jueves, 3 de mayo de 2012

The Small Faces


The Small Faces fueron el grupo mod por antonomasia, si los Who fueron un grupo que se hizo mod, los Small Faces eran unos mods que hicieron un grupo.

Los Small Faces se forman en 1965 y el grupo estaba formado por Steve Marriott (voz y guitarra), Ronnie Lane (voz y bajo), Jimmy Winston (teclados) y Kenny Jones (bateria).

En 1965 el grupo firma con el sello Decca y edita su primer single "What'cha Gonna Do About It" y es un exito llegando al número 14 de las listas inglesas, sin embargo el tema les trajo algunos problemas, ya que su base rítmica era similar al tema de Solomon Burke "Everybody Needs Somebody to Love". Su segundo sencillo "I've Got Mine" fué un fracaso en ventas y coincide también con la marcha de Winston que es sustituido por Ian McClagan.

En 1966 arrancan de forma imparable con el tema "Sha la la lee" que llegaría hasta el número 3 en listas. El grupo encadenaría una buena racha de exitos con temas como "All or Nothing" número 1, "Hey Girl" número 10 y "My Mind's Eye" número 3. En 1966 también editan su primer LP llamado Small Faces que contenía autenticas joyas como "Sorry She's Mine", "You Better Believe it" y otras.

En 1967 el grupo rompe con Decca y firman por el sello del manager de los Rolling Stones, Andrew Oldham: Inmediate Records. A partir de aquí las canciones toman un cariz mas orientado hacia el pop psicodélico, alejandose de sus raices soul. Su primer single en este sello fué "Here Comes the Nice" (número 12 en listas) y ya mostraba el nuevo sonido del grupo que se acrecentaría con el segundo LP llamado There Are But 4 Small Faces que contenía el single anteriormente citado, el tema cantado por Ronnie Lane "Green Circles" y otras maravillas.

El siguiente sencillo sería muy importante, porque con él, el grupo entraría en los 20 primeros de las listas de Estados Unidos, el tema es el clásico "Itchycoo Park", que también fué Top 5 en Inglaterra. A finales de año editan una demoledora pieza cargada de R&B y Soul llamada "Tin Soldier" y es otro exitazo.

En 1968 el grupo, siguiendo la moda de los discos conceptuales, editan la obra maestra Ogdens Nut Gone Flake, que los lleva al número 1 en la lista de LP's en Inglaterra. El LP contenía además, el inmortal tema "Lazy Sunday" que llegaría hasta el número 2 de los superventas. El album es una joya con temas del calibre de "Mad John", "The Journey", "Happines Stan" y otras gemas incluidas en ese maravilloso album conceptual y con aromas psicodélicos.

El último sencillo del grupo sería el formidable tema "The Universal" que llegaría hasta el número 16. Poco después Marriott abandona el grupo para formar Humble Pie y los restantes miembros continuan su carrera en los 70 como The Faces, incorporando al futuro Stone Ron Wood a la guitarra y de cantante a Rod Stewart, pero eso es otra historia.

The Standells


La escena garagera americana de los 60 está plagada de nombres destacables: The Chocolate Watchband, The Wailers, The Seeds, Shadows Of Knight, Question Mark and The Mysterians, etc. Entre todos estos nombres sobresale el de The Standells, uno de los máximos exponentes del Garage-Punk californiano, si bien poco tenían de punkies, porque sus grabaciones recibían una cuidada producción. Pero bueno, matices aparte, vayamos al grano...

El núcleo de los Standells lo encontramos a principios de la década, cuando el teclista Larry Tamblyn, el cantante y guitarra Tony Valentino, el bajista Gary Lane (reemplazado por Dave Burke, que a su vez sería sustituido por el futuro componente de Love: John Fleck) y el batería Gary Leeds (reemplazado en el 63 por Dick Dodd, que finalmente acabaría como cantante solista) se dedicaban a ir de club en club tocando "Louie, Louie" y demás clásicos del rock'n'roll.

Después de publicar algunos singles y LP's, aparecer en algún que otro programa televisivo (en Los Munsters por ejemplo) y hacer sus pinitos en el cine (en las pelis Zebra in the kitchen y Get Yourself a College Girl), los Standells contactaron con el productor/compositor Ed Cobb. Esto significó el gran salto adelante para la banda. Los Standells dejaron de lado su imagen amable y limpia, y se transformaron en unos Rolling Stones a la americana, dispuestos a espantar a todas las mamás del país.

A finales de 1965, gracias a Cobb, los Standells publicaron "Dirty Water" en el sello Tower (de la Capital Records). El éxito fue brutal, y en julio del 66 "Dirty Water" se encontraba en el número 11 del Billboard. La canción, escrita por Cobb, era toda una demostración de saber hacer standelliano, con un riff pegadizo y un sonido muy Rolling Stone. Gracias a este éxito, los Standells fueron los teloneros de la gira de Sus Satánicas Majestades en ese mismo año.

Con una imagen de bad boys ya consolidada, la banda tenía las puertas abiertas: aparecieron en la película Riot on Sunset Strip (en la que aparecían también los Chocolate Watchband) y pudieron publicar varios LP's (en el 66 publicarían tres: Dirty Water, Why Pick On Me y Hot Ones).

Cobb fue sin duda el que más aportó a la banda, componiendo joyas como la rebelde "Sometimes Good Guys Don't Wear White", la imprescindible "Rari" o la provocativa "Have You Ever Spent The Night In Jail", auténticos himnos del garage.

En el 67 aparecería el sencillo "Try It", quizás su obra más redonda y un éxito inmediato en Los Angeles (y luego incluido en el cuarto y último LP de la banda, Try It) que fue censurado rápidamente por sus connotaciones sexuales (la letra era vista como una incitación de un chico a su novia para que perdiera la virginidad).

"Try It" sería el último gran éxito para los Standells, que con la llegada de la generación Woodstock se veían desplazados musicalmente. La formación -que nunca había sido estable, siempre con gente de aquí para allá- se vería afectada profundamente por la salida de Dodd en el 68, año en el que publicarían su último sencillo, "Animal Girl" (que sonaba a todo menos a Standells). Poco después, y bajo el seudónimo de The Sllednats, sacaban al mercado el olvidable sencillo "Don't Tell Me What to Do". Finalmente, ya a principios de los 70, la banda desapareció.

La falta de planificación a la hora de publicar material y el repetir demasiadas veces la misma fórmula son quizás dos de los factores que hicieron que los Standells no alcanzaran la popularidad que se merecían. Hoy en día quizás están un poco sobrevalorados dentro de la escena garage, pero lo que no se puede negar es la calidad de diamantes en bruto como "Dirty Water" o "Barracuda", canciones por las que no pasa el tiempo.

The Velvet Underground


La banda de culto por excelencia de los sesenta, The Velvet Underground, tuvo una existencia efímera pero ni mucho menos intranscendental, pues su música fue y es una fuente de inspiración constante para numerosos artistas.

A años luz de las bandas contemporáneas, la Velvet sentaría las bases de movimientos como el glam, el punk o la new wave, además de ser el trampolín de una de las figuras más influyentes del rock, Lou Reed.

Reed había sentido la llamada de la música desde muy pequeño, y ya a finales de los 50 había publicado un single con su primera banda, The Shades, orientada al doo-woop y al R&B. En la universidad entraría en contacto con movimientos de carácter vanguardista, e iría adentrándose a su vez en el mundo de la poesía.

Poco después de graduarse, a principios de los 60, Reed pasaría a formar parte de la plantilla de compositores de la Pickwick Records, donde conocería al otro motor de la Velvet, John Cale, un joven galés que había acudido a los Estados Unidos para dedicarse en cuerpo y alma a la música, y que soñaba con una fusión de las tendencias más vanguardistas con el pop-rock más tradicional.

La mente de Reed también bullía, con lo que los dos músicos conectarían de inmediato y no tardarían en buscar a gente para poner en marcha un proyecto que plasmara las ideas del dúo. El primer paso fue la formación de The Primitives, combo que se desintegraría enseguida pero que llegaría a publicar un single ("The Ostrich", una composición que databa de los tiempos de Reed en la Pickwick).

Ya en 1965, el batería Angus MacLise y el guitarrista Sterling Morrison se unirían a Reed y Cale para formar The Velvet Underground. Reed ejercía el papel de guitarrista y vocalista, mientras que Cale se encargaba del bajo, los teclados y la viola. El nombre de la banda había sido idea de Morrison, inspirándose en el título de una novela erótica barata de dudoso gusto. Angus dejaría las baquetas poco antes del primer concierto remunerado de la banda, pues según él el arte no tenía precio, con lo que Maureen Tucker - ¡sí! ¡una mujer!- tomaría el relevo.

Con un complejo estilo sólo aceptado por los círculos más undergrounds de New York, las posibilidades comerciales de la banda eran más que dudosas, pero el gurú del Pop Art, Andy Warhol, se encargaría de ejercer de mecenas. A finales del 65, Warhol había pasado a ser el productor de la Velvet, que se convertiría en una de las grandes atracciones de la Factory.

En la primavera del 66 la banda se metía en el estudio para grabar su primer LP, que no aparecería hasta un año después en el mítico sello de jazz Verve. El papel de Warhol como productor fue bien limitado, dando carta de libertad en el plano musical pero imponiendo la presencia de Nico, una misteriosa cantante venida de Europa que no sería apreciada del todo por la banda.

The Velvet Underground And Nico, publicado en enero del 67, era un álbum muy adelantado a su tiempo, complejo y difícil de asimilar, pero que hoy en día es reconocido como uno de los discos más cruciales e influyentes de la década. Con una temática lírica que gira en torno al sexo, las drogas y la marginalidad, el LP de debut de la banda de Reed y Cale alterna las baladas cantadas por Nico con furiosos temas proto-punk donde reina la distorsión guitarrera. Dentro de este segundo grupo se encuentra "Heroine", una épica oda a la droga favorita de Reed que se convertiría en la composición más recordada del genial cuarteto neoyorquino. El R&B de corte más clásico de "There She Goes Again", el agresivo garage de "Waiting For The Man" o la melódica "Sunday Morning" son otros puntos fuertes de este imprescindible trabajo que, previsiblemente, sería ignorado por el gran público, alcanzando la posición 171 en las listas, la más alta a la que llegaría nunca un LP de la Velvet.

Después de la publicación del disco Nico abandonaría el proyecto (o sería despedida) para embarcarse en una carrera en solitario, mientras que la relación de la banda con Warhol se iría enfriando hasta apagarse del todo. Sin embargo, tras una pequeña gira, el cuarteto neoyorquino volvía al estudio para grabar White Light / White Heat, un LP aún más inaccesible que el anterior, que sería publicado en noviembre del 67. Si la tendencia general era la psicodelia, el amor libre y las flores, la Velvet iba totalmente a contracorriente con este álbum extremadamente crudo y ruidoso. "Sister Ray", el memorable tema que cierra el LP, ofrece una brutal descarga de sonidos desgarradores durante más de 17 minutos, mientras que canciones como "Lady Godiva's Operation" o la visceral "The Gift" siguen demostrando la madurez como compositor de Reed. Una vez más, el mercado daría la espalda a la música de la Velvet, que pronto daría un nuevo giro...

En verano del 68 la situación entre Reed y Cale era insostenible, y la lucha de egos amenazaba con poner punto y final a la prometedora carrera del grupo. Finalmente, Tucker y Morrison se pondrían del lado de Reed dando lugar a la desairada salida de Cale, que sería sustituido por Doug Yule.

Ya en 1969 aparecía The Velvet Underground, el tercer trabajo de Reed y compañía, que era la antítesis total de White Light. El experimentalismo se había marchado con Cale, y si antes reinaba la distorsión ahora era el turno de la calma y el intimismo. Una buena muestra de ello eran temas como "Candy Says" o "I'm Set Free", donde Reed nos muestra su lado más romántico y personal.

Poco después de la publicación del LP la MGM (propietaria de Verve) iniciaba una purga de bandas relacionadas con las drogas, con lo que la Velvet ya se veía con un pie fuera del sello discográfico. No obstante, el cuarteto grabaría mucho (y aceptable) material que no vería la luz de forma oficial hasta bien entrados los 80.

El siguiente paso fue contactar con la Atlantic, una compañía que abarcaba un mercado inmenso, con lo que la posibilidad de que el éxito sonriera a Reed y los suyos era más cercana que antes. Sin embargo, los problemas volvían hacer acto de presencia, pues Tucker se tendría que ausentar durante una temporada por su embarazo. Por otro lado, los directivos de la Atlantic presionaron a Reed para que adentrara en un terreno más comercial y se olvidara de las canciones relacionadas con sexo, drogas y violencia. Así nació el cuarto LP de la banda, Loaded (1970), que guardaba pocas similitudes con trabajos anteriores. Tucker había sido relevada por el hermano de Yule, Billy, mientras que el sustituto de Cale había reclamado un mayor protagonismo en la banda, y llegaría a sustituir a Reed en el rol de cantante en varias canciones.

Sin embargo, Loaded no deja de ser un excelente álbum, que además demuestra que la Velvet también podía ser comercial sin perder personalidad, tal y como atestiguan los dos temas más populares del álbum, "Sweet Jane" y "Rock & Roll".

Sin embargo, en verano del 70, poco antes de la publicación de Loaded, Reed abandonaba repentinamente el grupo para iniciar una prometedora carrera en solitario. La Velvet se quedaba sin su cerebro, pero ahí no acabaría su carrera. Doug Yule decidió continuar a pie de cañón, mientras que Morrison y Tucker abandonaban al poco de la marcha de Reed. La falsa Velvet liderada por Yule publicaría un LP en el 73, Squeeze, que lógicamente quedaba a años luz del material editado en la época de Reed y no merece ser tenido en cuenta.

Ya en los 80, la Velvet sería reivindicada por músicos, público y crítica, que ahora se daban cuenta de la enorme influencia que había ejercido la banda en movimientos posteriores. Por otro lado, las sólidas carreras en solitario de Reed, Cale y Nico también propiciarían este revisionismo que llevaría a una reunificación de la banda original (con la excepción de Nico, fallecida en 1988) a principios de los 90.

Después de una gira por Europa y un álbum en directo y poco antes del salto a los Estados Unidos, volvían las viejas rencillas: Reed y Cale tropezaban con la misma piedra y ponían un triste punto y final al proyecto. Desgraciadamente, la muerte de Morrison en 1995 contribuiría en gran medida a dejar de lado la idea de una futura reunificación de uno de los grupos más trascendentales de la historia del rock.

miércoles, 2 de mayo de 2012

The Rip Chords


The Rip Chords quizás puedan ser etiquetados dentro la categoría de One Hit Wonders debido a su éxito de 1964 "Hey Little Cobra" o también pueden ser mencionados como uno de los grupos sobresalientes dentro de la categoría musical Hot Rod, una variante de la Surf Music basada en los coches de alta velocidad; pero un enigma se presta siempre que se habla de los Rip Chords: ¿fueron una banda real o fueron simplemente un grupo de estudio controlado por productores y arreglistas?.

Ernie Bringas y Phil Stewart se conocen en el Instituto (Los Angeles) en 1957, su pasión por la música pronto les hace conectar y deciden formar un dúo; después de 5 años, en 1962 el sello Columbia les ofrece un contrato de grabación, algo a lo que el dúo (que ya había adoptado el nombre de The Rip Chords) acepta encantado; La compañía les asigna como productor a un jóven talentoso llamado Terry Melcher (hijo de la famosa actriz Doris Day).

Su primer sencillo sale a la luz a principios de 1963 y sería el tema "Here I Stand" que conseguiría un discreto éxito llegando al puesto 51 de los charts yankees.

En su siguiente sencillo "Gone", Melcher llamaría a un amigo suyo, un talentoso vocalista y compositor llamado Bruce Johnston, el cual se uniría a los Rip Chords. Sin embargo "Gone" cosecharía incluso peores ventas que su anterior single y se estancaría en el puesto 88 de Billboard.

Poco después, Bringas decide abandonar el grupo para proseguir sus estudios, pero Melcher recluta para la formación a Ritch Rotkin y Arnie Marcus, sin embargo hay que decir que estos dos individuos fueron contratados sólo para las actuaciones en directo, una vez dentro del estudio no tendrían ni voz ni voto, un estudio que poco a poco estaba monopolizando Melcher, y Johnston produciendo, cantando y componiendo la mayoría de los temas, incluso Stewart, el miembro original de la formación, comenzaba a ser un mero asistente en el estudio de grabación.

Llgados a este punto, Melcher descubre una canción llamada "Hey Little Cobra" de la cual intuye su gran potencial y decide grabarla, el tema es grabado totalmente en solitario por Melcher y Johnston haciendo todos los arreglos vocales y mezclando las voces, aún así el tema se edita a finales de 1963 bajo el nombre de The Rip Chords, algo totalmente paradójico ya que ninguno de los miembros oficiales de la banda habían participado en la canción. "Hey Little Cobra" con sus vibrantes armonías vocales muy en la onda de los primerizos éxitos de los Beach Boys y Jan & Dean, se convirte en un verdadero éxito y en Febrero de 1964 llega a la cuarta posicíon de las listas americanas.

Envalentonados con el éxito del tema, editan a principios del 64 su primer álbum llamado Hey Little Cobra and Other Hot Rod Hits; el disco fué grabado en su totalidad por músicos de sesión como Glen Campbell, Leon Russell o Jack Nitzsche entre otros, mientas que el apartado vocal todavía sigue siendo hoy un misterio, ya que Ernie Bringas (que había retornado al grupo) y Eric Stewart afirmaban haber cantado en la mitad de los temas del LP y Melcher y Johnston en la otra mitad, mientras que estos dos últimos afirmaban que el disco en su totalidad había sido grabado solo por ellos dos mezclando las voces; misterios de este tipo aparte, el disco no tiene prácticamente desperdicio y es una buena muestra de vibrantes y excitantes armonías surf con unos jugosos arreglos instrumentales; canciones de la talla de "The Queen", "She Thinks I Still Care", "Trophy Machine" o "Ding Dong" junto con versiones de Jan & Dean y los Beach Boys hacen de este, un disco obligado para los buenos amantes de la surf music.

A mediados de año editan otro single ambientado en el mundo de los coches "Three Window Coupe" (número 28 en Billboard) y poco tiempo después editan su segundo LP llamado igual que su reciente single Three Window Coupe, el álbum que seguía las premisas del anterior, estaba otra vez dominado por Melcher y Johnston y contenía temas muy interesantes como "Summer USA", "Big Wednesday", "Surfin' Craze", "This Little Woodie" y sobretodo la bellísima canción "Beach Girl", una emotiva balada donde las voces de Terry y Bruce alcanzan su punto culminante; aun tratandose de un disco muy aprovechable ya no sonaba tan fresco como su álbum anterior.

A finales de año editan lo que sería su ultimo single "One Piece Topless Bathing Suit" (número 96 en Billboard) y a principios de 1965 saldrían en la pelicula A swingin' Summer, un film de corte músical donde también actuaban grupos como Gary Lewis & The Playboys o los Righteous Brothers.

Poco después, la banda se disolvía; Terry Melcher se dedicaría a ser productor de bandas como The Byrds o Paul Revere & The Raiders, mientras que Bruce Johnston se uniría a los Beach Boys primero para sustituir a Brian Wilson en las actuaciones en directo, y ya después para convertirse en miembro oficial a todos los efectos.

The Who


Esta mítica banda británica nació en Londres bajo el nombre de The Detours en 1963, aunque ya en 1964 adoptarían el nombre de The Who. La banda estaba formada por Pete Townshend (guitarra, voz y el principal compositor), Roger Daltrey (voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería). Todos los componentes procedían del Shepherd's Bush, uno de los barrios más duros de Londres. Durante un breve periodo de tiempo los Who pasarían a llamarse The High Numbers (bajo este nombre publicarían el sencillo de temática Mod "I'm The Face If You Want It"), pero a finales del 64 volverían a utilizar el nombre que les llevaría a la fama.

Los Who fueron apadrinados por Pete Meaden, productor musical y uno de los hombres claves del movimiento Mod. Así, gracias al olfato comercial de Meaden, los Who se convirtieron de la noche a la mañana en una banda Mod, y la verdad sea dicha, el truco funcionó. Las camisetas y americanas Pop-art, las dessert boots, los cuidados cortes de pelo, las flechas y las dianas se verían asociadas a la imagen de la banda a partir de entonces. La salvaje manera de tocar de Moon, la jamesbrowniana voz de Daltrey, el explosivo bajo de Entwistle y el destructivo estilo de Townshend a la guitarra harían el resto.

En enero del 65, bajo la batuta del legendario productor estadounidense Shel Talmy, los Who publicaron el exitoso sencillo "I Can't Explain", un poco disimulado intento por parte de Townshend de imitar los riffs de los Kinks. En ese mismo año se publicaría la canción que significaría el lanzamiento absoluto de la banda: "My Generation" (con "Shout And Shimmy" como cara B), el himno Mod por antonomasia y una de las mejores canciones de la década. Este devastador single llegaría al número 2 de las listas (la posición más alta a la que llegarían los sencillos de los Who). En el 65 aparecería también el primer LP de la banda, The Who Sings My Generation, una pequeña joya cargada de buen Soul y Rhythm'n'Blues que contiene clásicos como la deliciosa "The Kids Are Allright", el instrumental surfero "The Ox" o la potente "Out In The Street".

En el 66 los Who adquirirían una orientación más Pop, alejándose de la música negra que había servido como fuente de inspiración en los primeros trabajos. Joyas como los sencillos "Happy Jack" o "I'm A Boy" son una muestra de este nuevo sonido de la banda, también reflejado en el segundo LP, el espléndido A Quick One, que contenía la primera mini-ópera compuesta por Townshend ("A Quick One While He's Away") y dejaba entrever el talento musical de Entwistle en composiciones como "Boris The Spider" o "Whiskey Man".
 
Ya en el 67, los Who se dejarían influir profundamente por la psicodelia, tal y como se ve en el imprescindible The Who Sell Out, indudablemente uno de los mejores discos del año. The Who Sell Out fue gestado como un homenaje a las emisoras piratas de mediados de los sesenta, e incluía jingles propios de la radio intercalados entre canción y canción, dando una gran unidad al disco. Son dignas de mención composiciones como "Tattoo", "I Can See For Miles" (publicado como sencillo) o "Mary Anne With The Shaky Hand" (con alusiones a la masturbación), si bien todo el disco en sí no tiene desperdicio alguno.

Ya en el 69 llegaría el doble LP Tommy, compleja ópera-rock aclamada por crítica y público que significaría la consagración de Townshend como compositor. Tommy, que sería llevada al cine poco después con el mismo Daltrey como protagonista, narraba a lo largo de 24 canciones la extraña historia de un niño que se volvía ciego, sordo y mudo por persuasión, una parábola influida por la figura de Meher Baba, el gurú espiritual de Townshend.

En los 70 los Who continúan en plena forma, y Live At Leeds es la muestra. Este LP, grabado durante la gira de promoción de Tommy, se erige como uno de los mejores directos de la historia, y permite apreciar la dureza de la banda por aquella época. Pero la banda aún tenía balas en la recámara, y Who's Next (1971) sirvió para encumbrar ya definitivamente a Townshend y compañía. Con este LP se había llegado a un nivel insuperable, que sólo rozaría la ópera-rock Quadrophenia (1973), doble LP que narraba la historia de un Mod a mediados de los sesenta.

Trabajos como The Who By Numbers o Who Are You ya no desprendían la calidad de Who's Next, y la muerte por sobredosis de Moon en el 78 significaría prácticamente el fin de la banda (reunida de vez en cuando para realizar la correspondiente gira conmemorativa), algo a lo que también contribuiría la carrera en solitario emprendida por Townshend.

Booker T & the MG’s


¿Qué tienen en común Wilson Pickett, Carla Thomas, Otis Redding y Sam and Dave? Sí, que son negros y que grabaron para la gran discográfica Stax. Pero, además, que contaron con el apoyo de Booker T & the MG’s, una de las grandes bandas instrumentales de los 60.

Los dos grandes pilares de este grupo interracial formado en 1962 fueron Booker T. Jones, un organista que se había dejado los dedos en decenas de sesiones de la Stax desde los primeros 60, y Steve Cropper, un guitarrista que ya había saboreado las mieles del triunfo con los Mar-Keys, la primera banda instrumental de la discográfica sureña y un referente estilístico para los MG’s. El batería Al Jackson y el bajista Lewis Steinberg serían las otras dos piezas que completarían el combo. Este último no llegaría a cuajar en la banda, y a los dos años sería reemplazado por otro histórico de la casa: Donald “Duck” Dunn, que no sólo era un reputado músico de sesión, sino que también había formado parte de los Mar-Keys.

Lo de Booker T & the MG’s fue llegar y besar el cielo. En octubre de 1962 aparecía su primer sencillo: “Green Onions”/”Behave Yourself”. Editado primero en Volt e inmediatamente después en Stax, el disco arrasó en las listas de Rhythm & Blues, alcanzando la primera posición y manteniéndose ahí arriba durante 15 semanas. En las listas de música pop también funcionaría de fábula, con un excelente Top 3. Nadie se había podido resistir al pegadizo ritmo de esta atmosférica pieza nacida en una improvisación en el estudio. En este estándar del R&B están presentes todos los elementos que hicieron grandes a los MG’s: los económicos riffs de Cropper, el sincopado ritmo de Jackson y, sobre todo, la genial melodía de órgano de Booker T.

En Stax no tenían un pelo de tontos, así que después de este gran éxito publicaron rápidamente un LP titulado, evidentemente, Green onions. Imprescindible en cualquier discoteca, el disco incluía algún original excelente (“Mo’Onions”) y muchas versiones en el inconfundible estilo MG’s de hits de la época: “Twist and Shout”, “I Got a Woman”, “Comin’ Home Baby”, “One Who Really Loves You”…

Ya en 1963, el grupo siguió publicando sencillos, si bien con resultados más que discretos. Editado en marzo de ese mismo año, Soul dressing fue el segundo álbum de la banda, y en esta ocasión se incluían más composiciones propias. Entre 1964 y 1965 el grupo editó cuatro sencillos más, algunos del calibre de “Boot-leg” y “Be My Lady”, pero el éxito de “Green Onions” quedaba lejos. Sin embargo, el fracaso comercial no se correspondía ni mucho menos con la calidad de esas composiciones, muchas de ellas recuperadas en años posteriores por los combos británicos de R&B.

Tras dos LPs más (And now y In the Christmas spirit), el combo se planta en febrero de 1967 con un sencillo que vende muy bien: “Hip-Hug Her”/”Summertime”. Desde entonces y hasta el final de la década, los MG’s vivirían una segunda época dorada, encadenando una serie de discos exitosos: “Groovin’”, “Soul Limbo”, “Hand’em High”, “Time is Tight” y “Mrs. Robinson” entrarían sin problemas en el Top 40. Paralelamente, aparecían nuevos álbumes más que recomendables, como Hi-hug her, Doin’ our thing o Soul limbo.

Ya en los setenta, los componentes del combo tenía serias dificultades a la hora de coincidir en el estudio de grabación. Así, Booker T y compañía decidieron poner fin a su aventura en 1971, después de publicar un nuevo sencillo de éxito, “Melting Pot”/”Kinda Easy Like”. En 1975, el grupo se reunió otra vez para trabajar en un nuevo álbum, que se frustró con la trágica muerte de Al Jackson, asesinado en su casa por un ladrón. Desde entonces, el resto de componentes de los MG’s han seguido en la brecha, trabajando para otros músicos o en giras esporádicas.

martes, 1 de mayo de 2012

The Creation


Cuando las enciclopedias hablan de la escena Mod de los años 60, siempre nos topamos con dos nombres: los Who y los Small Faces. Sin embargo, los Creation siempre han quedado relegados injustamente a un segundo plano, recordados sólo por los acérrimos seguidores de la escena.

El embrión de los Creation lo encontramos en The Mark Four, un grupo formado a finales del 63 y en el que tocaban Eddie Phillips (guitarra solista), John Dalton (bajo y futuro componente de los Kinks), Jack Jones (batería), Mick Thompson (guitarra rítmica) y Kenny Pickett (voz). En principio el repertorio de los Mark Four se basaba en Rock'n'Roll y algo de beat, pero con el tiempo irían adentrándose en terreno del Rhythm'n'Blues y el sonido Mod.

Después de unos cuantos singles llegó el cambio: Tony Cooke (que había sustituido a Dalton) fue reemplazado por Bob Garner, mientras que el nombre de la banda pasó a ser The Creation, un nombre más acorde con la imagen modernista que se quería transmitir. El siguiente gran cambió fue la aparición del mítico productor Shel Talmy, que buscaba grupos para su nuevo sello discográfico, Planet.

En junio del 66 aparecería el primer sencillo de los Creation, una verdadera joya. La cara A, "Making Time", sigue siendo una auténtica demostración de fuerza y vitalidad, en la que se puede apreciar la peculiar técnica de Phillips, que tocaba la guitarra como si de un violín se tratara (algo que sería copiado más tarde por Jimmy Page). La cara B contenía la excelente "Try and Stop Me". Sin embargo, el público no parecía preparado para el peculiar sonido Pop Art de los Creation, con lo que el single sólo llegó al número 49 de las listas.

En agosto de ese mismo año Jones dejó las baquetas por problemas con Pickett, y Dave Preston entró en su lugar. Sin embargo, después de tres semanas Preston fue despedido por sus borracheras, con lo que Jack Jones volvió de nuevo (si bien guardaba todavía mucho rencor a Pickett).

En octubre del 66 apareció un nuevo sencillo, un auténtico himno Pop Art que sería versionado en los 70 por Boney M (ugh!): "Painter Man". El disco (con la agresiva "Biff Bang Pow!" como cara B) llegó al número 2 en las listas alemanas, pero en el Reino Unido no cuajó y se quedó en una discreta posición 36 en las listas. Por desgracia, parecía cumplirse el dicho de que nadie es profeta en su tierra.

A principios del 67 se dio un cambio importante en la formación, pues Bob Garner empezó a adueñarse del micro en los ensayos a espaldas de Pickett, en los que también intervenía Kim Gardner (bajo de los Birds). Kenny Pickett, furioso por esta traición, abandonó la banda sin pensárselo dos veces. Así, se rompía el gran tándem compositor de Pickett/Phillips.

Después de un exitoso tour por Austria y Alemania (donde la banda era mucho más apreciada que en Gran Bretaña) aparecieron nuevos sencillos, ahora compuestos por Garner y Phillips. Destaca sobre todo la emotiva balada "If I Stay Too Long", que aparecería en julio del 67 (pasando desapercibida, por supuesto) y en la que Garner demostraba que podía cantar igual, o incluso mejor, que Pickett.

Vistos los éxitos cosechados en Alemania, la banda comenzó a centrarse en ese mercado, publicando el LP We Are Paintermen, que recogía la mayoría de material editado hasta la fecha. Después vendrían sencillos con ecos beatlenianos y una producción más cuidada, como "How Does It Feel to Feel" (inspirado en un verso del "Like Rolling Stone" de Dylan) o "Life Is Just Beggining". Justo después de este último sencillo, Phillips anunciaría su intención de apartarse de los escenarios, con lo que el final de la banda ya se adivinaba. Sin embargo, se buscó explotar el filón al máximo, así que el ex- Bird y futuro Face y Rolling Stone Ron Wood pasó a ser el guitarra solista, mientras que Kenny Pickett volvía para ocupar de nuevo su sitio como cantante. Sin embargo, el experimento no duraría mucho más, y después de una gira por Europa y unos cuantos singles los nuevos Creation se acabarían separando en abril del 68.

Con el tiempo, han habido algunos tímidos intentos de reunir en algunos conciertos a los antiguos miembros de los Mark Four y los Creation (en el 95 se llegarían a reunir Phillips, Pickett, Garner y Jones), pero la trágica muerte de Kenny Pickett en enero del 97 pondría el punto y final a la historia del grupo.

En definitiva, pese a haber sido un grupo marcado por los constantes cambios de formación, fricciones internas e incomprensibles fracasos comerciales, los Creation fueron capaces de producir una música espléndida, y merecen ser recordados junto a los grandes de la escena Mod, de la que fueron un auténtico referente.