domingo, 31 de agosto de 2008

Robbie Williams


Robert Peter Maximilian Williams nació el 13 de febrero de 1974 en el Hospital Royal Infirmary en Newcastle Under Lyme, al noroeste de Gran Bretaña.
Tiene una hermana mayor llamada Sally. Su primera casa estaba situada muy cerca del estadio de fútbol del equipo de Port Vale FC, del cual se declara fanático seguidor.

Su padre, Pete Conway, es un conocido actor de comedia. A pesar de que su padre era muy conocido en inglaterra, nadie pensó que Robbie llegaría a ser una famosa estrella de pop. Su madre, Teresa Jeanette Williams, propietaria de varios pubs. Robbie tuvo una niñez normal, su familia tenía un pub llamado Red Lion al lado de la cancha de football del club Port Vale. Cuando Robbie tenía solo 3 años, sus padres se divorciaron y él, junto a su madre y su hermana se fueron a vivir a Stoke-on-Trent.

La primera escuela de Robbie fue la Millhill Primary School, en Stoke. Robbie siempre fue el payaso de su clase en el colegio, como el dice "Yo era aquel chico rechoncho que iba por ahí haciendo cara y bromas y me encontré rodeado de un gran círculo de amigos". Robbie no era conocido por sus habilidades académicas. Era realmente bueno para los deportes y era un chico muy popular.

Después fue al instituto St. Margaret Ward, donde estudió hasta los dieciséis años. Se portó como un buen estudiante, aprobando todas las materias con buenas notas.

A los 16 años, Rob dejó los estudios sin vistas de volver a retomarlos. Cuando dejó la escuela tenía muy claro que quería ser actor, sin embargo su primer trabajo fue de vendedor de ventanas de dobles cristales en la empresa del novio de su hermana. A los tres meses dejó el trabajo. Afirma: "No podía mentir a la gente, siempre les decía que las ventanas eran muy caras y claro, no vendía demasiado."

Su vida cambió cuando respondió a un aviso en un diario que pedía una miembro más para una banda de 5 integrantes. Su madre lo alentó para que se presentara a la audición, donde cantó una canción de Jason Donovan llamada "Nadie puede dividirnos" delante de los otros miembros de la banda. Mark Owen lo catalogó como "muy gracioso y muy seguro de si mismo". Cuatro semanas después, recibió una llamada telefónica ofreciéndole el lugar en la banda. La banda fue llamada Take That y estaba formada por: Gary Barlow, Mark Owen, Jason orange y Howard Donald.

La Banda resultó ser un exito en Europa vendiendo en Gran Bretaña más discos que los Beatles y conquistando el corazón de las adolescentes. El martes 18 de Julio de 1995, las noticias sorprendieron a las fanáticas de Take That, Robbie dejaba la banda. Rob había sido rebelde en esos días y pasaba mucho tiempo con los hermanos Gallaghers de Oasis. Pasados cinco años se marchó, después de que los periódicos hubiesen aireado muchas de sus juergas, y tras una pelea con Gary Barlow. Era éste quien parecía destinado a triunfar en solitario. En cambio, el que mejor sobreviviría a la versión europea de los New Kids on the Block iba a ser Robbie, eso sí, tras seis meses de peleas legales con su anterior grupo y una temporada en una clínica desintoxicándose de las drogas. Seis meses después, Take That decidió separarse, ya que creían que con la perdida de Robbie, habían perdido un brazo en la banda, y que Take That eran 5, no 4.

Los años desde que Robbie dejó Take That hasta que lanzó su primer album, fueron de vida nocturna en la ciudad de Londres. Esa vida de fiestas y desborde estaba acompañada de su adicción a las drogas. Aunque Robbie se sometió a una limpieza y rehabilitación, él no asegura estar totalmente limpio como tampoco asegura no volver a probar las drogas, ya que es una lucha de todos los días.

En julio de 1996, Robbie confirmó su debut como solista con una declaración realizada con mucho tacto: "Freedom 96", una versión del éxito de George Michael pero hecha por alguien a quien le gusta Primal Scream y Black Grape.
Luego estuvo muchos meses preparando su primer álbum solista, encabezado por el éxito "Old Before I Die", un tema que compuso en Miami, en un viaje que hizo junto con Eric Bazilian y Desmond Child, y lo grabó en febrero de 1997 en los estudios Westside de Londres.

Robbie sacó su primer álbum, "Life Thru a Lens" (1997), disco multiplatino igual que el siguiente, “I’ve Been Expecting You”. Ese álbum no fue sólo un cambio decisivo para la carrera de Robbie, sino también define el carisma del artista, así como su lealtad hacia la música que lo ha influenciado en su corta edad.

El album fue muy bien en ventas y obtuvo una muy buena crítica. Siguió su éxito con I've been expecting you, su segundo album, que contenía éxitos como Millennium, que se posicionó directamente en el puesto numero 1. Luego se escucharon No regrets, Strong y She's the one.

En 1998 gana tres trofeos de los prestigiosos premios Brit Awards: Mejor Artista Masculino, Mejor Single (Angels) y Mejor Videoclip (Millenium). El año siguiente intenta conquistar el difícil mercado estadounidense haciendo un recopilatorio de sus mejores temas.

Robbie emprendió tres giras nacionales con lleno total entre 1997 y 1999. En 1999, su gira de 25 actuaciones pasó por trece ciudades de Gran Bretaña e irlanda. Las 220.000 entradas se vendieron pocas horas después de salir a la venta.

En el Glastonbury Festival de 1998, Robbie actuó ante la mayor audiencia jamás convocada ante un escenario piramidal. Entre sus apariciones en otros festivales ese año se incluyeron el de T-In-The -Park (Escocia), V-98 y Slane Castle (Como telonero de The VerVe).

Robbie fue cabeza de cartel en Slane Castle el 28 de agosto de 1999. Se vendieron las 80.000 entradas del festival cinco semanas antes de su celebración gracias ante todo a la actuación de Williams. Ningín otro artista, incluidos The Verve, R.E.M, Queen, Bruce Sprigsteen y David Bowie lograron vender todas las entradas de sus conciertos con tanta antelación. Dicha actuación fue retransmitida en directo por su web a unos 50.000 espectadores simultáneamente.

El año 2000 fue un muy buen año para Robbie, ya que el lanzamiento de su tercer disco solista llamado Sing when you are winning implicó el gran boom de su primer single Rock DJ, que acompañado de un extravagante video clip revolucionó las pantallas, se los escuchaba en radio y televisión durante todo el día sin descanso y lo que es más importante aún es que su fama se expandió por todos los continentes sin excepción. Su segundo single fue Kids, en el cual Robbie es acompañado por Kylie Minogue y Somethin' Stupid cancion que interpreta con Nicole Kidman y que dio lugar a rumores sobre un supuesto romance entre ellos.

También ha tratado de convencer a los productores de que él sería un James Bond ideal. Tiene fama de ser un tipo alocado y de tener un gran ego.

Su trayectoria personal y su carácter arrogante y descarado dan a entender que a Robbie Williams le queda mucho jugo por exprimir. Además ha sabido hacer que cada uno de sus movimientos sea extensamente cubierto por los medios de comunicación, como su ruptura con Nicole Appleton, cantante del grupo de chicas All Saints, y el posterior desafío con Liam Gallagher, cantante de Oasis, y padre del hijo de su ex.

Sus letras tienen sentido y hablan de muchas más cosas que del amor (Heaven From Here), habiendo entrado en el delicado terreno de la religión (Jesus in a Camper Van), o el de la violencia (Karma Killer), que va tan a menudo asociado a la música actual, al igual que el consumo de drogas, que Williams nunca ha escondido. Aunque ahora afirma que las toma con moderación. Otra señal de que Robert Peter Williams, que se autodefine como actor y hombre del espectáculo, está intentando madurar.

"Escapology" que inaugura con el contrato más alto que haya firmado artista alguno con una compañía de discos, $140 millones USD, con Emi por producir sus próximos cuatro discos. Un disco con estilos variados y grandes temas como Feel. Estilos variados que comprende el sonido de Blur, Queen y hasta los mismísimos Beatles. Destacan canciones como: Something Beautiful, Monsoon, Sexed up, Song 3, Me and my monkey y su primer single Feel, una balada catalogada como un futuro clásico de su discografía.

Robbie ha mantenido el tándem compositivo formado junto a Guy Chambers. El disco ha sido producido por la suma de la dinámica fuerza de Guy Chambers y Steve Power, aunque con un resultado completamente distinto al de sus creaciones anteriores. Musicalmente, Escapology se ha grabado 'como un directo' en los Conway Studios de Los Ángeles. Robbie quería que su sonido fuese puro, atrevido y sincero, sin sobreproducción.

La banda que ha participado en Escapology está integrada por Guy Chambers, Neil Taylor y Gary Nuttall a la guitarra, Phil Spalding al bajo y Jeremy Stacey a la batería. En palabras de Rob: "¡Nos juntamos un buen grupo de tíos y le dimos al rock como es debido! Y disfrutamos mucho. Tuvimos buenas vibraciones."

El disco es un paseo vertiginoso a lo largo de catorce temas en los que tienen cabida el pop, el rock 'n' roll, el country y el soul en el que Robbie considera su mejor trabajo hasta la fecha.

Para la promoción de "Escapology" ha salido desnudo en internet porque dice que quiere compartir los atributos con los que dios lo trajo al mundo.

El disco da lugar a una de sus grandes giras, durante la que toca 3 días consecutivos llenado en Knebworth, y dando lugar a un disco en directo con algunas de sus mejores canciones "Robbie Williams Live Summer 2003".

A lo largo de tres días de agosto, Robbie actuó ante 375.000 fans en Knebworth Park, desbancando el anterior récord, ostentado por Oasis. Para revivir la experiencia sale este disco, el primer álbum en directo de Robbie. Desde su entrada a modo de Houdini, suspendido sobre el escenario para recrear la portada de Escapology, hasta la interpretación masiva final de Angels que despidió a una multitud.

Tras un increíble record de ocho años seguidos encabezando las listas musicales, este showman británico lanza su primera colección de Grandes Exitos. El álbum ofrece, además del primer material nuevo de Robbie en dos años, una selección de los sencillos que han marcado una de las más destacadas carreras de la historia musical británica.

Greatest Hits presenta temas de cuatro de los álbumes de más éxito de Robbie: Life Thru a Lens, I've Been Expecting You, Sing When You're Winning y Escapology. Desde la descarga de adrenalina de Let Me Entertain You y el éxito de la balada Angels hasta Kids, su contribución al himno Kylie y el éxito de Feel, Greatest Hits es una gran recopilación de la carrera de Robbie hasta la fecha.

El disco también incluye dos nuevas composiciones: Radio, que se lanzará el 4 de octubre de 2004, y un segundo sencillo, Misunderstood, que aparece en la nueva película de Bridget Jones, The Edge of Reason.
Con respecto a la vida a morosa de Robbie, se podría decir que al chico le gustan las mujeres de la farándula ya que su lista está compuesta por la modelo Anna Friel, Melanie C de las Spice Girls, Nicole Appleton de las All Saints y con Geri Haliwell ex integrante de las Spice Girls.

Britney Spears


Britney Jean Spears (nacida el 2 de diciembre de 1981), es una cantante, escritora, cantautora, actriz y bailarina estadounidense. Nació en un hospital de McComb, Misisipi. Formó parte del fenómeno de Las Princesas del Pop a finales de la década de los 90's, y ha sido una de las más exitosas representantes de la música pop.

Se hizo famosa a finales de los 90's y principios del tercer milenio en el mundo musical. Con una trayectoria de 7 años, se ha convertido en una de las cantantes que mejor discos vende alrededor del mundo, teniendo seis álbumes en su historial, que en su tiempo y hasta nuestros días siguen siendo certificados con varios discos de Platino, y dos de Diamante.

Hasta la fecha ha logrado vender más de 31 millones de discos en los Estados Unidos, y cerca de 75 millones alrededor del mundo, posicionándose en el lugar #55 de mayor venta de discos en la historia. Actualmente más popular por su imagen y vida personal que por sus logros profesionales, se le considera un símbolo sexual y a su vez una de las más importantes celebridades estadounidenses.

Infancia

Nació en McComb, Misisipi, pero se crió en la localidad de Kentwood, Louisiana. Desde pequeña, ya se orientaba hacia una carrera musical, tomando clases de música y cantando en las obras de teatro de su escuela.

Su padre Jamie era dueño de un gimnasio, su madre era maestra, su hermano jugador de fútbol americano y su hermana Jamie Lynn, a la que siempre le ha tenido mucho cariño, acababa de llegar a su familia.

La familia Spears tuvo muchos problemas económicos ya que sus padres apenas podían pagar las clases de baile, de gimnasia y la escuela particular a la que Britney asistía.

Primero empezó con clases de baile, después de gimnasia, las cuales dejó en poco tiempo. Mucha gente se empezó a dar cuenta que Britney tenía una gran voz y le dijeron a su madre que lo que Britney necesitaba era cantar.

Inicios de su carrera

Spears participó en el programa estadounidense Star Search en el cual ganó en la primer etapa, sin embargo perdió en la segunda. De igual manera, y usando esta experiencia, Spears, a los ocho años, fue llevada por su madre a una prueba para el programa de The New Mickey Mouse Club, para la cadena Disney. Ella fue rechazada por los productores del show, pues era demasiado joven, pero un agente del The New Mickey Mouse Club se dio cuenta de su talento y le puso en contacto con un agente en Nueva York. Por tres años, estudió en el Professional Performing Arts School, participó en distintas audiciones para obras de teatro y realizó diversos comerciales.

Audicionó para una obra de teatro en Broadway, compitiendo con Natalie Portman. Britney finalmente obtuvo el papel de la obra llamaba Ruthless, en donde interpretaba a una niña poseída. En diciembre, Britney se sentía muy sola, por lo que decidió dejar la obra para pasar la Navidad con su familia.

Dos años después, a los once años de edad, Spears regresó para audicionar en el The New Mickey Mouse Club, donde fue aceptada, siendo la más joven del programa, compartiendo el escenario con Christina Aguilera, Justin Timberlake (del futuro grupo *Nsync y novio futuro de Spears), J.C. Chasez (*Nsync) y Keri Russell, de la serie Felicity.Cuando el show fue cancelado, Britney regresó a Louisiana.

Trayectoria profesional

A Britney se le ofreció participar en el grupo femenino Innosense, sin embargo ella rechazó dicha oferta ya que ella quería ser solista. Poco tiempo después, su madre contactó a Larry Rudolph (su actual mánager) y éste le pagó un viaje a Nueva York, donde firmaría contrato con el sello Jive Records.

1998-2000: éxito

Britney lanzó su primer sencillo y vídeo a finales del 1998 titulado ...Baby One More Time convirtiéndose en #1 en más de 40 países alrededor del mundo manteniéndose así por varias semanas, vendió 8.6 millones de copias del single una cifra demasiado alta, y le otorgó un disco de platino por las 1.4 millones de copias vendidas del single en los EE.UU.. El 12 de enero de 1999, salió a la venta su primer disco, "...Baby One More Time", debutó en el primer lugar del Billboard en Estados Unidos (durante 6 semanas) y Canadá. Pronto, también alcanzó los primeros puestos en el Reino Unido, Australia y el resto del mundo.

Tras el éxito de su primer sencillo (especialmente de su vídeo, en el que representaba a una escolar bailando en su colegio), fue lanzado su segundo single, "Sometimes" una balada que entró en el top 30 del ranking Billboard. El tercer sencillo: "(You Drive Me) Crazy" una canción bailable se posicionó en el #10, fue el primer remix que Britney utilizó para promocionar un álbum, formó parte de la banda sonora de la película Drive Me Crazy protagonizada por la actriz Melissa Joan Hart (de la serie Sabrina) con quien se contó para la filmación del vídeo, el título del filme fue una sugerencia de Spears para que fuera acorde con la canción.

Finalmente, para los Estados Unidos se lanzó a principios del 2000 el cuarto y último single titulado "From The Bottom Of My Broken Heart" llegando a la posición número 14 en el Billboard, y la hizo poseedora de un disco de platino por el millón de copias vendidas del single. Internacionalmente se lanzó el quinto y último sencillo "Born To Make You Happy" alcanzando rápidamente los primeros lugares de los rankings musicales convirtiéndose en #1 en su debut en el Reino Unido.

Su disco debut convirtió a la artista, en la más joven (con 17 años) en tener un single dentro de los Top 100 del Billboard, y la más joven en tener tanto su primer single como su primer álbum dentro del ranking Billboard. Con ventas superiores a las 10.5 millones de copias en Estados Unidos (y certificado 14x Platino) se le ha otorgado su primer disco de Diamante, y sobre los 25 millones en el mundo entero, Spears se convirtió en la adolescente que ha vendido más discos en la historia. En el año 2000, Spears fue nominada a "Mejor Intérprete Pop Femenina" y "Artista Revelación" en los premios Grammy, pero no ganó ninguno de los dos, desde ahí surgiría una rivalidad con la cantante pop Christina Aguilera quien le ganó en "Mejor Artista Nuevo".

Su segunda placa, llamada "Oops!... I Did It Again", fue lanzado en el 2000. Su título (Oops, lo hice otra vez) fue premonitorio. Luego de lanzar su disco, el 16 de mayo de 2000 volvió a romper los récords, convirtiéndose en el álbum más vendido hasta la fecha por una cantante femenina en una semana (1,3 millones de copias). El single homónimo alcanzó inmediatamente los primeros lugares de las listas de música, al igual que los siguientes: "Lucky" entró en el top 30, "Stronger" en la posición 11 del Billboard, el cual recibió disco de oro al haber vendido más de 500,000 unidades del sencillo dentro de los EE.UU. y "Don't Let Me Be The Last to Know" que gozó de un éxito menor. Su disco vendió en total, más de 20 millones de copias en el mundo, y fue 10 veces platino en los Estados Unidos obteniendo así su segundo disco de Diamante certificado por la RIAA, el cual fue entregado durante el lanzamiento del single "Do Somethin'".

Tras este éxito, Britney firmó un contrato con Pepsi por 10.5 millones de dólares. En el año 2001, fue nuevamente nominada a los Grammy ("Mejor Álbum Pop Femenino" y "Mejor Intérprete Pop Femenina") pero tampoco ganó en ninguna de las dos categorías.

2001-2004: desarrollo artístico

El 6 de noviembre de 2001 lanzó su tercer disco, vendiendo 745.744 unidades en la primera semana en los Estados Unidos, alcanzando el número 1 de ventas en su debut. El álbum se titula "Britney". Este disco marcó un punto de quiebre en la carrera de Spears. Su álbum homónimo, presentaba nuevos ritmos y contenidos más adultos. Britney vendió un total de más de cuatro millones de copias en los Estados Unidos ese año, algo bastante exitoso, pero bajo en comparación a sus discos anteriores. A nivel mundial vendió más de 12 millones de copias.

Su primer sencillo, "I'm a Slave 4 U" alcanzó el puesto 27 dentro del Billboard siendo el único hit en los Estados Unidos sin embargo a nivel internacional tuvo un desempeño aceptable, mientras tanto a finales del 2001 se lanzaba "I'm Not a Girl, Not Yet a Woman" balada que le otorgó a Britney un Golden Disc Award en Japón en la categoría de Mejor Video Internacional.

"Boys (The Co-Ed Remix) feat. Pharrel Williams" no entró en el Billboard Hot 100, pero formó parte de la banda sonora de la película: Austin Powers in Goldmember. "Overprotected" se convirtió en un hit internacional, y en el 2003 le otorgó una nominación al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina.

En el 2002, debutó en el cine con la película "Crossroads (Amigas para Siempre)". Si bien en el debut alcanzó el segundo puesto de la taquilla, pronto ésta cayó y la película obtuvo resultados decepcionantes. Obtuvo, en el 2002, debido a esta película, dos Premios Razzie por Peor Actriz Principal y Peor Canción de Banda Sonora (por "I'm Not a Girl, Not Yet a Woman").

Tras un período fuera del mundo musical, Britney volvería a fines del 2003 con su cuarto álbum, titulado "In the Zone". Este disco se alejaría nuevamente del pop clásico de sus primeros discos y se acercaría más al R&B y la música electrónica, gracias a la cooperación de músicos como Moby y R. Kelly. Un día anterior al lanzamiento de In The Zone, a Britney de 22 años, le otorgaron su estrella en el Holywood's Walk Of Fame, conviertiéndose en la cantante más joven en recibir este reconocimiento.

El disco, lanzado el 18 de noviembre de 2003, obtuvo el primer lugar de ventas aquella semana, vendiendo 609.000 copias, siendo la única cantante femenina en lanzar cuatro discos consecutivos debutados en el primer lugar, dejando de nuevo el nombre de la joven cantante como una de las principales exponentes femeninas del pop.

Su primer sencillo llamado "Me Against The Music", en compañía de Madonna, fue lanzado el 23 de noviembre, alcanzando los primeros puestos en el mundo. Su siguiente single, "Toxic" alcanzó el 9º lugar del Billboard Hot 100, se convirtió en una de las canciones más descargadas en los Estados Unidos en el 2004, y le otorgó a Britney su primer Grammy, por Mejor Canción Bailable, la canción fue un éxito mundial, siendo #1 en el Reino Unido, Canadá, Australia y en gran parte del mundo. Después vendría la balada "Everytime" que alcanzaría el puesto 15º en los EE.UU., siendo un hit internacionalmente, también la hizo poseedora del premio a Mejor Artista Femenina en los MTV Europe Music Awards en el 2004. Finalmente, "Outrageous" fue lanzado solamente en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número 78. Al fin del año, se vendieron un total de 2.9 millones de copias en los Estados Unidos, y de mas de 7.5 millones alrededor de todo el mundo. Con un álbum exitoso, colocó sus tres singles en los primeros puestos a nivel mundial, lo que marcaba el regreso de Britney.

El 3 de enero de 2004, Spears se casó con Jason Allen Alexander, un amigo viejo de sus niñez, en Las Vegas, Nevada. La boda sucedió en la Little White Wedding Chapel a las cinco y media de la mañana. Cincuenta cinco horas más tarde, la pareja anuló su matrimonio.

En marzo de 2004, Spears empezó su gira de Onyx Hotel Tour alrededor del mundo, promocionando su álbum "In the Zone" (que ya ha logrado vender casi 8 millones de copias en todo el mundo). Esta gira le trajo mucha crítica, en parte que sus bailarines estaban simulando sexo gay, orgías, y masturbación en las cansiones "Touch Of My Hand" y "Breathe On Me" , que fueron vistas por menores de edad en la audiencia. La gira tuvo que ser cancelada ya que tuvo un severo problema al lastimar su rodilla mientras grababa su video y último sencillo de "In The Zone", "Outrageous". La cancelación de su gira le dejó a Spears pérdidas de un millón de dólares semanales.

2004-2005: carrera / familia

En el 2004, Britney lanzó su primera fragancia que lleva por nombre Curious (una escencia con aroma floral y un toque de vainilla), asociándose con la compañía Elizabeth Arden para su lanzamiento en el mercado, recaudó más de $100 millones de dólares, se convirtió en la mejor vendida de ese año. Internacionalmente fue todo un éxito siendo la número uno en muchos países según reportaron las tiendas departamentales, recientemente en el 2005 Curious fue honrada con el título de Mejor Fragancia Femenina. Tras el éxito de su primer escencia, en el 2005 se lanzó Fantasy (una escencia de flores y otros ingredientes), la fragancia entró en el top de los perfumes mejor vendidos en la temporada vacacional '05. La campaña publicitaria se lanzó por televisión donde el comercial incluye el tema Breathe on Me del disco "In the Zone".

Campaña publicitaria de Curious en Toronto, Canadá en el 2004En noviembre 2004, salió su primer disco recopilatorio; "Greatest Hits: My Prerogative" que incluye todos sus éxitos desde "...Baby One More Time" hasta "Everytime", un cover de los 80's de Bobby Brown titulado "My Prerogative", y dos canciones inéditas: "Do Somethin'' y "I've Just Begun (Having My Fun)", incluyendo otro CD de remixes y material inédito, también se lanzó un DVD con sus videoclips, las mejores actuaciones y más. Con este último álbum, se acabó su contrato discográfico con Jive Records y empezó con Sony BMG Music Entertainment. El álbum debutó en el lugar #4 en EE.UU. vendiendo 255,000 copias en su primera semana. Cabe mencionar que de este álbum se lanzaron varias versiones, una en los EE.UU. y Canadá, otra en Filipinas, en el Reino Unido, Japón y Australia. Su DVD Greatest Hits: My Prerogative terminó el año 2004 siendo el más vendido, superando en ventas a grandes clásicos cinematográficos como Titanic.

Se casó con el bailarín Kevin Federline el 18 de septiembre en Los Ángeles, California. La legitimidad de la boda, fue criticada. Un representante del Condado de Los Ángeles confirmó que la pareja había registrado su licencia matrimonial dentro de diez días de la fecha de la ceremonia y eran legalmente casados.

Por su sitio del Internet, Spears anunció en abril del 2005 que estaba embarazada y esperando un hijo de su esposo, Kevin.

Posteriormente, en mayo de 2005 salió al aire por el canal UPN su "reality show", en el cual sus fans pueden ser testigos de como conoció a Kevin Federline, le propuso matrimonio y finalmente se casaron. Dicho reality lleva el título "Britney and Kevin: Chaotic —", utilizando el eslogan "Can you handle our truth". El programa cuenta con 6 episodios, el primero y el último de 1 hora y los demás de media hora cada uno. En el último capítulo, del 14 de junio de 2005, se presenta el nuevo video y sencillo de la popular cantante, "Someday (I Will Understand)", canción inédita compuesta por Britney Spears y producida por Guy Sigsworth, el video fue dirigido por Michael Haussman, mismo que ha dirigido muchos videos importantes, siendo el más reciente el de la colombiana Shakira (La Tortura).

El día 22 de noviembre de 2005, se lanzaba en EE.UU. su primer disco de remixes llamado "B In The Mix: The Remixes", con 10 canciones remixeadas entre las que se encuentran sus éxitos "...Baby One More Time, Everytime, I'm a Slave 4 U, Toxic", entre otros; y una canción inédita "And Then We Kiss" que es el primer single y quizá el único de este nuevo disco; sólo fue promocionado en Asia. En los Estados Unidos el disco debutó en el lugar #134 con 15,000 copias vendidas en la primera semana, una cifra muy baja para lo habitual en las cifras de ventas de Britney Spears. Para algunos esto se debió a la poca promoción por la que optó su nueva disquera Sony BMG. El disco ha vendido más de medio millón de copias alrededor del mundo.

Ese mismo día aparecía en la portada de la revista "People" junto con su esposo Kevin Federline y su primer hijo Sean Preston.

2006: El regreso / Su Carrera

Britney participó en el festival Mardi Gras en Nueva Orleans el día 28 de febrero de 2006. El pasado 30 de marzo, salió al aire un capítulo de la serie cómica Will & Grace donde se contó con la actuación especial de Britney Spears interpretando a una chica sureña de Alabama, la cual asistió al talk show titulado Jack Talk, conducido por Jack McFarkan; las críticas fueron positivas.

En el mes de abril, lanzó su tercera fragancia llamada In Control, la cual ella define como la gemela de Curious. Spears comentó a la revista "People" que no puede esperar más para regresar a los escenarios musicales, porque durante el año sabático que se tomó (2005) se sentía realmente aburrida y con una calma inmensa. Reveló también que no ha dejado el canto desde su embarazo, ha sido constante en seguir vocalizando todo este tiempo. En algunas páginas de internet se puede escuchar una nueva cánción de Britney titulada "Just Yesterday" con una duración de poco menos de un minuto (se le podría considerar un promo) lanzada el 7 de abril de 2006.

En mayo de 2006, en una entrevista en el show de David Letterman, Britney Spears anunció que está embarazada otra vez, se espera su segundo hijo nazca alrededor del mes de octubre.

El regreso a los escenarios de la princesa del pop será a finales del 2006, principios del 2007, su proximo disco será producido por Jonathan "J.R." Rotem (Creador de grandes hits como "Check On It" de Beyonce y "Run It" de Chris Brown), que al parecer tiene 2 nuevos single "Little Me" y "Everything".

Coldplay


Banda inglesa, que abarca géneros como el britpop, piano rock, rock alternativo e indie. Formada en el año 1997 en Londres, está conformada por el vocalista, tecladista y guitarrista Chris Martin, el guitarrista Jon Buckland, el bajista Guy Berryman y el baterista Will Champion. Coldplay consiguió reconocimiento internacional con el lanzamiento de su single Yellow en el año 2000, seguido por el éxito de su álbum debut, Parachutes.

Por sus primeros trabajos, Coldplay fue a menudo comparado con Jeff Buckley y Radiohead, así como también con U2 y Travis. Desde el lanzamiento del álbum debut de la banda, Parachutes, Coldplay ha tomado diversas influencias, incluyendo a Echo and the Bunnymen y George Harrison en A Rush of Blood to the Head (2002) y a Johnny Cash y Kraftwerk en X&Y, el último CD de la banda.

Coldplay ha apoyado activamente a varias organizaciones, como a Oxfam, en su campaña Make Trade Fair, y a Amnistía

Internacional. También se ha hecho presente en varias obras de caridad como Band Aid, Live 8 y el Teenage Cancer Trust.

Formación y primeros años (1997-1999)
Los miembros de la banda se conocieron en la Universidad de Londres en septiembre de 1997. Chris Martin y Jon Buckland fueron los primeros integrantes de la banda. Ellos estuvieron planeando hacer una banda en todo lo que quedaba del año. Chris pensó al principio en hacer una banda como 'N Sync llamada Pectoralz. Entonces, Guy Berryman cumplió los requisitos y se unió a la banda ese año. Para 1997, Coldplay tocaba en pequeños clubes en Camden. Deseando tener más libertad creativa, Chris decidió hablarle a su amigo Phil Harvey para que trabajara como manager de la banda. Éste ayudó a la banda a obtener fondos para grabar su primer álbum. Harvey trabajó con la banda hasta la realización del álbum debut Parachutes.

Para el 8 de enero de 1998, Coldplay completó su formación, al unirse Will Champion. Él sabía tocar el piano, la guitarra y el bajo, y aunque no sabía tocar la batería, aprendió rápidamente. Para ese entonces, tocaban bajo el nombre de "Starfish". Tomaron el nombre Coldplay de un amigo mutuo, Tim Rice-Oxley. Tim decidió no utilizar más aquel nombre ya que éste era muy deprimente. Al mismo tiempo se le ofreció a Tim ser el pianista de Coldplay, pero él lo rechazó porque estaba comprometido con Keane.

El 18 de mayo de 1998 la banda grabó 500 copias del EP Safety, los cuales mayoritariamente fueron regaladas a compañías discográficas, familiares y amigos, y sólo 50 copias salieron a la venta. En diciembre, Coldplay firma con la discográfica Fierce Panda. El resultado fue el lanzamiento del EP Brothers and Sisters, que fue rápidamente grabado en cuatro días de febrero de 1999. El lanzamiento oficial fue en abril, con sólo 2.500 copias. El interés en la banda fue creciendo lentamente a través del Reino Unido, ayudado por su rotación en la BBC Radio 1 por el DJ Steve Lamacq.

En la primavera de 1999, Coldplay firma un contrato por cinco discos con la discográfica Parlophone. Después de hacer su primera aparición en el Festival de Glastonbury, la banda fue a los estudios para grabar su tercer EP titulado The Blue Room. Este disco fue lanzado en octubre con 5.000 copias puestas a disposición para el público.

Las grabaciones del EP The Blue Room fueron complicadas. Martin echó a Champion de la banda, pero luego se reconciliarían, debido a que esto ocasionó que Martin (un autoproclamado no bebedor ni fumador) empezara a beber alcohol. Luego de esto la banda empezó a trabajar en sus diferencias y poner una serie de reglas que mantendrían al grupo unido. Primero, la banda declaró que serían uno para todos y todos para uno; Coldplay sería una democracia, y las ganancias serían repartidas de igual manera entre sus integrantes, tomando el ejemplo de bandas como a-ha, U2 y R.E.M.. Segundo, la banda despediría a todo aquel que consumiera drogas duras.

Parachutes (1999-2000)
En noviembre del año 1999, Coldplay focalizó sus esfuerzos en su álbum debut. La banda pasó el Año Nuevo completando las canciones "Yellow" y "Everything's Not Lost". Ellos también tocaron en el Carling Premier Tour de la NME. Después de lanzar tres EPs sin ninguna canción exitosa, Coldplay marcó su primer sencillo Top 40, "Shiver". Lanzado en marzo de 2000, el sencillo ocupó un modesto #35 y marcó la primera aparición para la banda en MTV. Junio del año 2000 fue un momento crucial en la historia de Coldplay. La banda se embarcó en su primera gira importante, que incluiría un triunfante regreso a Glastonbury. Más notablemente, la banda lanzó el exitoso sencillo "Yellow". La canción se ubicó #4 en el UK Singles Chart y puso a la banda en el consciente de la gente.

Coldplay lanzó su primer álbum de larga duración llamado Parachutes, lanzado en Julio del 2000, que debutó #1 en el Reino Unido. Junto con muy buenas críticas, Parachutes fue a veces criticado por parecerse con los discos The Bends y OK Computer, ambos de Radiohead. "Yellow" y "Trouble" ganaron popularidad en la radio en los dos lados del Atlántico. Parlophone originalmente predijo ventas de 40.000 unidades de Parachutes; pero para Navidad, solamente en el Reino Unido habían vendido ya 1.6 millones de copias. Parachutes fue nominado para el Mercury Music Prize en septiembre de 2000.

Habiendo tenido éxito en Europa, Coldplay se embarcó a Norteamérica. Parachutes fue lanzado en Noviembre de 2000. La banda empezó una gira por clubes de Estados Unidos, comenzando con un show en Vancúver, Canadá, gira que fue compartido con apariciones en diversos programas de televisión como Saturday Night Live y Late Night with Conan O'Brien. El álbum tuvo un modesto éxito, y fue certificado con disco de doble platino en los Estados Unidos. También recibió buenas críticas por parte de los críticos estadounidenses, ganando el Grammy al Mejor Álbum Alternativo en el 2002.

A Rush of Blood to the Head (2001-2004)
Coldplay regresó a los estudios de grabación en Octubre de 2001 para trabajar en un segundo álbum. Con mucha anticipación, lanzaron su segundo álbum en agosto del 2002: A Rush of Blood to the Head.

La canción inaugural del álbum, "Politik", fue escrita días después de los Atentados del 11 de septiembre de 2001. El álbum generó sencillos populares, como "In My Place", "The Scientist" y "Clocks".

Coldplay salió de gira durante junio de 2002 a septiembre de 2003, visitando los cinco continentes, incluyendo apariciones en los festivales de Glastonbury, V2003 y Rock Werchter. Muchos de sus actos tenían un sofisticado sistema de luces y pantallas individualizadas como en el Elevation Tour de U2. Aprovechando la gira, grabaron un CD y DVD en vivo, Live 2003, en Sydney, Australia. Una nueva canción llamada "Moses", se puede encontrar en esa compilación.

En noviembre de 2003, ellos fueron nombrados por los lectores de la revista Rolling Stone como mejor artista y banda del año. Al mismo tiempo Coldplay hacía un cover de la canción de The Pretenders "2000 Miles", que se podía bajar desde su sitio oficial. Fue la canción más bajada de internet del año en el Reino Unido, y las ganancias por ello fueron destinadas a algunas campañas de caridad. A Rush Of Blood To The Head ganó dos premios Grammy en el 2003, y en los premios Grammy del 2004, Coldplay ganó con su canción "Clocks", el premio de Grabación del Año. El álbum fue también nombrado en la lista de los mejores 500 álbumes de la historia, hecha por la revista Rolling Stones, ocupando la posición número 473.

X&Y (2004-2006)
Durante el 2004, Coldplay se tomó un descanso para trabajar en su tercer álbum. En mayo, Coldplay les hizo una broma a sus fans con una nueva canción y un video en su página oficial para celebrar el nacimiento de Apple, la hija de Chris Martin con su esposa, la actriz estadounidense Gwyneth Paltrow. El famoso productor George Martin presentó este promo como Coldplay y su productor Ken Nelson actuando como The Nappies, un satírico conjunto de rap/glam rock. Chris Martin dijo que la música había sido inspirada por Jay-Z. El tercer álbum de Coldplay, X&Y, fue lanzado el 6 de junio de 2005 en el Reino Unido. El álbum se convirtió en el más vendido del año 2005, alcanzando ventas por sobre los 8.3 millones de copias en el mundo entero. El primer sencillo del álbum, "Speed of Sound", hizo su aparición comercial en la red y en la radio el 18 de abril y fue lanzado en CD el 23 de mayo de 2005. El álbum debutó como número uno en 28 países a lo largo del mundo y fue la segunda venta más rápida de álbumes en la historia del Reino Unido, por debajo del Be Here Now de Oasis. Dos singles más fueron lanzados ese año: "Fix You" en septiembre y "Talk" en diciembre. En mayo de 2006 la banda lanzó "The Hardest Part" en varios países fuera del Reino Unido. A pesar del éxito comercial, la reacción de los críticos de música hacia X&Y no fueron tan buenas ni tan unánimes como los dichos hacia A Rush of Blood to the Head.

En febrero de 2006, Coldplay ganó los Brit Awards al mejor álbum y al mejor single. En su discurso de agradecimiento, el vocalista Chris Martin levantó algunos rumores sobre la separación de la banda cuando dijo: "Este (premio) significa mucho para nosotros, especialmente ahora. Irán a ser muchos años antes de que nos vean de nuevo". Luego, estas declaraciones fueron desmentidas por la discográfica del grupo.

Viva la Vida or Death and All His Friends (2007-actualidad)
Coldplay comenzó a trabajar en su nuevo álbum en diciembre de 2006. Brian Eno y Markus Dravs son los productores.

La banda tomó un descanso de la producción y realizó un tour en febrero y marzo de 2007 por Sudamérica por primera vez, el Latin American Tour 2007 los llevó a Chile, Argentina, Brasil y México. Además la banda confirmó que el álbum tendría influencias hispánicas, después de haber grabado en iglesias y otras áreas de Latinoamérica y España durante y después del tour.

Después de todo un año de trabajo, el 6 de diciembre de 2007, la banda hizo una actualización en su sito web oficial diciendo que el álbum estaba casi terminado y que la mezcla del mismo se estaba llevando a cabo en Nueva York.

En un artículo de la revista online Rolling Stone, Chris anuncio que el nombre del nuevo disco sería Viva la Vida (nombre tomado de un cuadro de la gran pintora mexicana Frida Kahlo) y estaría disponible el 17 de junio de 2008. Al siguiente día Coldplay anunció en su sitio oficial que el título es Viva la Vida or Death and All His Friends.

Chris Martin ha descrito el álbum como una nueva dirección para la banda; algo diferente de los anteriores 3 discos, a los que se refirió como una 'trilogía'. Algunas canciones en Viva la Vida, como "Violet Hill" contienen riffs de guitaras distorsionadas y tonos de blues. Martin ha revelado que este album no contendrá tanto falsete como los anteriores discos. El tema ha sido el primer single del disco y el video se filmó en Sicilia, Italia.

Activismo social y político
A pesar de la gran popularidad de Coldplay en todo el mundo, la banda se ha mantenido al margen de utilizar sus canciones en anuncios publicitarios. En el pasado, Coldplay rechazó multimillonarios contratos de Gatorade, Coca-Cola light y GAP, quienes querían utilizar las canciones Yellow, Trouble y Don't Panic respectivamente. De acuerdo a Chris Martin, "no seríamos capaces de vivir con nosotros mismos si vendiéramos los significados de las canciones de ese modo".

Coldplay apoya a Amnistía Internacional; el vocalista Chris Martin es una de las celebridades que apoya al "comercio justo", siendo partícipe de la campaña Make Trade Fair de Oxfam hasta su disolución, después del concierto Live 8 (en el cual Coldplay participó) y la reunión del G-8 en Gleneagles, Escocia. Martin ha ido en viajes con Oxfam, para ver las condiciones de personas en hambruna, ha aparecido en sus campañas publicitarias, y es conocido por usar en su puño el logo de "Make Trade Fair" durante apariciones públicas, incluyendo los conciertos de la banda que lidera.

Además, Martin se opuso a la invasión a Irak y apoyó en las elecciones presidenciales estadounidenses de 2004 al candidato demócrata John Kerry.

Eminem


Eminem es el nombre artístico de Marshall Bruce Mathers, nacido en Kansas City el 17 de octubre de 1972. El nombre de Eminem proviene de la unión de ambas iniciales, M&M, pronunciada en inglés. Su infancia no fue fácil. Creció en ausencia del padre, quien abandonó el hogar cuando él tenía seis meses, y al cual rehusó conocer una vez alcanzada la celebridad. Vivió en varios estados con su madre, Deborah Mathers-Briggs, hasta que se instalaron en los suburbios de Detroit (Michigan), cuando él contaba doce años.

Una vida de película

El joven Marshall creció muy apegado a su abuela, Betty Kresin (hoy, habitual comentarista del comportamiento de su nieto en la prensa del corazón estadounidense). La relación con su madre ha sido una constante fuente de conflicto: él la acusa de mentirosa y drogadicta, y achaca sus constantes mudanzas a su incapacidad para encontrar un trabajo estable. Por su parte, Briggs declaró a la BBC que «mimó» a su hijo, quien no se fue de casa hasta los veinticinco años.

Eminem, que tiene un hermano quince años menor, Nathan, tuvo su amigo íntimo de la infancia en su tío Ronnie, de su misma edad (su abuela lo tuvo el mismo año en que su madre lo tuvo a él). A principios de los años noventa, Ronnie, de tendencias depresivas, se suicidó. Este episodio provocó la ruptura definitiva de relaciones de Marshall con su madre, cuando ésta lo responsabilizó del suicidio.

A los catorce años de edad, Marshall empezó a salir con Kimberley Anne Scott (que entonces contaba sólo doce), otro personaje central en el mundo de Eminem. La relación de ambos siempre ha sido tormentosa, plagada de peleas y reconciliaciones igualmente aparatosas: se casaron en junio de 1999; Eminem pidió el divorcio en agosto de 2000; se reconciliaron a fines del mismo año, y Kim solicitó el divorcio en marzo de 2001. En 1996 tuvieron a la niña Hailie Jade Mathers, el principal objeto de adoración de Eminem, por cuya custodia ha emprendido agrias batallas legales con Kim.

Todos estos detalles familiares que, en cualquier otro artista, servirían para amenizar su biografía o para hacer un análisis psicológico de su obra, tienen un significado particular en el caso de Eminem: estos detalles «son» su obra. En cada disco, en cada letra, desmenuza sus propias vivencias, desde su infancia hasta el momento en que pisa el estudio de grabación. Muchas de sus canciones tratan, por ejemplo, de la experiencia de ser padre, aunque en otras fantasea con matar a su madre o a Kim (en 97 Bonnie and Clyde mezcla la voz de su hija Hailie con versos en los que habla de asesinar a la madre de ésta). Sin embargo, ha insistido en que muchas de sus letras son humorísticas y no deben entenderse literalmente.

Marshall empezó a rapear durante sus años escolares, animado por su inseparable Ronnie. A los catorce años abandonó la escuela e hizo sus pinitos con bandas locales como Basement Productions, The New Jacks o D12. Estrenó su nombre de guerra, Eminem, en el disco Infinite, publicado en 1996 por un sello independiente. Su debut recibió pobres críticas, tachado de mero intento de emular a los nombres de moda en la escena hip hop del momento en Detroit, como Nas o AZ. Sin embargo, no se dejó amedrentar y ganó el primer premio del festival anual de hip hop Wake Up Show, y finalizó segundo en las Olimpiadas del Rap de Los Ángeles, toda una hazaña para un blanco.

Éxito de ventas

En su siguiente disco, The slim shady EP (1997), desarrolló su personal estilo, y en sus letras lanzó furiosos ataques contra la industria discográfica y los detractores de Infinite. El tema Just don't give a fuck se convirtió en un éxito en las radios alternativas, y Eminem participó como invitado en el éxito Five Star Generals, de MC Shabaam Sahdeq, y en discos de Kid Rock y Missy Elliott.

En The slim shady LP (1999), su primer disco publicado en una gran compañía (Aftermath/Interscope), colaboró por vez primera con el productor estrella Dr. Dre. Fue también su primer gran éxito de ventas, acompañado por el escándalo de la denuncia que le interpuso su madre, que lo acusó de provocarle trastornos emocionales y daño a su reputación por los comentarios ofensivos que le dedicó ante la prensa. Deborah llegó a publicar un CD-single llamado Set the record straight ('Dejar las cosas claras'), y el caso acabó en arreglo fuera de juicio, cuando Eminem le pagó 25.000 dólares.

Su siguiente álbum, The Marshall Mathers LP, debutó en el número uno de ventas de Estados Unidos en mayo de 2000. Pero su vida personal daba mucho más que hablar: a fines de ese año, golpeó con la culata de una pistola a un hombre que, aparentemente, se estaba propasando con Kim. Fue condenado a dos años en libertad condicional, un control estricto de consumo de drogas y la asistencia continuada de un psicólogo.

The Eminem show (2002) debutó en el número 1 de ventas en Estados Unidos y Europa, lanzado por el controvertido videoclip de Without me, en que aparecía disfrazado de Osama bin Laden. La banda sonora de la taquillera película Ocho millas, dirigida por Curtis Hanson (director de L. A. Confidential y Jóvenes prodigiosos), fue otro éxito, y hasta ganó un Oscar a la mejor canción.

Ocho millas narra la historia de un joven blanco que sale adelante como cantante rap, y es en muchos aspectos una autobiografía de Eminem: «8 Mile» es el nombre de la calle que separa los suburbios ricos de los pobres en Detroit, y es donde él vivió. Naturalmente, en la película también tiene un papel preponderante la madre, tiránica e inestable, interpretada por Kim Basinger.

UB 40


Bautizados con el nombre de un formulario para desempleados del gobierno la británico, la banda de regae-pop UB40 se formó en 1978 mientras sus integrantes hacían fila en la asistencia social británica. El carácter multirracial de la banda es un claro reflejo de sus orígenes en el seno de la clase trabajadora inglesa de finales de los setenta.

Su credibilidad frente a la audiencia se basó en su posición política que hizo química con los jóvenes insatisfechos, y su despegue vino con el reavivamiento del Ska.

Los hermanos Robin (guitarra) y Ali Campbell (guitarra y canto) formaron el núcleo del grupo, al que se unieron el bajista Earl Falconer, Mickey Virtue en las teclas, Brian Travers en el sax, con los bolillos Jim Brown, el percusionista Norman Hassan y Terence “Astro” Wilson.

Desde su formación el grupo se dedicó a tocar en vivo, lo que les permitió tener una base de seguidores que estaban encantados con su ritmo y estilo para hacer bailar a la gente. Esa agitación no pasó desapercibida. A inicios de los años 80, les ofrecieron abrir los conciertos en la gira de los Pretenders que para ese entonces eran la sensación en las listas de popularidad. Esa exposición fue la que los hizo visibles ante un público más amplio.

Su primer sencillo lo produjeron para la disquera Graduate. En él se incluía “Food For Thought”, una reflexión amarga sobre la pobreza en el Tercer Mundo; y “King” un lamento por el Dr. Martin Luther King.

Ambos temas tuvieron la fuerza suficiente para ser el lado A del disco, pero “Food For Thought” fue la canción que recibió mayor atención de las radioemisoras. El disco salió a la venta durante la gira que hicieron con los Pretenders y, a pesar de la poca promoción que podía hacer una disquera tan pequeña, el tema escaló hasta la casilla número cinco, empujada fundamentalmente por las presentaciones en vivo.

El primer LP salió a la venta en setiembre de 1980. “Signing Off”, marcaba el nuevo estatus de los integrantes de la banda. El título del disco hace referencia a que ya no recibían ayuda del Estado, pero además que con ellos empezaba algo nuevo.

Debido a que la banda se origino al oeste de Inglaterra, al carácter multirracial de su formación y a que tocaban música de origen jamaiquino, UB40 fue considerado para del fenómeno de los dos tonos que volvía a poner de moda el Ska. Sin embargo, el álbum dejó claro que no tenían mucho que ver con el asunto: Aunque en lo político se trataban los mismos temas, en lo musical la diferencia era exponencial por su estilo relajado, más sofisticado y sensual.

Al terminar 1980 el contrato con Graduate terminó y UB40 decidió formar su propia disquera: DEP International.

Nueve meses después de la salida de su primer disco (que aún seguía en las listas de popularidad) sacaron “Present Arms”. El LP era aguardado con ansiedad por sus seguidores y esa espera fue premiada con creces. “One in Ten” una clara referencia a la población con hambre en el mundo y “Medusa” empujaron al disco hacia arriba.

En octubre de 1981 pusieron a la venta una versión remezclada de “Present Arms”. En términos de ventas no fue gran cosa, pero desde la perspectiva musical demostraba que se habían afinado como músicos del reggae.

La mejora en su estilo musical quedó patente en el LP UB44 de 1982. Sin embargo, y a pesar de la calidad de la interpretación de los temas, el disco no alcanzó las ventas deseadas por el tipo de cubierta que llevaba. Un cartón negro servía de marco a un texto impreso como un holograma. El comprador casual o de impulso lo percibió ajeno y eso hizo que la venta no fuera la esperada.

Se reimprimió la portada, esta vez con un paisaje de Zimbabwe, sobre el que el logotipo de la banda era mucho más legible

Un año después, en setiembre de 1983 UB40 puso a la venta el disco que siempre habían querido grabar: “Labour of Love” fue el disco en el que le dieron un tributo a los músicos que influyeron en ellos.

El LP contenía el famoso sencillo “Red, Red, Wine” (compuesto por Neil Diamond) que mantuvo al disco pegado en las listas inglesas por dos años y se convertiría en su primer éxito internacional, además de su primer número uno en Estados Unidos.

En el caso de Estados Unidos, la canción ya había salido de las listas cuando una emisora de Phoenix en Arizona la volvió a programar, pero esta vez sacada de una presentación en la que Nelson Mandela era el homenajeado. La canción volvió a entrar en las listas y de ahí se fue directo al número uno.

Los siguientes discos de la banda han mantenido su estilo, aunque siempre han contado con el aporte de otros artistas. “Baggariddim” fue un experimento en el que participaban DJs, además de Chrissie Hynde de los Pretenders cantando con ellos “I Got You Babe”, un cover del éxito de Sony & Cher. Hynde volvería a cantar con ellos en 1988 en su disco UB40.

“Labour of Love” volvió a ser puesto a la venta en 1989. Reinterpretado y actualizado, el disco fue un éxito tanto en Europa como en los Estados Unidos.

De seguido llegó “Promises & Lies” que incluía el sencillo “I Can’t Help Falling In Love”, original de Elvis Presley, que llegaría a ser su mayor éxito de este lado del Atlántico. Más tarde llegaría "UB40 Present The Dancehall Album", un proyecto en el que participaron artistas jamaiquinos de primer orden, varios de los cuales producen bajo el sello Oracabessa, fundado por Brian Travers y Ali Campbell.

Desde hace casi 30 años, UB40 se ha dedicado a popularizar y difundir el reggae por todo el mundo. De paso le han dado un gran placer a una audiencia tan grande y heterogénea que solo puede ser considerada como mundial.
Para 2006 se espera un con cierta ansiedad la puesta en escena de un musical con el Repertorio del teatro de Birminham.

Meat Loaf


Meat Loaf es el nombre artístico de Michael Lee Aday, nacido el 27 de septiembre de 1947 bajo el nombre de Marvin Lee Aday en Dallas, Texas. Meat Loaf es también el nombre de la banda que encabeza y aunque no se tiene certeza del origen del nombre, se cree que es un apodo de infancia que finalmente se quedó para siempre.

Nacido en el seno de una familia de cantantes góspel, se mudó a Los Ángeles en 1967 luego de que su madre falleciera de cáncer y formó un grupo que era conocido tanto como Meat Loaf Soul como Pocorn Blizzard. La banda recibió algunos reconocimientos mientras trabajaron como abridores de los Who, los Stooges y Ted Nugent. Luego Meat Loaf se ganó un rol en el musical “Hair” preparado para la costa oeste norteamericana.

En 1971, durante una de las paradas de la gira del musical en Detroit Meat Loaf grabó junto a su compañera de espectáculo Cheryl “Stoney” Murphy el LP “Stoney & Meat Loaf” para el sello Motown.

Después de aparecer en el musical Rainbow, Meat Loaf se ganó un espacio en otro espectáculo llamado “More Than You Deserve”, un show escrito por el pianista Jim Steinman. Después de esto apareció en la película “The Rocky Horror Picture Show” y en 1976 cantó en el LP de Ted Nugent “Free-for-All”.

En total Meat Loaf se ha presentado en 50 programas de televisión y películas. Una de sus apariciones más importantes se dio en “Fight Club” en el que protagoniza a un hombre al que le han crecido las mamas debido al abuso de esteroides.

Meat Loaf desarrolló una gran amistad con el compositor Jim Steinman y empezaron a trabajar en el proyecto Bat Out Of Hell en 1972, pero recién lo pudieron concretar en 1974. En ese entonces el cantante y actor decidió dejar las tablas y dedicarse a su carrera musical. Justo entonces abrió el “National Lampoon Show” en Broadway y fue llamado para suplir a su amigo John Belushi. Fue en este musical en donde conoció a Ellen Foley con quien más tarde cantaría " Paradise By the Dashboard Light " en el disco.

Terminado el musical, Meat Loaf y Steinman se dedicaron a buscar un sello grabador que los ayudara con la grabación y producción del LP. Todos sus intentos fueron rechazados por las casas disqueras porque ninguna de sus canciones calzaba dentro de algún estilo musical. Finalmente, lograron cantar ante Todd Rundgren quien decidió producir el disco y tocar la guitarra principal. Siguieron buscando casa disquera hasta que Cleveland International Records decidió jugarse el chance.

El 21 de octubre de 1977 “Bat Out of Hell” fue puesto a la venta y luego de un inicio desastroso gradualmente fue ganando popularidad hasta convertirse en un éxito comercial.

El disco era un melodrama para adolescentes hecho ópera del que se extrajeron tres sencillos que estuvieron dentro de las 40 canciones más importantes: "Two Out of Three Ain't Bad," "Paradise by the Dashboard Light," and "You Took the Words Right Out of My Mouth". El disco se convirtió en uno de los más vendidos de la época.

Las primeras presentaciones de Meat Loaf se hicieron sin que el disco hubiera sido puesto a la venta. Su primer concierto formal fue como abridor de “Cheap Trick” en Chicago. Aunque inicialmente la gente se mostró indiferente, al final de la presentación era evidente que habían sido conquistados. Su próxima parada fue en Nueva Jersey un par de días antes de la salida del LP. Las entradas se agotaron y la gente hizo filas por horas esperando lograr un lugar para poder ver el espectáculo. Sin embargo, lo que verdaderamente disparó las cosas fue la presentación de Meat Loaf en el Saturday Night Live el 25 de marzo de 1978.

El éxito alcanzado por el álbum hizo que Meat Loaf y Steinman se separaran. Para facilitar las cosas la banda se llamaba igual que el cantante y el hecho de que se le diera más atención a Meat Loaf y se relegara el trabajo de Steinman como simple “creador” hizo que el pianista reventara la cuerda.

A pesar de ello Meat Loaf siguió presentándose y sacándole el jugo al disco. En una presentación en Ottawa, Canadá, Meat Loaf se cayó del escenario y se rompió una pierna lo que le obligó a cancelar el resto de la gira. Postrado e incapaz de manejar la presión Meat Loaf se refugió en la cocaína, la que luego le llevó a un colapso nervioso cuyo punto álgido fue un intento de suicidio.

Entonces, en diciembre de 1978 se fue a Woodstock a trabajar nuevamente con Steinman. Fue allí donde conoció a la que sería su esposa un mes después: Leslie Edmonds. Pero las cosas se complicaron porque en medio de la grabación de “Bad for Good” Meat Loaf perdió su capacidad de canto debido a la presión a la que estaba sometido. A pesar de ello Steinman siguió adelante con el proyecto sin Meat Loaf.

Con el tiempo Meat Loaf recobró la voz, dejó las drogas y empezó a jugar softball. De este deporte se volvió un verdadero entusiasta al punto que se convirtió en el entrenador del equipo del colegio de sus hijas.

Las cosas ahora parecían en orden. El disco había vendido más de 35 millones de copias en todo el mundo, estuvo 474 semanas dentro de las listas inglesas, sacó a los Bee Gees del número uno en Australia y se convirtió en el disco más vendido en ese país en toda la historia.

En 1980 Meat Loaf empezó a trabajar en su siguiente disco: “Dead Ringer”. Aunque Steinman había compuesto todas las canciones, el resto del trabajo correspondió a otras personas. Sin embargo, Steinman demandó a Meat Loaf y a Epic Records y forzó a que ninguna de sus canciones apareciera en el próximo disco del cantante.

En 1981 las cosas se complicaron más luego de que Meat Loaf despidiera a sus representantes acusándoles de robarle dinero. Como respuesta ellos congelaron los bienes del músico y empezaron una campaña de rumores en los medios de comunicación. La cosa terminó con Meat Loaf declarándose en bancarrota.

En 1983 lanzó el disco “Midnight at the Los and Found” un disco compuesto por él mismo, aunque se reconoce como mal compositor.

Un año más tarde viajo a Inglaterra a grabar el disco “Bad Attitude” en el que se incluye un dúo con el cantante de los Who Roger Daltry. El disco se grabó con prisa y la gira fue extenuante, al punto que su esposa debió ser internada por un colapso nervioso.

Para 1986 Meat Loaf por fin logró conseguir un compositor. John Parr escribió las canciones de “Blind Before I Stop”. Desafortunadamente, el productor le puso una base rítmica bailable a todas las canciones, lo que provocó que el disco fracasara y que Meat Loaf quebrara económicamente otra vez y lo perdiera todo.

En un intento por recobrar el terreno perdido empezó a presentarse en lugares pequeños como bares y clubes. Poco a poco empezó a recobrar una base de seguidores fieles que llegó a crecer al punto de que cada vez se necesitaban espacios más grandes para sus conciertos. Este crecimiento sostenido le llevó a presentarse nuevamente a estadio lleno.

Por otra parte Leslie, su esposa, se convirtió en agente de viajes lo que le permitió bajar los costos de transportes en sus giras y llevar al cantante por Estados Unidos, Europa y el Cercano Oriente. Gracias al éxito de las giras Meat Loaf y Jim Steinman empezaron a trabajar en “Bat Out OF Hell II: back Into Hell” que fue puesto a la venta en 1993 y se convirtió en uno de los regresos artísticos más importantes de la música al vender 5 millones de copias empujado por la canción "I'd Do Anything for Love (But I Won't Do That)”. El tema fue número uno en 28 países y le valió el Grammy al Mejor Cantante Solista en 1994.

En la canción se escucha a una mujer que en los créditos aparece únicamente bajo el nombre de “Mrs Loud”. Luego se supo que ella es Lorraine Crosby, una cantante del noreste de Inglaterra.

Por otro lado el “no haré eso” que viene en el estribillo de la canción ha levantado toda clase de especulaciones y eso ayudó a darle al tema un aura de misterio. Sin embargo, a lo largo de la canción tanto la voz masculina como la femenina hacen referencia a varios “esos” que en general se resumen dentro de los cánones más básicos del amor y que pretenden explicar el nivel de lealtad que hay entre ambos.

En 1995 Meat Loaf sacó su séptimo disco de estudio llamado “Welcome to the Neighborhood”. Las ventas lo llevaron a ser platino en los Estados Unidos e Inglaterra. De él salieron dos sencillos que llegaron a colarse entre las cuarenta más calientes "I'd Lie for You (And That's the Truth)" y "Not a Dry Eye in the House".

Tres años después vendría el disco de grandes éxitos. Aunque no entró vendiendo lo que debería se ha mantenido constante en las ventas.

En 2003 puso a la venta “Couldn't Have Said It Better” cuyo éxito fue menos que moderado probablemente por la gran cantidad de compositores que tomaron parte en él. Durante la gira de apoyo al disco Meat Loaf colapsó en la presentación en Wembley. Las causas del colapso fueron producto de un síndrome que debió ser corregido con cirugía. Desde entonces la compañía de seguros del cantante no le permite presentarse por más de 1 hora y 45 minutos.

Sus presentaciones son su gran pasión. Por eso dice que su principal preocupación es la presentación de cada noche, para que la gente sienta que dejó todo en el escenario y no se llevó nada para el hotel.

domingo, 24 de agosto de 2008

Village People


Mezcla de ingenio y exageración, Village People se convirtió en un fenómeno mundial durante los años dorados del disco. El grupo fue creado y diseñado por el productor francés Jacques Morali en 1977 para atraer a la audiencia homosexual a través de los estereotipos más comunes a los que respondía este grupo.

Los compositores Phim Hurt y Peter Whitehead se encargaron de componer temas en los que la temática homosexual se colaba a través de roles, usos y costumbres. Canciones como “Go West” o “Macho Man” tocaban la agenda de intereses del grupo.

Al mismo tiempo se eligieron personajes y su vestimenta para completar la puesta en escena: vaquero, motociclista, soldado, indio, policía y el trabajador de la construcción bailaban una coreografía planeada para el público meta.

Village People se formó en 1977 en la ciudad de Nueva York, luego de que Jacques Morali, un productor consumado y estaba teniendo éxito en las listas disco con la Familia Richie, tuviera la idea de crear un grupo de baile en escena que atrajera a la comunidad homosexual.

En la medida en que preparaba su grupo, Morali firmó un contrato con la disquera Casablanca que en ese momento era el centro de atención gracias al éxito de Donna Summer.

Su primer integrante fue Felipe Rose a quien vio bailando en un bar de Greeenwich Village vestido como indio. Morali y su socio Henri Belolo contrataron a los compositores Phim Hurt y Peter Whitehead para que empezaran a armar un repertorio antes de que la formación se completara con Alexander Briley, Randy Jones, David Hodo, Glenn Hughes y el cantante Victor Willis a quien encontraron en un espectáculo en Broadway.

A cada integrante se le vistió con vestuario que calzaba dentro del estereotipo del “macho” homosexual. Así Rose se convirtió en el indio americano, Jones era el vaquero, Willis hacía de policía, Hodo de constructor, Huges de motociclista y Briley de soldado.

La primera canción del grupo de aparecer en listas fue “San Francisco (You've Got Me) en 1977, que llegó al lugar 50 de las listas en Inglaterra. En Estados Unidos fue “Macho Man” que en 1978 se coló entre las 30 principales. Luego vendría “Y.M.C.A.” que fue número uno en Inglaterra y Costa Rica; y número dos en Estados Unidos. Esta canción no estuvo exenta de controversia.

Dado que YMCA es una asociación de carácter cristiano que se decia a la ayuda y orientación de los jóvenes, se sintió afectada porque un grupo homosexual le dedicara una canción, lo que la llevó a demandar a Village People. Sin embargo, la demanda fue retirada sin dar mayores explicaciones.

El siguiente éxito fue “In The Navy” que fue número dos en Inglaterra y 3 en Estados Unidos... y provocó otra controversia.

La marina norteamericana consideró usar el sencillo para una campaña de radio y televisión con el fin de reclutar nuevo personal. Se pusieron en conctacto con Belolo quien decidió ceder los derechos de forma gratuita a cambio de que la Marina les facilitara un barco para filmar un video. Menos de un mes después Village People estaba en la Base Naval de San Diego.

La Marina les proveyó de un barco de guerra, aviones y cientos de marinos. Cuando el video y la campaña salieron al aire, algunos periódicos se molestaron porque se estaba usando dinero de los contribuyentes norteamericanos para filmar video musicales (particularmente de este grupo al que se lo señaló como de "dudosa moral"). La Marina se vio frozada a cancelar la campaña, pero Village People vio como el escándalo hizo que la popularidad de la canción se disparara.

Aunque efectivamente los homosexuales se sintieron identificados con el grupo desde el inicio, se cansaron rápidamente dado que Village People se convirtió en un fenómeno de masas.

Unos botones de muestra. Madonna y Joan Rivers abrieron para ellos en Las Vegas, en el Madison Square Garden, en el Budokan de Japón o en el Teatro Griego de los Ángeles. Hasta Michael Jackson se presentó con ellos en el Palladium de Los Ángeles.

Al mismo tiempo ganaron el de Grupo Favorito del American Music Award de 1979, el León Dorado de Alemania Occidental y el de Mejor Grupo en Brasil de 1981.

Durante esos años aparecen en la portada de la revista Rolling Stone, entran al libro Guiness de Marcas, en las revistas Time, Playboy, Playgirl, GQ, Paris March, etc. Al mismo tiempo aparecen en cuanto programa de televisión había: desde el Crucero del Amor hasta el Soul Train.

En Inglaterra su éxito continuó con “Go West” en 1979 y “Can't Stop the Music” de 1980, que se convertiría en el título de una película bastante mediocre que se vio afectada por la salida de Willis dos días antes de que empezara la filmación.

Willis fue reemplazado por Ray Simpson, pero con una película mala a cuestas y con un movimiento anti disco fuerte en los Estados Unidos, el grupo quedó condenado a desaparecer.

Se hicieron varios intentos por reflotar el proyecto con cambio de personal, estilo y apariencia. Sin embargo, las cosas no cambiaron mucho. Recién en 1985 “Sex Over The Phone” interpretada por Miles Jaye logró entrar a las listas inglesas.

Jaye fue firmado por la disquera Top Priority y luego se mudó a Island Records desde donde pudo llegar a las listas R&B a finales de los 80.

Simpson, Rose, Hodo, Hughes, Briley y Olson volvieron a formar Village People a finales de los años 80 a través de una empresa que les permitió controlar sus propios intereses y ganarse la vida a través del circuito de presentaciones en vivo.

En 1990 lograron un éxito sorpresivo en Australia con “Living In The Wildlife”. En 1995 Hughes deja la formación por estar enfermo (fallece en marzo de 2001 de cáncer en el pulmón) y es reemplazado por Eric Anzalone.

A pesar de su breve paso por la fama, Village People se convirtió en un fenómeno difícil de olvidar con 67 millones de discos vendidos a 1987 y cuyas presentaciones aún llenan locales.

Olivia Newton-John




La gente recuerda a Olivia Newton-John como la dulce Sandy en "Grease", el musical inspirado en la década de 1950, que protagonizó junto a John Travolta, en 1978.

Pocas personas saben que esa misma mujer ha sido la Embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas para el ambiente, que combatió las matanzas de delfines en Japón en la década de 1970, que fue condecorada por la Reina Isabel II con la Orden del Imperio Británico, o que posee el récord femenino de permanencia en el número uno de Billboard ("Physical", 10 semanas en la primera posición en 1981), y la canción número uno para la década de 1980, superando a estrellas como Michael Jackson y Madonna.

Olivia Newton-John logró todo cuanto se puede lograr en el mundo del espectáculo: películas taquilleras, discos multi-platino, Grammys, American Music Awards, una estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood y múltiples reconocimientos alrededor del mundo. Fue la primera extranjera en topar las listas de música country en los Estados Unidos, y fue la primera cantante country en convertirse también en una estrella de la música pop y rock - todo esto aún antes de que llegara la época de los canales de música por televisión y el sonido digital. Fue pionera al lanzar uno de los primeros long-plays totalmente realizados en vídeo (Physical, 1981) y presentar uno de los primeros conciertos en vivo por la cadena HBO (Olivia Live - Ogden, Utah, 1982).

Más que una gran voz y un rostro hermoso, Olivia Newton-John es una mujer con los pies muy bien puestos sobre la tierra, que no se ha rendido ante la adversidad, y que a los 53 años conserva la misma energía y frescura con la que sedujo al mundo y se ganó el respeto y el cariño del público, de sus colegas y de los medios.

Durante la última década Olivia ha representado a CHEC, la Coalición por la Salud Ambiental para los Niños, que investiga las causas ambientales del cáncer en niños. También se ha dedicado de lleno a hablar de su experiencia con el cáncer de pecho, brindando esperanza a otras mujeres en la misma posición, hablando de su propia supervivencia e insistiendo en que la detección temprana es vital. Ha aparecido en varias películas para televisión (A Mom For Christmas, 1990; A Christmas Romance, 1994; The Wilde Girls, 2001) y filmes independientes (It's My Party, 1995; Sordid Lives, 1999).

Olivia nació en Cambridge, Inglaterra, el 26 de setiembre de 1948, en el seno de una familia académica: su abuelo materno fue el alemán Max Born, premio Nobel de Física en 1954. El padre de Olivia era galés, profesor de alemán en Cambridge y luego en Melbourne, Australia, hacia donde emigró la familia cuando Olivia tenía apenas 5 años. Allí Olivia empezó a sobresalir durante el colegio, donde formó un grupo -The Sol Four- con tres compañeras. En 1964 ganó un concurso de talento, cuyo premio era un viaje a Inglaterra, donde Olivia se fue a vivir, acompañada por su madre. En mayo de 1966, firmó un primer contrato por un disco sencillo, con Decca Records. El sencillo, con las canciones "Till You Say You'll Be Mine" y "For Ever", no tuvo mucha suerte, así que el contrato no se prolongó.

Las cosas parecieron mejorar cuando Pat Carroll (luego se convertiría en Pat Farrar), otra australiana, llegó a Inglaterra y formaron el dúo "Pat and Olivia". No tuvieron el éxito que soñaban, y la visa de Pat expiró en 1969 por lo que debió marcharse. Olivia pasó a formar parte de la banda "Toomorrow", que iba a ser la respuesta británica a The Monkees, que arrancó con una película y una banda sonora que tampoco tuvo mucho éxito.

En 1972 Olivia pasó a formar parte del exitoso programa de Cliff Richard en la BBC. Empezó a presentarse regularmente en el ambiente musical de Londres y ganar mayor audiencia. Su primer álbum, "Olivia Newton-John", apareció en 1971, seguido por "Olivia" (1972) y "Music Makes my Day" (1973). El sencillo "If Not For You", un cover de Bob Dylan, fue el primer gran éxito de Olivia que inclusive tuvo éxito en los Estados Unidos. Su siguiente álbum, "Let Me Be There", llegó a número 6 en los Estados Unidos en 1973, y le dio a Olivia su primer premio Grammy. John Farrar, el guitarrista australiano de Cliff Richard pasó a ser el productor de Olivia, y se casó con la amiga de Olivia, Pat Carroll.

El equipo que formaron Newton-John y Farrar pronto tomó el mercado norteamericano por sorpresa, con su primera número uno: "I Honestly love You", en 1974. Enseguida vino una lista de éxitos y más premios Grammy. Olivia fue la primera mujer en llevarse tres American Music Awards en una sola noche.

Fue también la primera cantante extranjera en conquistar las listas de música country, lo cual molestó a algunas estrellas de ese género. En 1975 se trasladó definitivamente a los Estados Unidos. Su fama se había extendido por el mundo y era especialmente marcada en Japón, donde produjo su primer disco en vivo, "Love Performance", en 1976.

Parecía que Olivia Newton-John había alcanzado la cima cuando el productor Allan Carr, quien la conoció en una fiesta, le propuso actuar junto a John Travolta en una película musical. Temerosa, Newton-John pidió que le hicieran una prueba cinematográfica antes de aceptar, y nunca imaginó el éxito que alcanzaría con "Grease", uno de los musicales más exitosos de la historia. Inmediatamente Olivia lanzó un nuevo álbum, "Totally Hot", su primer disco de género completamente rock, convirtiéndose en la primera cantante country en hacer el "crossover" hacia el género rock. Para fines de la década de 1970, había lanzado 10 long-plays en los Estados Unidos, y había colaborado en proyectos con John Denver, Karen Carpenter, los Bee Gees, Andy Gibb, ABBA, y en el concierto de beneficencia ante la ONU "The Music for UNICEF", de 1979.

En 1980 filmó "Xanadu", una excéntrica fantasía musical que protagonizó junto a Gene Kelly, el famoso actor y bailarín de la época de oro de Hollywood. "Xanadu" no tuvo tanto éxito como "Grease" y no fue bien recibida por la crítica; aunque la banda sonora sí fue un éxito, alcanzando el número uno con "Magic". El tema de la película, "Xanadu", fue producto de la colaboración con Electric Light Orchestra y llegó al número 4. La película es hoy un film de culto (cult film). En 1981, produjo el álbum "Physical", su más grande éxito en las listas, con el cual ganó el primer Grammy otorgado a la categoría de vídeo. La canción "Physical" ocupa el segundo puesto en los récords de permanencia en la primera posición de las 100 calientes en todos los tiempos. En 1983, protagonizó otro film junto a John Travolta: "Two Of A Kind", que tuvo mejor suerte en las ventas de discos que en la taquilla.

En 1984 Olivia se casó con Matt Lattanzi, bailarín y modelo; y en 1986 nació su hija Chloe Rose. Olivia se concentró en la maternidad y en la cadena de boutiques de artículos australianos "Koala Blue", que creó a lado de su amiga de años, Pat Farrar. No abandonó del todo su carrera musical, pues produjo varios discos y "Down Under", un especial para HBO que conmemoraba el bicentenario de Australia.

En 1992, junto a sus amigos Jacques Cousteau y John Denver, convocó a una conferencia de prensa denunciando la negativa del presidente Bush a firmar la política ambiental de la Cumbre de Rio, en Brasil. Poco después, decidida a retomar su carrera, Olivia lanzó "Back to Basics" un álbum de éxitos con cuatro nuevas canciones, y comenzó a ensayar para una gran gira mundial. Todo empezó a salir mal: el 2 de julio Olivia fue diagnosticada con cáncer de pecho, y ese mismo día fallecía su padre. Su cadena de boutiques había quebrado pocos meses antes. Tras una mastectomía y nueve meses de quimioterapia, Newton-John regresó a Australia, acariciando la idea de retirarse. La idea no le duró mucho, pues a raíz de sus duras experiencias, compuso y produjo un álbum intensamente personal llamado "Gaia", que fue lanzado en 1994, y que en cuestión de semanas se convirtió en álbum de platino en Australia y Europa, aunque no aparecería en los Estados Unidos sino hasta mediados del 2002.

En 1998, por primera vez en muchos años, Olivia se presentó en vivo junto a Cliff Richard en Australia, y luego junto a dos famosos australianos (Anthony Warlow y John Farnham) en "The Main Event". En 1999, tras 17 años de ausencia, hizo su primera gira por los Estados Unidos, marcada por la asistencia masiva de fieles seguidores. En el Greek Theater de Los Angeles, recibió una ovación de pie que duró casi cinco minutos. Durante el 2000, Olivia realizó una segunda gira por los Estados Unidos. Fue invitada por el Papa Juan Pablo II a cantar en el Vaticano con motivo del Jubileo de la Iglesia Católica. Más tarde, el 15 de setiembre de ese año, ante una audiencia millonaria, cantó el tema principal de la apertura de los Juegos Olímpicos en Sydney 2000.

Actualmente, Olivia Newton-John graba en Australia un disco de dúos con la probable colaboración de importantes estrellas australianas y norteamericanas. También está escribiendo una autobiografía y se prepara para una gira por los Estados Unidos, acompañada por orquestas sinfónicas de diferentes ciudades.

Falco


Johann (Hans) Hölzel nació el 19 de febrero de 1957 en Viena, Austria. Fue el único sobreviviente de un embarazo de trillizos, dos de los cuales fallecieron al tercer mes de gestación. Hijo de Alois y María Hölzel, quienes pudieron darle todas las comodidades a su hijo en medio de la posguerra.

Desde niño Hans mostró una cierta vocación por la música. Uno de sus pasatiempos favoritos era el de conducir orquestas en la radio o silbar las melodías de las canciones más populares cuando apenas y podía caminar.

Para su cuarto cumpleaños pidió un acrodeón, pero un profesor de música le rescomendó a sus padres que lo llevaran a clases de piano y aún así cambiarse al acordeón más tarde. Los padres se decidieron por un piano de cola y las respectivas clases. Inmediatamente se descubrió que el niño tenía buen oído musical, particularmente para las obras de Beethoven. Ya a los 5 años tocaba más de 30 tonadas populares que escuchaba en la radio a puro oído.

Con cuatro años y medio fue inscrito por sus padres en un concurso llamado “La Música No Conoce Fronteras” que servía de prueba para de admisión para una academia de música. Luego de la prueba, su profesor se acercó a la madre cargando al niño y le dijo: “Señora Hözel este es un pequeño Mozart. Nunca había visto a nadie con un tono tan perfecto en toda mi carrera”.

En 1963 entró a la escuela y en la fiesta de Navidad de ese año tocó en el piano “El Danubio Azul” lo que le valió el aplauso de toda la concurrencia. Al día siguiente, la tienda de la señora Hözel estaba llena de personas que querían saber dónde y cómo el niño había aprendido a tocar el piano. Uno de los amigos de Hans recuerda haberle preguntado qué quería ser cuando fuera grande y que la respuesta fue “Estrella pop. La respuesta no fue ‘músico' sino ‘estrella pop'.”

Como era lógico cada visita que llegaba a la casa de la familia Hözel quería escuchar al niño prodigio tocar. Pero según recuerda su madre el chico advertía antes de que llegaran las visitas: “Mamá, hoy no voy a tocar” o desaparecía ni bien tenía la oportunidad. A lo sumo se lo podía convencer de tocar una canción, pero eso era todo.

La separación de sus padres en 1968 fue uno de los puntos de giro en su vida. Más tarde su padre, Alois, le diría a su hijo que si él “se hubiera quedado en la casa nunca te habrías convertido en Falco” debido a que no entendía el proyecto de vida de su hijo.

Tres años más tarde, en 1971, falleció su abuela materna con quien tenía una relación muy cercana y quien le consentía todos sus caprichos. Al mismo tiempo la tienda de su madre debió cerrar y ella buscar un trabajo como promotora de Columbia. Estos dos hechos dejaron al muchacho prácticamente solo y sin quien le pusiera límites, por lo que rápidamente perdió interés en el colegio.

Salía en la mañana mochila en mano para aguardar las apariencias, pero se iba a jugar fútbol. Cambió el piano por una guitarra y ese año académico lo perdió. El choque con la educación llegó al punto que compuso “No Más Escuela”.

Su madre lo confrontó y le dio dos opciones: “O repetís el año como cualquier otro o te buscás un trabajo”. Sin siquiera dudarlo Hans le contestó: “No voy a repetir el año, prefiero ir a trabajar.”

El trabajo resultó ser un espacio gratificante. Trabajaba junto a un señor mayor a con quien hizo migas y dedicaba gran parte del tiempo a conversar, antes que a trabajar.

A inicios de los años setenta la música pop descasaba en la guitarra eléctrica y el bajo. Grupos como Deep Purple o Frank Zappa estaban cambiando la escena musical. Fue entonces cuando Hans decidió cambiar su guitarra acústica, por un bajo que se convertiría en su instrumento.

A los 17 años se unió a su primera banda, “Umspannwerk” (Transfomrador). Los ensayos se hacían en el sótano de la casa de un amigo a 15 kilómetros de su casa, por lo que logró que su madre le comprara una moto. Más tarde dejaría el trabajo, se enlistaría en el Servicio Nacional y se dedicaría a aprender a tocar bien el bajo.

Cuando salió del Servicio Nacional estuvo tres semestres en el Conservatorio de Jazz de Viena. Sin embargo, eso no le satisfizo. Quería complacer a su madre y volvió a trabajar, pero esos estudios fueron claves para su desarrollo posterior como músico profesional.

El final de los setenta fue un período de grandes cambios en la escena musical. El punk se establecía en Europa proveniente de Gran Bretaña y el joven Hans estaba fascinado con el nuevo estilo. Por otra parte David Bowie se estaba convirtiendo en el referente de muchas bandas alemanas, lo que terminó de convencer a Hans Hözel de mudarse a Berlín Occidental en busca de una oportunidad.

Años después Falco recordaba: “Bowie era una de las razones por las que estaba en Berlín. Quería encontrármelo en alguna parte. Bowie era mi ídolo. Siempre hizo mucho por la música pop en alemán. El disco “The Hero” fue la chispa que me encendió”.

Como músico de jazz-rock Hans ganaba el equivalente a mil chelines austriacos por noche. “Eso era mucho, pero mucho menos de lo que estaba gastando. Nunca tuve suficiente dinero en Berlín”. La aventura alemana duró un año y luego regresó a Viena.

Empezó a tocar bajo en la calle para los pasantes. Un día fue visto por Wickerl Adam quien majejaba una big band en una institución cultural vienesa llamada la “Hallucination Company”. El ímpetu de Hans le llamó tanto la atención que le ofreció que formara parte de su banda. El muchacho no lo dudó y se entregó de lleno. “Yo les exigía ocho horas de ensayo por día y Hans disfrutaba eso. Siempre fue puntual, el tipo de persona con el que se puede trabajar”, recuerda Adam.

“Hallucination Company” salió de gira en 1978. En Munich se convirtieron en la sensación de la temporada. Se presentaron a teatro lleno. El tercer día en Munich Hans se acercó a Wickerl Adam vestido en un traje plateado a rayas negras, el pelo corto y echado para atrás y le dijo: “Hey, Wickerl, hoy no digás ‘en el bajo Hans Hözel', decí ‘En el bajo, Falco Gotthehrer'”. Unos días después se acercó nuevamente y le pidió que solo lo presentara como Falco.

La decisión de cambiarse el nombre a Falco vino porque estaba impresionado por el saltador en ski Falko Weisspflog de Alemania Oriental quien era bastante popular en esos días. Cambió la “k” por la “c” porque pensó que era mejor para el mercadeo internacional. A partir de ese momento cambió radicalmente la forma en que se vestía, usaba anteojos de sol y hasta se paraba diferente con el propósito de destacarse del resto de la banda. “El vivió sexo, drogas y rock and roll en un traje de Versace” dice Adam.

El éxito de “Hallucination Company” inspiró a Stefan Weber a reformar su como anarquista llamado “Drahdiwaberl”. Muchos de sus antiguos músicos tocaban al lado de Falco en “Hallucination Company”. Los llamó e integró a Falco en el proyecto.

Durante un año Falco estuvo tocando en ambas bandas, aunque “Drahdiwaberl” era una expresión del caos que mezclaba rock, política y cabaret. Los conciertos de este grupo estaban llenos de excesos por lo que Falco llegó a las presentaciones con su ropa de marca cubierta en plástico transparente.

Stefan Weber recuerda de su antiguo bajista: “Falco no calzaba con nosotros porque en ese entonces era un dandi de pelo corto. Nosotros nos presentábamos con la ropa rota y él con un suéter Fiorucci. Era el único integrante del grupo que solamente se preocupaba por la paga y no por la esencia del grupo, que mayormente tocaba conciertos benéficos.”

A inicios de 1979 Falco dejó Hallucination Company y se quedó con “Drahdiwaberl” aunque no calzara mucho con el perfil del grupo. Poco después se unió a un grupo comercial llamado Spinning Wheel integrado por gente de “Drahdiwaberl” y que interpretaban canciones originales de los Bee Gees y de Rod Stewart. Fue aquí donde Falco empezó a cantar y su carisma afloró. Le dio su propio estilo a los covers de Rod Stewart convirtiéndolos en canciones suyas.

El grupo empezó a despegar y aunque estaban ganado bien, Falco sentía que el tocar en el grupo no le permitía expresarse tal como el quería. En mayo de 1979 Falco grabó su primer sencillo acompañado por Spinning Wheel. En el lado “A” estaba Chance y en el “B” Dance and Summer. Las canciones pasaron más por buenas intenciones que por material que podía salir al aire.

Un día, saliendo de uno de los ensayos de Drahdiwaberl en 1980 compuso una canción con letra y música que versaba sobre las drogas. La canción no calzaba con el estilo del grupo y apenas era usada de vez en cuando en los conciertos. Aunque llegó a algunas emisoras, pronto fue censurada. Sin embargo, en las presentaciones del grupo el tema empezó a pegar en la audiencia y a ser identificada con Falco. En ese momento se dio cuenta que podía tener una carrera como solista.

En 1980 Markus Spiegel, un empresario disquero vienés invitó Drahdiwaberl a grabar su LP. En realidad, Spiegel estaba interesado en firmar a Falco a quien había visto en un concierto y de quien quedó impresionado. Spiegel logró lo que quería y firmó a Falco por tres LPs y lo juntó con el productor Robert Ponger.

En el verano boreal de 1981 Ponger había compuesto una melodía para otro artista de Spiegel, pero éste la rechazó. Falco la escuchó y quedó encantado. Se llevó la cinta a casa y unos días apareció con las primeras estrofas del Comisario (Der Kommissar). Cuando en otoño la canción fue puesta en las radios se produjo un efecto de bola de nieve. Primero fue número uno en Austria, luego en Alemania, más tarde en toda Europa. En Canadá fue disco de Oro y su versión en Alemán fue número 72 en Estados Unidos, aunque la versión en inglés interpretada por “After the Fire” fue número tres.

La canción vendió la friolera de 7 millones de copias en todo el mundo. Este éxito inicial le valió el apodo del “Padrino blanco del rap”.

El álbum “Einzenhalf” fue puesto a la venta en 1982. El disco fue un éxito porque Falco logró manejar el sentimiento de la época, pero a la vez crear la música que vendría en los ochenta. Un año antes de su muerte diría: “Einzelhaft” fue una corazonada que se encendió como un incendio sin control. Fue mi mejor álbum.”

Luego de un año de gira por todo el mundo presentándose mayoritariamente en discotecas y acudiendo a entrevistas en las radios, Falco regresó completamente cambiado a su casa para darse cuenta que ahora era lugar de peregrinación de las chicas. Rápidamente debió mudarse a un departamento en una zona algo más exclusiva.

Tantos cambios provocaron que la vida de Falco/Hans Hölzel entrara en crisis con cierta frecuencia. Falco intentaba apagar las crisis con alcohol y como él lo dijo en su momento: “Los problemas de alcohol empezaron con el éxito y el dinero. Creeme, tenés un problema cuando tu éxito crece más rápido que tu alma.” El miedo a no alcanzar el reconocimiento de la gente con tu próximo disco se hizo cada vez más grande. La arrogancia con la que se dirigía a los periodistas era la forma de defenderse de esa amenaza que pendía sobre él.

La presión a la que se sometió provocó que “Junge Römer” de 1984 saliera tarde y no alcanzara el éxito que esperaba.

En un intento por frenar lo que parecía una caída libre grabó a dúo una canción con una estrella austriaca llamada Désirée Nosbusch. Falco quedó a disgusto con la producción, pero el disco alcanzó a vender bien, aunque no lo suficiente.

Falco empezó a deprimirse más y a desencajar cada vez más de la sociedad austriaca. La presión por sacar un nuevo disco lo llevó a cancelar giras y a consumir alcohol y drogas que lo estaban consumiendo vivo. Fue para entonces, en el año nuevo de 1985, que viajó a Tailandia con unos amigos y allí logró alejarse de toda la presión y alcanzar una cierta estabilidad que le ayudaría a encarar su nuevo LP.

Al llegar a Vienna lo primero que hizo fue cambiar de productor. Ahora trabajaría con los hermanos Rob y Ferdi Bolland. En esa época Mozart se había puesto de moda gracias a la película sobre el músico de Milos Forman. Esto inspiró a los hermanos Bolland a escribir la historia del músico austriaco en un tema pop.

Rock Me Amadeus se convirtió en el referente de la música alemana estableciendo nuevas marcas de venta y nuevos estándares de producción. El disco, Falco 3, puso a Falco en el estrellato internacional en 1985. Ahora Falco tenía una canción poderosa y una nueva arma: el video.

En el verano de 1985 durante una presentación en Graz conoció a Isabella Vtkovic, la esposa de un hombre 19 años mayor que ella. La atracción mutua fue tal que casi de inmediato se fueron a vivir juntos.

Al tiempo que su compañera quedaba embarazada él salía de gira por los países de habla germana de Europa con un éxito fenomenal. Ahí aprovechó para lanzar su siguiente sencillo “Vienna Calling”, detrás del cual vendría “Jeanny” que vendría acompañado por el escándalo debido a que un ciudadano alemán, cuyas hijas habían sido raptadas en Italia, se sintió ofendido llamó a boicotear la canción porque decía que la canción alentaba la violencia sexual.

Algunas emisoras respondieron el llamado, pero otras no y la canción despegó empujada por el escándalo al punto de vender 50 mil copias al día.

Rock Me Amadeus le había dado a Falco todo lo que necesitaba: popularidad, estabilidad, una familia y empuje creativo. Pero hubo algo que ni él ni nadie previó. En marzo de 1986 se convirtió en el primer músico austriaco en llegar al número uno de la lista Billboard bloqueándole la entrada a Kiss de Prince. A los 29 años Falco fue el primer germano hablante en ocupar esa posición.

“No estaba para nada feliz cuando escuché que era número uno en Estados Unidos porque sabía la carga que significaba. Me había tomado cinco años quitarme esa carga,” Comentó más tarde sobre el tema.

Además del sencillo en la cima de la lista, el álbum trepó hasta ser número tres y el video de Amadeus estaba en la alta rotación de MTV. La disquera norteamericana de Falco no se detuvo ante nada al mercadear el disco lo que expuso al artista en todas partes, hasta el punto que lanzaron un número gratuito para que la gente hiciera preguntas sobre Falco.

La resistencia de Falco a consolidarse como estrella por miedo a un futuro fracaso lo llevó a rechazar una gira promocional en Estados Unidos. Después de muchísima presión por parte de su disquera viajó a Nueva York y Los Ángeles en donde apareció en cuanto diario, radio y programa de televisión lo quiso tener. El éxito de Falco en Estados Unidos se frenó en seco cuando se negó a vivir en ese país. “Siempre tuve la oportunidad de mudarme a Estados Unidos. Pero no lo hice porque las cosas que más me gustan de la bandera norteamericana son las rayas rojas y blancas” decía en clara referencia a los colores de la bandera austriaca.

El éxito norteamericano vino acompañado del nacimiento de su hija a la que amó profundamente y en quien depositó la esperanza de encontrar estabilidad y consolidar su vida de familia. Pero debió vivir una doble vida: por un lado ser un hombre de familia y por otro ser una estrella internacional.

Esta dualidad y la renovada presión del “éxito” le llevó nuevamente a consumir alcohol, drogas y tabletas. “Tuve mi crisis de la mediana edad a los 28. Ahora tenés millones, pero no sabés donde es arriba y adonde es abajo; y hay una familia con una criatura y no tenés idea de por donde empezar”. Afirmó y agregó que “La época más difícil en mi vida fue cuando empecé a ganar dinero como nunca me lo había imaginado. El dinero arruina a la gente y arruinó mi vida por mucho tiempo. El dinero echa a perder el carácter, te crees el más grande.”

“Falco 3” también significó el final de su relación con el sello GIG y ahora, en la cima de su carrera, firmó el contrato mejor pagado a un artista de lengua alemana en la historia con Teldec.

Durante 1986 grabó su cuarto disco “Emmotional” que también fue producido por los hermanos Bolland, aunque fue el primer disco en el que él realmente se expresaba. Fue puesto a la venta en otoño.

En agosto de 1986 su esposa se marchó de casa con su hija. El carácter fluctuante de Falco terminó por cansar a la agobiada mujer, que luego de varios intentos de reconciliación dio la cosa por terminada.

Falco entonces se embarcó en una nueva gira mundial que incluyó Japón y Estados Unidos. En Japón la respuesta fue impresionante porque los chiquillos habían adoptado el “look” de Falco, en tanto en Estados Unidos los conciertos programados para enero, febrero y marzo de 1987 fueron cancelados porque el promotor los consideró económicamente riesgosos.

Después de casi un año dedicado a sí mismo Falco volvió con “Body Next to Body” en el que cantaba a dúo con la escultural modelo danesa Brigitte Nielsen. “Nunca quise llegar a las listas, solo quería acostarme con ella.” Y parece que se le cumplió porque la canción no sirvió para mucho, excepto para una noche en St. Tropez.

En 1988 luego de separarse de los hermanos Bolland y reconciliarse con ellos, Falco lanzó “Wiener Blut” (Sangre vienesa) que no alcanzó a vender bien y no despertó mayor interés en la gente lo que provocó que los conciertos europeos se cancelaran. En junio se casó en secretó con su ex compañera “por la niña”.

Después vino un período de altos y bajos que incluyó una desaparición por 4 meses que le llevó por todas partes del mundo tratando de rearmarse. El resultado fue que casi un año después de haberse casado se separó.

En 1990 intentó regresar a la esena musical con “Data de Groove”, pero no logró mayor impacto. Luego dejó Teldec y se fue a EMI y lanzó “Nachtflug” (Vuelo nocturno) que fue producido por los hermanos Bolland. Del disco se extrajo “Titanic” un sencillo preparado para ser éxito y que trepó inmediatamente en Austria hasta la cima. En 1993 salió de gira por Austria, Suiza, Alemania y Rusia pero presentándose en lugares pequeños y medianos. La gira fue exitosa, pero el éxito de antes no volvió.

En el otoño de ese año Falco se hizo una prueba de paternidad. Siempre había tenido dudas sobre ello, sobre todo porque la prensa amarilla especuló con ello desde el primer momento. El resultado fue devastador, Katharina no era su hija.

Esta noticia sumada al fracaso comercial de sus discos le recluyeron en su casa de campo en donde empezó a mezclar alcohol con medicinas psiquiátricas. Para tratar de salir del hueco empezó a componer un nuevo disco. Cuando se acercó a la disquera con algunas ideas la respuesta fue lapidaria “¿Y el techno?”.

Aunque nunca pensó en ese género grabó un tema bajo un seudónimo en 1995 que le valieron aparecer en las listas austriacas y germanas.

A Falco le encantaba el sol, las palmeras y el mar. Para él los largos inviernos austriacos se hacían cada vez más insoportables. Por eso empezó a mudarse a la República Dominicana. Impuestos más bajos ayudaron a tomar la decisión, aunque sabía que él no se iba a quedar allí para siempre por su amor a Austria. Se compró una villa en Puerto Plata.

En 1996 lanzó “Naked” producido por Torsten Börger, sería su último disco. En 1997 Claudia Wohlfromm, la esposa de su productor, se convirtió en su representante. Ella empezó a trabajar en renovar la imagen de Falco de cara al tercer milenio. Empezó a trabajar en “Egoisten” el disco que no pudo ser porque el 6 de febrero Falco falleció trágicamente a los 40 años cuando su auto chocó con un autobús en la República Dominicana.