado y casi una autoparodia. El correspondiente álbum, Liverpool (originalmente, según se decía, se tenía que titular Liverpool ... let's make it en double"), publicado en octubre y que llegó al número 5 de las listas, fue tema recurrente en la prensa musical, y el éxito empezó a bajar de nuevo con los posteriores sencillos Warriors of the Wasteland (sencillo nº. 19) y Watching the Wildlife (nº. 28). El grupo mientras tanto amenazó con imponer su propia voluntad, en el curso de una exitosa gira promocional del nuevo disco. Johnson se mantuvo claramente al margen del resto del grupo en este periodo, y las tensiones se exacerbaron cuando Johnson y O'Toole se pelearon en el Wembley Arena en enero de 1987, lo cual reflejó la difícil relación entre el cantante y el resto del grupo. Las cosas fueron tan mal que se le propuso al cantante de Liverpool Pete Wylie sustituir a Johnson, pero declinó la oferta. FGTH completó la gira, pero Johnson dejó el grupo después, alegando que la música que se hacía no era de su gusto.

Consecuencias

Después de la división del grupo, la compañía MCA Records ofreció a Johnson grabar un trabajo en solitario. No obstante ZTT, que consideraba que había invertido mucho dinero con Liverpool (el sistema avanzado de grabación digital usado para el disco fue tratado casi como si fuera un sexto miembro del grupo), tenía otras ideas, y rápidamente demandó a Johnson en un intento de mantener el contrato inicial con el sello. Entre otras cosas, ZTT creía que como ex-miembro de FGTH, Johnson tenía que publicar todo el material en solitario con este sello hasta que el acuerdo original de publicar varios álbumes se cumpliera. El pleito fue duro, y puso en evidencia los entresijos de la máquina ZTT/Frankie en una prensa musical inglesa voraz.

Después de dos semanas, el Tribunal falló a favor de Johnson, sosteniendo que las restrictivas cláusulas del contrato constituían una práctica abusiva. El resultado del litigio, que también liberó al resto de miembros de FGTH de su contrato con ZTT, ocurrió "vox populi" porque fue una victoria sin precedentes del artista contra la corporación que lo contrató.

Los años siguientes

La carrera en solitario de Johnson en MCA empezó en 1989, con una sucesión de exitosos sencillos y el álbum número uno Blast. Después llegaría el remix Hollelujah, seguido por uno segundo álbum de estudioDreams That Money Can't Buy. No obstante las relaciones de Johnson con MCA se enfriaron con este trabajo, y más tarde acabaría dejando la música y convirtiéndose en un pintor solitario pero de éxito, después de anunciar en 1993 que había sido infectado con VIH. El año siguiente, Johnson relató su versión de la historia de Frankie en su autobiografía a Bone In My Flute ("un hueso en mi flauta"). Su álbum - grabado por él mismo en 1999 Soulstream - incluía una nueva grabación deThe Power of Love que también fue publicado como sencillo.

Paul Rutherford, el otro miembro gay del grupo públicamente reconocido, publicó un álbum parcialmente producido por el grupo musical ABC, titulado Oh World y diversos sencillos antes de retirarse con su socio neozelandés en la isla Waikiki.

Los otros tres miembros de FGTH, 'other three' como los llamó Smash Hits , continuaron trabajando juntos en un vano intento de resucitar FGTH probando diferentes cantantes. Como "Nasher", Nash publicó en 2002 un álbum en solitario titulado Ripe. Ped trabajó entre bambalinas y compuso un tema que llegó al "top ten" con el grupo Lovestation. Mark O'Toole se trasladó a Florida y se unió al grupo punk Trapped By Mormons.

El nombre del grupo continuó vivo en la medida que los relanzamientos de Relax y The Power of Love devolvían los dos temas al "Top ten" de Inglaterra en 1993. Los remix deThe Power of Love (que se convirtió en un himno dance a partir de su formato original de balada) y de ' 'Two Tribes' 'serían Top 20 de nuevo en 1997, mientras queWelcome tono The Pleasuredome también tuvo un tratamiento como remix de gran éxito comercial, llegando al Top 20 cuatro años antes. ZTT continuó en su intento de mantener vivo el catálogo de FGTH en el nuevo siglo, con renovaciones periódicas remasterizaciones y remixes, en un mundo donde cada vez hay más productores de música dance, con el fin de mantener una supuesta tradición que empezó con las múltiples versiones del Relax de 1983. Hasta ahora ZTT ha intentado mantener siempre las imágenes del grupo ausentes mientras ha ido haciendo su trabajo de remezclas, y este misterio ha servido para mantener el mito vivo.

Los dos primeros sencillos del grupo aparecieron en los números 6 y 22 respectivamente en la lista oficial inglesa de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, hecha en 2002.

Apareció un grupo llamado The New Frankie Goes to Hollywood, liderado por Davey Johnson, que decía ser el hermano de Holly Johnson. El grupo tocó unos cuantos temas de Frankie, pero realmente no podía compararse. Y por otra lado, el supuesto parentesco era falso. El nombre del grupo también no hay que confundirlo con unos encuentros de aficionados al Rocky Horror Picture Show llamados precisamente "Frankie Goes to Hollywood".

Reencuentro

En 2003, el programa de TV de VH-1 Bands Reunited reunió a Johnson, Rutherford, Gill, Nash, y Mark O'Toole desde los confines del mundo con la esperanza de ponerlos de acuerdo para un espectáculo improvisado. En todas las reapariciones, los ex-miembros del grupo tuvieron buena relación y estuvieron contentos de volver a verse, pero los resultados del reencuentro no fueron muy logrados. Johnson y Nash no estaban de acuerdo en la manera cómo estaba organizado el show de TV.

No obstante, en noviembre del 2004, en la celebración del 25 aniversario de la carrera de Trevor Horn en la industria musical, tuvo lugar un concierto especial en el Wembley Arena, dónde participaron tres de los miembros originales de FGTH: Mark O'Toole, Peter (Ped) Gill y Paul Rutherford y otro exmiembro, Jed O'Toole. El vocalista original, Johnson, que había anunciado vía Internet que no aparecería, y el guitarra Nash, que declinó la invitación por razones personales, no participaron. Jed O'Toole se encargó de la guitarra en esta actuación, y se celebró una audición para encontrar a un cantante para el concierto. Ryan Molloy fue el escogido.

La misma formación (con Molloy y Jed O'Toole, pero sin Johnson y Nash) se reunió para un tour en 2005 tocando en diversos festivales por Europa. Participaron en el festival Faceparty's Big Gay Out en el Hyde Park de Londres.

Después de cierta confusión con las fechas de la gira, el grupo publicó un aviso en su página web anunciando que muchas de las fechas previstas para los conciertos eran erróneas. El grupo se fue centrando cada vez más en el lanzamiento de un nuevo álbum para "007. No obstante, a primeros de abril de 2007, llegó la noticia de que Gill, Rutherford, J. O'Toole y Molloy habían formado el grupo Forbidden Hollywood (Prohibido Hollywood) para tocar sus nuevas canciones junto con los temas antiguos de FGTH. Esta fue una manera de evitar problemas jurídicos con Holly Johnson por el uso del nombre Frankie Goes to Hollywood. Tenían previstos fechas de conciertos, pero en junio de 2007 se cancelaron y el grupo se hundió con la marcha de Molloy.

Los managers de Forbidden Hollywood afirmaron a mediados de octubre de 007 que el grupo
continuaría activo, y que en un futuro próximo se les podría volver a escuchar.

miércoles, 16 de septiembre de 2009

Carla Thomas


Carla Thomas, cantante de soul nacida en Memphis (Tennessee) el 21 de diciembre de 1942. Fue apodada como "Queen of Memphis Soul". Era hija del cantante de soul y blues Rufus Thomas.

Con tan sólo 18 años hizo un dueto junto a su padre, Rufus Thomas, "Cause I Love You". Gracias a este tema la discográfica Satellite se fijó en ella, y ese mismo año editó su single en solitario "Gee Whiz (Look at His Eyes)". Muy poco después Satellite se convirtió en Stax. Desde que lanzara su primer single se situó en las listas 22 veces, convirtiéndose una de las estrellas de la compañía. De sus hits destacan "I'll Bring It on Home to You", "Let Me Be Good to You", "B-A-B-Y", "Tramp" y "I Like What You're Doing to Me". Entre 1961 y 1964 sus colaboraciones con Otis Redding son numerosas, incluso llegando a editar un álbum juntos llamado "King & Queen", donde destacan los hits "Lovey Dovey" y "Tramp".

Poison


Poison es una banda estadounidense de Glam Metal que fue popular a finales de los años 1980 y principios de los '90, con más de 15 millones de álbumes vendidos solo en su país, siendo de las bandas representativas de ese género.

El estilo estrafalario en el vestir y del peinado en los inicios de la banda atrajo a un gran número de seguidores, sin dejar atrás los videos musicales coloridos y con situaciones divertidas, siguiendo con la tendencia de otros grupos de gran éxito como Mötley Crüe, Bon Jovi, Def Leppard, etc.

Inicios

Los inicios de la banda fueron por el año 1983 en Harrisburg, Pensilvania, gracias a que Rikki Rockett (baterista) era el estilista de la hermana de Bret Michaels (vocalista), así fue como se conocieron y luego reclutaron a Bobby Dall (bajista) y después se les unió Matt Smith (guitarrista).Después de haberse mudado a Los Angeles, California, Matt Smith decidió regresar a Pensilvania ya a que su novia estaba esperando su primer hijo, reemplazándolo C.C. DeVille, quien se convertiría en el guitarrista principal.

Llega el éxito

En 1986 Poison graba su primer álbum Look what the cat dragged in, que incluía tres hits: "Talk Dirty to me", "I Want Action" y "I Won't Forget You". El álbum llegó a vender 2 millones de copias. En el año 1987 la banda graba el cover de Kiss: "Rock and Roll all night", que se usó dentro del soundtrack de la película "Less than Zero".

En 1988 Poison lanza su segundo disco titulado Open up and say... Ahh! que vendió 8 millones de copias en todo el mundo, el disco incluyó los éxitos: "Every Rose has its thorn", "Nothin' but a good time", "Fallen Angel" y el cover "Your Mama don't dance".
El tercer Álbum llegó en 1990, llamado Flesh & Blood también gozó de mucho éxito, el disco fue multi-platino, donde sobresalieron tres sencillos: "Unskinny Bop", "Ride the wind" y la balada "Something to Believe in".

Los años posteriores

Los problemas comenzaron a causa de las adicciones del Guitarrista C.C. DeVille, el cual fue remplazado por Richie Kotzen. En 1993 con Kotzen sacan su cuarto disco llamado: Native Tongue. El nuevo álbum fue fuertemente influenciado por el estilo Kotzen e ideas frescas, contribuyendo a la letra de las canciones, lo que marco un nuevo estilo en la música de la banda. El disco contiene el sencillo "Stand" y recibió positivas críticas, aunque no le fue muy bien en ventas, vendiendo un millón de copias. Los problemas no dejaron la banda, agudizándose con el romance entre Kotzen y la prometida de Rikki Rocket, Kotzen fue expulsado y remplazado por Blues Saraceno.

Poison comenzó a grabar su sexto álbum Crack a Smile en 1994, pero la grabación se suspendió abruptamente debido a un accidente donde se vio involucrado el vocalista Bret Michaels, el cual perdió el control de su Ferrari, sufriendo fractura de huesos y pérdida de cuatro dientes. Después de la recuperación en 1995 la banda continuó grabando.

Para este momento el Rock Pesado había perdido popularidad y para contrarrestar un poco la situación, la banda saco un disco de éxitos en 1996 que fue platino y después de 8 años de separación Michaels y DeVille arreglaron sus diferencias y la reunión finalmente fue en 1999

Para el 2000 finalmente el álbum Crack a Smile pudo ser lanzado, posteriormente en el mismo año Poison lanza Power of the people que marcó el regreso de C.C. DeVille a la banda.

En el año 2002 Poison lanza su más reciente álbum Hollyweird y en el 2004 Poison abre los conciertos para Kiss en el "Tour Rock the Nation", para el 2005 el sencillo "Nothin' but a good time" aparece en el Soundtrack de la película Mr. & Mrs. Smith.

Poison celebró su 20 aniversario con el lanzamiento del recopilatorio "The best of Poison: 20 years of Rock" el cual fue acompañado de una gira de verano por Norteamérica, incluyendo en sus últimas fechas presentaciones en Puerto Rico y México.

Para 2007, y gracias a una sugerencia de Capitol Records, Poison entra al estudio a grabar un disco de covers que se titula Poison'D, bajo la producción de Don Was. Este disco contiene covers de Alice Cooper, The Romantics, Sweet y Tom Petty, entre otros.

Durante la gira del 2007 en el Verizon Wireless Ampitheatre en St. Louis, Missouri...la banda grabó el concierto para su posterior edición en DVD, ese mismo concierto fue también presentado en la cadena HDNet bajo el titulo "POISON: LIVE, RAW & UNCUT" en Octubre del año 2007

El 15 de Enero del año 2008, Poison es confirmado para formar parte del Rock2Wgtn Festival en Willington, Nueva Zelanda, los días 22 y 23 de Marzo. Poison actuó el 23 de Marzo, iniciando la fecha final del Festival junto a Ozzy Osbourne, The Symphony of Screams, Whitesnake y Sonic Altar

Amii Stewart


Amii Stewart (n. 29 de Enero, 1956, en Washington, Estados Unidos) es una actriz, bailarina y cantante de música soul, disco y más tarde de dance.

Entró como un rayo dentro del panorama musical de con su versión de "Knock on Wood", un tema que ya interpretó Eddie Floyd; uno de los mejores cantantes de deep soul de Montgomery. Una de sus épocas más gloriosas fue la etapa que trabajo en los musicales de Broadway, entre los que destacó como protagonista de "Bubbling Brown Sugar". Otra de las versiones que la inmmortalizaron fue una genial interpretación de "Light my fire" de The Doors, a partir del cual su éxito comenzó a bajar de una forma escalonada. Tras un tiempo se marchó a Italia, donde con compañías internacionales intentó lanzar algún single, que pasó sin pena ni gloria; para más tarde volver a Estados Unidos con la discográfica RCA a mediados de los '80. En 1985 volvió en cierta forma al panorama musical con el tema "Friends", que logró entrar en el top 40 R&B. A pesar de que cuenta con una carrera que abarca más de veinte años en activo ha editado pocos trabajos. Siempre tuvo contratos cortos, por lo que sus cambios de discográficas eran muy comunes. A pesar de que no cuenta con un material discográfico muy abundante, las recopilaciones de su obra son abundantes, al igual que los álbumes de remix con tendencias electrónicas que se mueven dentro del house y el dance.

Patrick Swayze


Patrick Swayze (Houston, Texas; 18 de agosto de 1952 – Los Ángeles, California; † 14 de septiembre de 2009) fue un actor, bailarín, cantante, compositor y productor de televisión estadounidense. Alcanzó el estrellato cinematográfico en la década de 1980 con los enormes éxitos de taquilla Dirty Dancing y Ghost, y su fructífera (aunque irregular) carrera incluye géneros como la comedia y el cine de acción. Trabajó con grandes nombres como Francis Ford Coppola, Tom Cruise, Demi Moore, Keanu Reeves, Charlize Theron...
Falleció a causa del cáncer de páncreas que le fue diagnosticado a principios del año 2008, al mismo tiempo que trabajó en la serie televisiva The Beast.

Inicios de su vida

Patrick Swayze nació el 18 de agosto de 1952 en Houston (Texas). Hijo de Patricia Patsy Yvonne Helen, una coreógrafa, instructora de baile y bailarina, y Jesse Wayne Swayze, un redactor de ingeniería.Tenía una hermana y dos hermanos: Vicki Lynn, Sean Kyle, y Don (que también es actor).

Patrick Swayze se destacó desde joven por sus aptitudes físicas y su interés por las artes escénicas. En el instituto destacó más por sus cualidades atléticas que por sus logros académicos, llegando a ganar varios torneos en atletismo y en fútbol americano.

Su carrera deportiva se vio interrumpida por causa de sus problemas en las rodillas, por lo que tuvo que abandonar sus pretensiones deportivas en el fútbol americano. Después de abandonar los deportes, estudió ballet en la Harkness Ballet School y en la Joffrey Ballet School, donde consiguió hacerse bailarín profesional.

En 1975 se casó con la también bailarina y actriz, Lisa Niemi, a quien conoció en su adolescencia en las clases de baile de su madre, Patsy.

Primeros trabajos

Representó varias obras musicales en el teatro como bailarín, entre ellas Grease, después decidió empezar a trabajar en la gran pantalla. A finales de los años setenta participó en la película de televisión Skatetown, USA (La fiebre del patín, 1979).

A principio de los años ochenta realizó varios papeles secundarios en series de televisión, hasta que en 1983 fue seleccionado por Francis Ford Coppola para completar el reparto de la película The Outsiders (Rebeldes), junto a otros actores importantes como Matt Dillon, Rob Lowe, Diane Lane, Ralph Macchio, y Tom Cruise, entre otros, lo que le serviría para trabajar en otros proyectos importantes como Uncommon Valor (Más allá del valor), de Ted Kotcheff, junto a Gene Hackman y Fred Ward, donde interpretó a un veterano de Vietnam que debía ayudar a su antiguo coronel a rescatar a su hijo. También hizo una aparición como extra en la pista de baile en la película Staying Alive (La fiebre continúa), dirigida por Sylvester Stallone. En ese mismo año 1983 falleció su padre, Jesse Swayze.

En 1984 protagonizó la película Red Dawn (Amanecer rojo), de John Milius, junto a C. Thomas Howell y Charlie Sheen.

En 1985 coprotagonizó con James Read la lujosa miniserie de televisión North and South (Norte y Sur), un drama de John Jakes sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos que contó con otros actores como Kirstie Alley, David Carradine, Lesley-Anne Down y las leyendas Gene Kelly y Elizabeth Taylor.

En 1986 trabajó en la película Youngblood, de Peter Markle, junto a Rob Lowe y Cynthia Gibb.

Consolidación de su carrera

En 1986 volvió a la televisión para participar en la segunda parte de North and South (Norte y Sur), y actuó en la película de ciencia ficción Steel Dawn (El guerrero del amanecer) , junto con su esposa Lisa Niemi y el actor Arnold Vosloo.

En 1987, se hizo mundialmente conocido en Dirty Dancing junto a Jennifer Grey. En esta película se agregó la canción She’s like the wind, compuesta y cantada por el mismo Patrick Swayze para la película, que fue número dos durante varias semanas en la lista de singles de Estados Unidos y vendió miles de copias. En ese año también participó en uno de los capítulos de la serie Amazing Stories (Cuentos asombrosos), dirigida por Steven Spielberg.

Entre 1988 y 1989, gracias a su fama por Dirty Dancing, Swayze se hizo un actor muy cotizado, y aparte de ser el icono de todas las grandes marcas de ropa, perfumes, etc., protagonizó las películas de 1989 Next of Kin (Con su propia ley) y Road House (De profesión, duro).

A principios de la nueva década mantuvo su condición de estrella con varios éxitos. En 1990 marcó otro hito taquillero de alcance mundial y recibió muchas críticas favorables con la película Ghost, dirigida por Jerry Zucker y coprotagonizada por Demi Moore y Whoopi Goldberg, quien ganó un Oscar como Mejor actriz de reparto.

En 1991, tras superar algún problema con el alcohol, las drogas y convertirse al budismo, participó en otra exitosa película ambientada en el mundo del surf, Point Break (Le llaman Bodhi), dirigida por Kathryn Bigelow y coprotagonizada por Keanu Reeves. Al año siguiente protagonizó una película opuesta a la anterior: City of Joy (La ciudad de la alegría), dirigida por Roland Joffé y basada en la novela del escritor Dominique Lapierre, en la que interpretó a Max Lowe, un médico que viaja a la India para dar un nuevo significado a su vida. Casualmente (o no), esta película menos comercial marca el declive de Swayze como estrella popular, al menos en cuanto al impacto de taquilla de sus estrenos cinematográficos.

En segundo plano

En 1993 protagonizó la comedia infantil Father Hood (El enemigo público n.º 1... mi padre), junto a Halle Berry y Michael Ironside. En 1995 abordó posiblemente su papel más atípico en la comedia To Wong Foo: Thanks for Everything, Julie Newmar (A Wong Foo: gracias por todo, Julie Newmar). Intentando igualar el éxito de la película Priscilla, Reina del Desierto, Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo interpretaron a un grupo de drag-queens fascinadas por la antigua modelo Julie Newmar. También en 1995 Swayze protagonizó la película Three Wishes (Tres deseos), dirigida por Martha Coolidge, junto con Mary Elizabeth Mastrantonio.

En 1998, después del decaimiento de su fama debido al poco éxito de sus dos últimas películas, protagonizó la película de acción Black Dog, de Kevin Hooks, y el thriller Letters from a Killer (Cartas de un asesino), de David Carson. En 2000, coprotagonizó la película Forever Lulu, junto a Melanie Griffith y Penelope Ann Miller, y al año siguiente recobró prestigio al participar en la elogiada Donnie Darko, dirigida por Richard Kelly y protagonizada por Jake Gyllenhaal (luego famoso por Brokeback Mountain).
Swayze siguió alternando géneros dispares (acción, comedia) en sus últimos años en el cine. En 2002 interpretó al sargento Jim Lance en Green Dragon, de Timothy Linh Bui, y trabajó en Waking Up in Reno, una comedia dirigida por Jordan Brady y protagonizada por Billy Bob Thornton, en la que también trabajaron Natasha Richardson y Charlize Theron. En 2003 participó en la película 11:14 (11:14 - Destino fatal), de Greg Marcks. También protagonizó y produjo la película One Last Dance junto a su esposa, Lisa Niemi, quien también dirigió esta película ambientada en el mundo de la danza.

En 2004 volvió a la televisión para rodar la miniserie King Solomon's Mines (Las minas del rey Salomón). También realizó un pequeño papel en la película Dirty Dancing: Havana Nights e interpretó al malvado Garth en George and the Dragon. En 2005, protagonizó la película Icon, una versión para la televisión del libro de Frederick Forsyth, El manifiesto negro, junto a Patrick Bergin y Ben Cross, y participó en la comedia británica Keeping Mum (Secretos de familia), junto a los actores Rowan Atkinson, Kristin Scott Thomas y Maggie Smith. En 2006, puso voz al personaje animado Cash en The Fox and the Hound 2.

En 2007 interpretó al abogado Richard Pressburger en una película basada en hechos reales, Jump! (Muerte y castigo), y trabajó en la película televisiva Christmas in Wonderland (Navidad en el País de las Maravillas). En 2008 participó en la película Powder Blue, de Timothy Linh Bui, junto a Jessica Biel, Forest Whitaker y Ray Liotta, entre otros.

Último trabajo: The Beast

Al detectársele el cáncer que terminaría con su vida, Patrick Swayze se sometió a un duro tratamiento pero decidió seguir trabajando y protagonizó la serie televisiva The Beast, en la que interpretaba a Charles Barker, un policía de Chicago con métodos poco tradicionales। Se dijo que durante la grabación Swayze renunció a paliar sus dolores con medicación, pues temía perder matices en su actuación. Ante el éxito de la primera temporada de la serie, Swayze quiso firmar por la segunda, pero su salud decayó tanto que los productores prefirieron cancelar el proyecto. Esta serie se empezará a emitir en España a principios de otoño de 2009.
Salud

En enero de 2008, le fue detectado un cáncer de páncreas. Swayze fue sometido a una cirugía de emergencia después de que el cáncer se le extendiese y parte de su estómago fue extirpado. En mayo de 2008, la revista española OK informó de que Swayze había dejado sus propiedades a nombre de su esposa, Lisa Niemi, tal vez en previsión de un mal desenlace. En noviembre de 2008 diversos medios de la prensa escrita anunciaron que su cáncer había empeorado (llegando al hígado) y que se despidió de sus seres queridos. No obstante su mujer, a través de una carta al club de fans oficial de Swayze, desmintió este hecho asegurando que tan sólo se había encontrado «una pequeña cantidad de cáncer» y que aún no se había producido ninguna despedida.

Muchos medios de comunicación dieron la noticia de que a Swayze sólo le quedaban cinco semanas de vida, ya que el tumor se había esparcido rápidamente. Antes de morir, el actor compaginó su lucha contra la enfermedad y un nuevo proyecto, como protagonista de una nueva serie titulada The Beast, donde interpretó a un veterano del FBI al que se le asigna un compañero novato al que debe instruir. Finalmente, la serie se canceló debido al estado de salud de Swayze.

Al parecer, Patrick Swayze estuvo viajando hacia la Universidad de Stanford para tratarse en un prestigioso centro de Palo Alto con intensas sesiones de quimioterapia.

Patrick Swayze y su representante desmintieron en varias ocasiones, mediante comunicados de prensa, que su estado fuese crítico. En su último comunicado, Swayze era muy optimista y señalaba que regresaría pronto al trabajo.

En abril de 2009 los médicos comunicaron a Patrick Swayze que el cáncer se había extendido a su hígado. El 19 de mayo de 2009 su representante desmintió los rumores que inundaban la Internet acerca de la muerte del actor . «La esperanza es algo muy frágil en la vida de cualquiera y la gente que quiero no necesita que le roben la esperanza cuando no está justificado y cuando no es cierto», remarcaba Swayze.

Finalmente, el 14 de septiembre de 2009 el actor falleció a los 57 años de edad en la ciudad de Los Ángeles

Carla Bruni


Carla Bruni de Sarkozy (Turín, 23 de diciembre de 1967), ex modelo y cantautora italiana nacionalizada francesa. Tercera esposa del presidente francés Nicolas Sarkozy y actual Primera Dama de Francia.

Biografía

Su padre es Alberto Bruni Tedeschi, un hombre de negocios y compositor de ópera y su madre, Marisa Borini es actriz y pianista. No obstante el día 9 de enero de 2008, un hombre de negocios instalado en Sao Paulo en Brasil desde hacia treinta años, Maurizio Remmert, nacido en el año 1947, revela que él es el padre biológico de Carla Bruni. Maurizio Remmert y Marisa Borini se encontraron en Turín y tuvieron una relación de amor estable de la cual nació Carla Bruni.

Remmert declara que la afiliación fue conocida por Alberto Bruni desde hace muchos años y que siempre ha tratado a Carla como si fuese su hija legítima. Poco tiempo déspues de la muerte de su padre, la madre de Carla Bruni le contó la existencia de su verdadero padre. Su hermana mayor es la actriz, guionista y realizadora Valeria Bruni Tedeschi, su hermano mayor, Virginio falleció en Julio de 2006, a consecuencia de una enfermedad de transmisión sexual (Sida).

De su padre natural tiene igualmente una media hermana llamada Consuelo.

En 1975, su familia se instaló en Francia por temor de los secuestros de las brigadas rojas italianas. De muy joven Carla aprende a tocar el piano y después la guitarra, siempre se encontrará rodeada de música desde su tierna infancia, además, Carla heredó un gran gusto por el arte, apasionada de la literatura y escritura, ella ha compuesto canciones apuntando rápidamente las letras entre las demás actividades que realiza al mismo tiempo.

Ella estudió en escuelas privadas, éstas se encontraban en Suiza y en Francia, luego proseguiría sus estudios de arquitectura en París.

Carrera de modelo 1985-1997

A la edad de diecinueve años, interrumpió sus estudios de arquitectura para dedicarse al mundo de la moda, para llegar a ser una modelo de las agencias parisínas. Posteriormente accede al nivel de Top Model en el año 1988, para convertirse en una estrella de las revistas de moda de los años 80 y desfilar para los mejores diseñadores, como es el caso de Yves Saint Laurent, gran amigo de la modelo.

En el año 1995, firma para su primer papel como actriz, para la película Catwalk, de Richard Leacock y en el año 1997 para Paparazzi de Alain Berberian. A la edad de 29 años termina su carrera como modelo, que duró diez años, posteriormente decide dedicarse por completo a la música.

Carrera como autora, compositora e intérprete

En 1999 ella conoce a Julien Clerc, en una cena y le confiesa que compone y escribe canciones. Algunas semanas mas tardes le envía una letra que se titulará “Si fuese ella”. Julien, compone la música de esta canción y se lanza el álbum, "Si fuese ella", del cual otros cinco títulos fueron escritos por Carla Bruni.

En el 2000, se vendieron mas de 250,000 copias. En el 2002 compone con la ayuda de Louis Bertignac, la letra y la música de su disco “Alguien me dijo”, más conocido por “Quelqu'un m'a dit”, Carla interpreta y canta el disco acompañada solamente de una guitarra acústica. Su disco fue muy bien acogido por la crítica y se vendieron más de dos millones de copias en todo el mundo. Carla Bruni ganó el premio Raoul-Breton en 2003, otorgado por la sociedad de autores y compositores de música Sacem.

Durante los juegos Olímpicos de Turin en 2006, Carla portó la bandera Italiana para mostrar sus colores el día de la ceremonia de apertura.

El día 15 de enero de 2007, Carla vuelve a lanzar un disco, el segundo, titulado “No promises”, en el cual acompaña su música de textos de poetas anglófonos como William Butler Yeats, Wystan Hugh Auden, Emily Dickinson, Christina Rosetti, Walter de la Mare o también Dorothy Parker. De este segundo disco solamente se vendieron 80,000 ejemplares en el año 2007.

El 11 de julio de 2008 Carla Bruni lanzó al mercado su tercer disco, titulado “Como si no pasara nada”, este es el primero siendo esposa de un jefe de estado y como primera dama de Francia. Vista la personalidad tan peculiar de la artista este último álbum ha tenido una rueda de prensa nunca antes vista, los beneficios de dicho trabajo fueron abonados a la fundación de Francia.

Su canción "Balada 35", del álbum “No Promises”, fue interpretada en el episodio final de la temporada 5 de la serie “The L word”.

En Septiembre 2009 se anuncio que Carla se pondrá a las ordenes del director de Hollywood Woody Allen en su proxima pelicula, prevista para verano de 2010.

Vida Personal

Los múltiples ligues y relaciones, verdaderas o supuestas, de Carla Bruni le han valido el calificativo de "devorahombres". Las portadas de las revistas de corazón la han mostrado en multitud de ocasiones en compañía de muchos hombres, afirmado por la propia Carla Bruni en entrevistas en este tipo de prensa. Mientras vivía con el editor literario Jean Paul Enthoven , comienza una relación con el hijo de éste, el cual se encontraba casado con Justine Lévy. En 2001 tiene un hijo, Aurélien , con Raphael Enthoven. En 2004 Carla se convertirá en la protagonista del best seller “Nada Grave” de la ex mujer de Raphael Enthoven, Justine Lévy. La autora, hija de Bernard Henri Levy (El histórico editor cuyo mejor amigo es nada menos que el padre de Raphael Enthoven), relata su trágico shock emocional y su tiempo de recuperación, después de su divorcio con Raphael Enthoven.

En noviembre de 2007, Bruni conoce al que es ahora su actual pareja, el Presidente de la República Francesa, Nicolas Sarkozy, recién divorciado, con quien se involucra rápidamente y con el que contraería matromonio el día 2 de febrero de 2008 en el palacio del Elíseo, en la más estricta intimidad. Al mismo tiempo se deja ver acompañada de Maurizio Remmert, el hombre que había anunciado poco antes ser su padre biológico, éste acompaña al presidente durante un viaje oficial a Rumania en febrero de 2008.

Esposa del Presidente de Francia

Carla Bruni acompañó a su esposo, Nicolas Sarkozy al igual que el resto de las esposas de los jefes de estado, en el G-20 (Entre ellas Michelle Obama) durante una visita a la catedral de Estrasburgo.

Como esposa del presidente, dispone de una oficina en la parte Este del palacio, llamada "La Parte Señora", a continuación de los apartamentos privados con vista al parque, así como un secretario personal.

Aunque Carla no tenga un papel bien definido en el plan constitucional, ella tiene como la mayoría de sus antecesoras, la obligación de acompañar y asistir a su marido o bien representarlo en muchos actos oficiales. Ella lo ha acompañado a varias visitas de estado, como por ejemplo la visita al Reino Unido, la cual fue muy mediática y la visita del Dalai Lama en Francia en Agosto de 2008.

Carla es una persona bastante solidaria, por lo que se suele comprometer de forma caritativa en el campo humanitario, en la lucha contra el sida. El día 1 de diciembre de 2008, se convirtió en la embajadora mundial de las madres y de los niños contra la epidemia en el fondo mundial en contra del sida y la tuberculosis.

Política

En el tiempo de su nacionalidad italiana, no podia votar en las elecciones de 2007, pero afirmaba que hubiera votado a favor de Ségonèle Royal, tomando posición contra la utilización de los test Adn para reagrupar las familias, ella declaraba “no soy una política, no tengo una mentalidad polémica, firmo raramente peticiones y no difundo a favor de quien voto".

martes, 8 de septiembre de 2009

Alpha Blondy


Seydou Koné (más conocido como Alpha Blondy, n. 1 de enero de 1953 en Dimbokoro, Costa de Marfil) es un cantante de reggae. Es muy popular en África occidental. Ha cantado con el grupo The Wailers. Estudió Inglés en el Hunter College en Nueva York, y posteriormente en el programa de Idioma Americano (American Language Program) de la Universidad de Columbia.

Canta principalmente en dioula, francés e inglés, pero también ocasionalmente en árabe o hebreo. Las letras de sus canciones expresan fuerte actitud y humor relacionados con la política. Inventó la palabra "democrature" (la cuál se traduce como "democratura", combinación de democracia y dictadura) para calificar algunos gobiernos africanos.

El seudónimo surge gracias a su abuela, la pobre señora no podía controlar al “diablillo” de su nieto y, como le costaba pronunciar la palabra inglesa “bandit” (bandido), lo más parecido fue la palabra Blondy. La otra parte de su nuevo nombre la creó él mismo, anteponiendo la primer letra del alfabeto griego al sobrenombre conocido por todos y se formó ALPHA BLONDY (que significa “el primer bandido”).

Su juventud transcurrió normalmente, escuchaba bandas como The Beatles, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y Otis Redding. Pero fue cuando escuchó por primera vez al gran Bob Marley que su mentalidad cambió y decidió volcarse al reggae y hacer canciones de protesta. El heredero de Bob Marley, como se lo conoce y denomina en el ambiente, canta en diferentes idiomas y lenguas como francés, inglés, árabe, hebreo, baoulé, malinké, wolof, ashanti y dioula (lengua hablada en la etnia africana que lleva el mismo nombre).
El 5 de julio de 2005 y después de 3 años editó su nuevo disco llamado “Akwaba, The Very Best” (Akwaba significa bienvenido en lengua akan). Este disco posee 16 grandes temas, no es sólo una recopilación, es, además, una revisión de clásicos de Alpha Blondy acompañado por grandes artistas, tal es el caso de Sweet Sweet, con el músico franco-marfileño Lester Bilal, Cocody Rock, junto con dj Neg´Maroon, cuenta con la colaboración de la exitosísima banda británica UB40 en el tema Young Guns, entre otros.

sábado, 5 de septiembre de 2009

Julian Lennon


John Charles Julian Lennon, nació el 8 de abril de 1963, en Liverpool, Inglaterra. Cantante, compositor y músico. Hijo único del matrimonio conformado por el Beatle John Lennon y Cynthia Powell y medio hermano de Sean Lennon. El nombre de Julian viene a ser un homenaje a su difunta abuela, Julia.

Brian Epstein, mánager de The Beatles y padrino de Julian, sugirió a John ocultar su matrimonio y paternidad por un tiempo para no afectar la popularidad del grupo. Fue así que Julian vivió alejado de los medios y de la publicidad de la Beatlemanía. A raíz de ello, Julian vivió su infancia con un padre ausente, por lo que se muestra frío al referirse a John, a su medio hermano Sean y en especial a Yoko Ono.

Julian inspiró ciertas composiciones musicales de The Beatles, como la conocida canción Lucy in the Sky with Diamonds, a partir de un dibujo que él había hecho; inspiró a Paul McCartney en la canción Hey Jude y John escribió Good Night, cantada por Ringo Starr.

El debut musical de Julian fue a temprana edad, a los 10 años, tocando la batería en la canción Ya-Ya del álbum Walls and Bridges de John Lennon. Su carrera artística se hizo popular con el debut de su disco Valotte y con la canción Too late for Goodbyes en 1984. Luego del gran éxito, hubo tiempos de ventas bajas y Julian recurrió al alcohol y drogas. Mantiene muy buenas relaciones con los ex integrantes de The Beatles, en especial con Paul McCartney, quien para el lanzamiento del disco debut de Julian, le envió un telegrama deseándole suerte. Incluso, Julian ha admitido que prefiere el trabajo musical de Paul McCartney al de su padre.

Su voz, aspecto y estilo musical son muy similares a los de John Lennon, por lo que se especuló alguna vez con el retorno de The Beatles con él como integrante, lo que nunca sucedió.

En su MySpace se pueden escuchar tres nuevas canciones y una versión nueva de la canción Saltwater. Julian terminó un álbum nuevo en el 2008 y lo lanzará posiblemente en el 2009.

Julian Lennon es también el productor del documental llamado "WhaleDreamers" que trata acerca de una tribu aborigen de Australia y de su relación especial con las ballenas. Este documental también trata acerca de muchos asuntos del medio ambiente. Esta película ha recibido muchos premios y fue presentada en la Fiesta Cinematográfica de Cannes 2007.

The Pointer Sisters


The Pointer Sisters, grupo de soul formado en 1971 en East Oakland por las hermanas Bonnie Pointer, June Pointer, Anita Pointer y Ruth Pointer. Desde jóvenes estuvieron influidas por el gospel y el soul de The Staple Singers, Aretha Franklin y The Andrews Sisters. En 1971 firmaron con Blue Thumb Records. Su primer single con cierto éxito fue "Yes we can can", una versión de un tema de Allen Toussaint en 1973. Dos años más tarde llegaron al número uno con el tema "How Long (Betcha' Got a Chick on the Side)". En 1978 Bonnie Pointer fue fichada por Motown consiguiendo éxitos como "Free Me From My Freedom" y "Tie Me to a Tree (Handcuff Me)". Anita Pointer y June Pointer también intentaron seguir en solitario durante los 80, pero no lo consiguieron. En 1979, ya siendo un trío y no un cuarteto, hicieron su propia versión de "Fire" de Bruce Springsteen, tomando una dirección en la discográfica Planet con la que dejaban de lado el soul para adentrarse en el urban, con temas como "He's So Shy" (1980), "Slow Hand" (1981), "Automatic" (1984) y "Jump (For My Love)" (1984). Uno de sus mayores hits se lanzó en 1982, dentro del disco "So excited", y que llevaba por nombre "I'm so excited". A medida que su sonido cambiaba durante el final de los 80, el grupo empezó a decaer. Desde principios de los 90 el grupo tan solo hacía pariciones esporádicas. En 1995 volvieron a la actualidad con el musical de Fats Waller "Ain't Misbehavin'". A lo largo de toda su carrera se hicieron con tres premios Grammy.

Andy Gibb


Andrew Roy Gibb (5 de marzo de 1958 - 10 de marzo de 1988) conocido bajo su nombre artístico de Andy Gibb, fue un cantante y un ídolo juvenil de la década de los 70. Era el hermano menor de Barry, Robin y Maurice Gibb, conocidos también como los Bee Gees

Infancia

Nacido bajo el nombre de Andrew Roy Gibb en Manchester, Inglaterra, sus padres fueron Hugh y Barbara Gibb. Su familia se mudó a Australia seis meses después de su nacimiento, estableciéndose en Redcliffe, Queensland cerca de Brisbane.

Andy empezó a tocar en clubes turísticos alrededor de la costa española de Ibiza, y luego volvió como un adolescente a su hogar en Isla de Man, Reino Unido, de donde provenía su familia antes de mudarse a Manchester. La idea de su unión a los Bee Gees era a menudo sugerida, pero la gran diferencia de edad entre él y sus hermanos (más de 11 años con Barry y aproximadamente 8 con Robin y Maurice) hizo la idea difícil de concretar.

Después de volver a Australia en 1975 para mejorar su vocación de cantante y escritor de canciones, Andrew empezó a grabar una serie de sus propias composiciones, una de las cuales fue lanzada como un sencillo por el sello discográfico ATA, propiedad del artista Col Joye. «Words and Music» llegaría eventualmente al Top 5 de la lista musical de Sydney en 1976. Éste éxito pudo ser la vía por la cual, más tarde en ese mismo año, Andrew recibiera una invitación de Robert Stigwood (quién era al mismo tiempo el mánager de los Bee Gees) para lanzar su carrera internacional firmando por su sello discográfico, RSO Records. Pronto Andy se mudó a Miami Beach, Florida, para empezar a trabajar en canciones con su hermano Barry, y coproduciéndolas con Albhy Galuten y Karl Richardson.

Antes de dejar Australia, Andy se había casado con su novia, Kim Reeder. Tuvieron una hija llamada Peta Jaye, nacida el 25 de enero de 1978, pero la pareja ya estaba separada para ese entonces y se divorciaron después de un año. Andy aseguró que sólo había visto a su hija una vez en 1981.

Llegada al estrellato

En los Estados Unidos, Andy Gibb se convirtió en el primer solista en tener tres sencillos números uno consecutivos en el Billboard Hot 100. En julio de 1977, el tuvo su mayor éxito, «I Just Want to Be Your Everything», una canción escrita por su hermano Barry, justo cuando su primer álbum internacional, Flowing Rivers llegó al Top 20, vendiendo sobre el millón de copias. El segundo sencillo del álbum «(Love Is) Thicker Than Water» rompió a principios de 1978 la explosión comercial causada por las contribuciones de sus hermanos de la BSO de Saturday Night Fever, reemplazando a «Stayin' Alive» en el tope de la lista estadounidense, aunque después sobrepasado por «Night Fever» cuando alcanzó la cima a mediados del verano norteamericano. Continuando con el momento de éxito, Andy empezó a trabajar con el equipo de producción Gibb-Galuten-Richardson en su segundo álbum «Shadow Dancing». El sencillo del mismo nombre del álbum, escrito por los cuatro hermanos Gibb, fue lanzado en los Estados Unidos en abril de 1978, y a mediados de junio llegó al primer puesto, quedándose por siete semanas y recibiendo la categoría de platino. Dos canciones Top Ten, «An Everlasting Love» y «(Our Love) Don't Throw It All Away», un cover de una versión anterior de sus hermanos, fueron extraídos del álbum y lanzados como sencillos, volviéndose otra venta del millón de copias.

A pesar de sus impresionantes dotes, las presiones y los excesos de tan rápido éxito comenzaron a consumir a Andy, lo cual lo haría sucumbir ante las drogas y la realidad de una carrera en decadencia. En 1979 actuó, junto con los Bee Gees, ABBA, y Olivia Newton-John (cantando en dúo «Rest Your Love On Me»), en el concierto a beneficencia «Music for UNICEF Concert» efectuado en la sede de las Naciones Unidas y transmitido a nivel mundial.

Andy volvó a los estudios para empezar a grabar su último álbum de estudio, llamado After Dark. En marzo de 1980 el último de los sencillos Top Ten de Andy llegó justo después del lanzamiento del álbum. «Desire», fue grabada para el álbum de los Bee Gees de 1979 Spirits Having Flown, y mostraba la canción original con la voz original Andy como «cantante invitado». Un segundo sencillo, «I Can't Help It», un dueto con su amiga de familia Olivia Newton-John, alcanzó el Top 20.

Después de un año fue lanzado el álbum recopilatorio Andy Gibb's Greatest Hits. Los éxitos más grandes de Andy Gibb fueron lanzados a modo de finalización de su contrato con RSO Records, con dos nuevas canciones: «Time Is Time» (#15 en enero de 1981) y «Me (Without You)» (el último tenma en llegar al Top 40), ambas lanzadas como sencillos. «After Dark» y «Will You Still Love Me Tomorrow» no fueron agregadas al álbum, éste último como dueto con PP Arnold, quién había previamente trabajado con Barry Gibb, incluyendo un trabajo al cantar la voz de fondo de la canción «Bury Me Down By The River» del álbum Cucumber Castle.

Decadencia y fin de la carrera

Mientras mantenía una relación con Victoria Principal, Andy trabajó en varios proyectos fuera del estudio de grabación. Éstos incluyeron aclamadas actuaciones en el musical de Andrew Lloyd Webber «Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat» en Broadway, «The Pirates of Penzance» de Gilbert & Sullivan en Los Ángeles, y una temporada como co animador del show musical de televisión Solid Gold.

Como el uso de las drogas por parte de Andy se fue intensificando, él se había vuelto poco confiable y eventualmente sus esfuerzos eran subestimados. Su romance con Principal además terminó luego de un corto período,pero no antes de grabar y lanzar un dueto con el clásico tema de The Everly Brothers «All I Have To Do Is Dream». Éste sería el último sencillo oficial de Andy, y su última entrada a la lista musical estadounidense, llegando al puesto nº 51. La familia de Andy asegura que Andy nunca se recuperó de su ruptura con Victoria Principal. Andy no tuvo otros romances relevante, a excepción de la patinadora Tai Babilonia y Donna Rice.

Su familia lo convenció de buscar tratamiento para su adicción a las drogas; luego de un tiempo en la clínica Betty Ford Clinic a mediados de los 80, Andy realizó pequeñas actuaciones interpretando sus grandes éxitos y sus covers. Además apareció como invitado estelar en varios espectáculos televisivos de comedia, destacándose «Gimme A Break!» y «Punky Brewster». Las apariciones de Andy lo mostraban (aparentemente) recuperado de su adicción. Seguido de una grandiosa y popular gira por Asia, regularmente actuaba en espectáculos en Las Vegas y Lake Tahoe. Además disfrutó de un contrato de dos semanas en el San Francisco's Fairmont Hotel en marzo de 1986. Fue ahí donde fue hecha la mejor grabación de alguna actuación de él en vivo (como un bootleg). Aunque el trabajo de Andy en su nuevo estilo de vida era bien recibido, nunca pudo volver a tener el fenomenal éxito de su época como ídolo adolescente. En 1987 con sus deudas superando con creces sus ingresos monetarios, Andy se vio forzado a declarase en bancarrota.

Decidido a revivir su carrera, Andy volvió a trabajar junto con sus hermanos Barry y Maurice. Sus serios de grabaciones demo le asegurarían un contrato con la empresa británica Island Records. Uno de los demos, «Man On Fire», fue lanzado póstumamente en una antología de 1991 del mismo nombre lanzada por Polydor. Otro demo, «Arrow Through The Heart» (aún sin ser lanzado), fue usado en un episodio del programa televisivo Behind the Music de la cadena VH1.

Muerte

En marzo de 1988, Andy celebró su cumpleaños número 30 en Londres mientras trabajaba en un nuevo álbum. Poco después ingresó al Hospital John Radcliffe en Oxford, quejándose de dolor en el pecho. Murió el 10 de marzo, cinco días después de su cumpleaños. Su muerte por miocarditis (inflamación al corazón), sucedió luego de una larga batalla contra la adicción a la cocaína, la que había debilitado su corazón hasta el punto de morir.