Ringo Starr

Richard Starkey MBE (Liverpool, 7 de julio de 1940), más conocido como Ringo Starr, es un músico (cantante y compositor) y actor británico, reconocido por haber sido el baterista de The Beatles. De los cuatro miembros del grupo, fue el último en incorporarse a la formación definitiva. Le llaman así porque siempre usa anillos, aunque en una entrevista dijo: "Lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan".
En una entrevista, Phil Collins declaró: "Yo creo que Ringo Starr no ha sido bien valorado en su papel de baterista. Desafío a cualquiera de nosotros a tocar la batería como hace Ringo en 'A Day in the Life'.
Ringo Starr nació en el seno de una familia trabajadora el 7 de julio de 1940 en el 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio portuario de Liverpool, Inglaterra. Sus padres, Elsie Gleave y Richard Starkey, prontamente se divorciaron, quedando el joven al cuidado de su madre. Ambos se mudaron al 10 de Admiral Grove, a la vez que su madre alternaba distintos trabajos para subsistir.
Ingresó en la escuela de St. Silas, pero a los 6 años se vería obligado a abandonarla debido a una grave peritonitis. Permaneció en coma durante dos años y diez semanas en el hospital. A los trece, después de que su madre contrajera matrimonio con Harry Greaves, un resfriado se convirtió en pleuresía, lo que le obligó a ser ingresado en el Myrtle Street Hospital, donde permaneció hasta 1955.
Su ausencia del aula le dificultó el aprendizaje, por lo que a su salida apenas sabía leer y escribir. Trabajó, gracias al apoyo de su padrastro, para la British Rail de Inglaterra como mensajero, aunque a las seis semanas fue despedido por no pasar el examen médico. Poco después, Harry Greaves logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica local llamada H. Hunt & Son.
Pese a todo, y debido al auge del skiffle, la mayor afición de Ringo era la música. Durante su estancia en el hospital, aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. A su salida de éste, Harry Greaves le compró una batería de segunda mano. Tocó para algunas bandas locales: primero en bailes junto a Eddie Clayton y más tarde con The Darktown Skiffle Group, aunque alcanzó cierta reputación en el grupo Rory Storm & The Hurricanes, donde cambió su nombre por el de Ringo Starr (Ringo debido a los numerosos anillos que usaba, y Starr para anunciar su solo de batería como Starr Time).
En otoño de 1960, y después de numerosos conciertos en su Liverpool natal, Ringo, junto a Rory Storm and the Hurricanes, tocó en Hamburgo, Alemania, donde conoció a The Beatles. En varias ocasiones sustituyó a Pete Best a la batería debido a su ausencia, y entabló una fuerte amistad con el resto de la banda.

En 1962, The Beatles consiguen su primer contrato discográfico con Parlophone gracias a la ayuda de Brian Epstein y George Martin. Pese a todo, a George no le gustaba el ritmo de Pete Best a la batería, por lo que propuso sustituirle por el mejor baterista de Liverpool. Llamó a Ringo, preguntándole si quería unirse a la banda. A George no se le dijo que Ringo iría, por lo cuál se le reemplazó aquel dia por un profesional llamado Andy White. A pesar de las reticencias, finalmente contó con el apoyo de George Martin e ingresó oficialmente en el grupo.
A pesar de ser zurdo, Ringo toca una batería para diestros. Su tendencia a dirigir el ritmo con su mano izquierda contribuyó al distintivo estilo de tocar la batería de Ringo.
John Lennon dijo de Ringo:
Ringo era un estrella en su justa medida en Liverpool, antes de que le conociéramos. Por entonces era un baterísta profesional que tocaba y cantaba, tenía su propio espectáculo y estaba en uno de los grupos más importantes de Gran Bretaña pero especialmente de Liverpool... Ringo es un muy buen músico.
Por su parte, Steve Smith dijo de él:
Antes de Ringo, los bateristas seguían el ritmo con su habilidad y su virtuosismo. La popularidad de Ringo trajo un nuevo paradigma en la forma de que el público veía la batería. Comenzamos a ver al batería como un participante igualado en todos los aspectos de la composición. Una de las mejores cualidades de Ringo era que componía la pista de la batería con un estilo único para las canciones de los Beatles. Las partes de la batería suponían una firma tan personalizada que podías escuchar a Ringo sin el resto de la música e identificar de inmediato la canción.
Muchos bateristas, entre ellos Max Weinberg, de la E Street Band, Dave Grohl, de Nirvana, Danny Carey, de Tool, Liberty deVitto de la banda de Billy Joel, Phil Collins y Mike Portnoy, han reconocido la influencia de Ringo a la hora de tocar la batería.
Según Phil Collins:
Starr es enormemente menospreciado. La pista de batería en "A Day in the Life" tiene cosas muy complejas. Puedes contratar a un buen baterísta hoy en día y decirle: "Quiero que lo toques como tal", y no sabrá cómo hacerlo.
En su extenso estudio sobre las sesiones de grabación de The Beatles, Mark Lewisohn confirmó que Ringo era hábil y notablemente formal. Según el autor, a lo largo de ocho años de sesiones hubo menos de una docena de ocasiones en la que tuviera que interrumpirse la grabación por un error de Ringo, recayendo la mayor parte de los errores en los otros tres componentes de The Beatles.
Ringo es asimismo considerado por introducir aspectos modernos en las técnicas de la batería, como es la forma de coger las baquetas por ambas manos de la misma manera, a diferencia de la forma tradicional en la que ambas eran cogidas de manera diferente, o el aspecto de emplazar el instrumento en una plataforma para hacerlo más visible de cara al público.
Existen dos canciones donde Ringo es reconocido por su labor como batería: en "Rain", por su ensincronización con el bajo de Paul McCartney, y en "She Said, She Said", por la forma de cubrir sin inconvenientes el cambio de compás de 3/4 a 4/4.
Tanto John Lennon como Paul McCartney y George Harrison han reconocido, a modo de halagos y de compañerismo, a Ringo como el mejor batería del mundo. Durante la grabación del Álbum Blanco, McCartney sustituyó a Ringo en las canciones "Back in the U.S.S.R." y "Dear Prudence" tras la salida de Ringo debido a su disgusto por las crecientes tensiones entre los miembros del grupo y por el tiempo que tenía que pasar abandonado en el estudio mientras sus compañeros no le requerían para la batería. Pasó dos semanas con el actor Peter Sellers en su yate, cerca de Grecia, donde escribió la canción "Octopus' Garden". Lennon mandó telegramas a Ringo, y Harrison llenó el estudio de flores para agasajar a Ringo en su vuelta a Londres. Asimismo, el 31 de enero de 1969, un día después del último concierto ofrecido por el grupo en la azotea de Apple Studios, McCartney mandó una postal a Ringo diciendo textualmente: "Tú eres el mejor batería del mundo. De verdad", estás palabras quedaron plasmadas en el libro de Ringo Postcards From The Boys.
McCartney también tocó la batería en el tema "The Ballad of John and Yoko", grabado el 14 de abril de 1969 exclusivamente junto a John Lennon. Ringo comentó en ese aspecto que tenía suerte de 'estar rodeado por tres baterías frustrados' que sólo podían tocar con un único estilo.
Ringo generalmente cantó al menos una canción por cada álbum de estudio, como parte de un supuesto pacto por plasmar las voces de los cuatro miembros del grupo en cada disco. En algunos casos, Lennon o McCartney escribían las letras y la melodía especialmente para él, como en el caso de "Good Night" para el Álbum Blanco o en el de "Yellow Submarine" para Revolver. En otros casos, las melodías eran hechas a medida para el rango vocal de Ringo. Aunque algunas reseñas criticaban la voz nasal de Ringo en comparación con las voces de sus compañeros, se volcó en la interpretación de canciones de otras estrellas musicales con una voz parecida a la suya, haciendo una gran contribución al grupo. La voz de Ringo también se puede escuchar en canciones como "All Together Now", "Carry That Weight" o "The Continuing Story of Bungalow Bill".
Indudablemente, Lennon y McCartney fueron los compositores más prolíficos dentro de The Beatles. Harrison escribió, asimismo, cierta cantidad de canciones, mientras Ringo es acreditado como único compositor en los temas "Don't Pass Me By", del Álbum Blanco, y "Octopus's Garden", de Abbey Road, en la cual fue ayudado por su compañero George Harrison. Su nombre figura también en los créditos del tema "What Goes On", del álbum Rubber Soul, junto al de Lennon y McCartney, mientras las canciones "Flying", procedente de Magical Mystery Tour, y "Dig It", de Let It Be están acreditadas a Lennon, McCartney, Harrison y Starr.
De forma adicional, Ringo escribió "Taking a Trip to Carolina" (publicada en el segundo disco de Let It Be... Naked) y fue acreditado junto a los otros tres Beatles en los créditos de las canciones "12-Bar Original", "Los Paranoias", "Christmas Time (Is Here Again)", "Suzy Parker", del filme Let It Be, "Jessie's Dream", de la película Magical Mystery Tour, y la versión de "Free As A Bird" incluida en el proyecto Anthology. La película Let It Be también incluye "Jazz Piano Song", acreditada como una composición de "McCartney/Starkey".
Asimismo, cada miembro de The Beatles contribuyó a las canciones sin estar específicamente mencionado en sus créditos. Es el caso del tema "Eleanor Rigby", cuyo verso "writing the words to a sermon that no one will hear" fue una aportación de Ringo reconocida por McCartney. Por su parte, Lennon utilizó expresiones de Starr para los títulos de canciones, como es el caso de "A Hard Day's Night" y "Tomorrow Never Knows".
En el proyecto Anthology, Ringo reconoció que en la etapa previa a sus únicas dos composiciones dentro de The Beatles, solía presentar material a los otros tres miembros del grupo que ellos reconocían al instante como música de otros artistas, generalmente de Jerry Lee Lewis.

Después de los Beatles

1970-1980
Tras la separación oficial de The Beatles el 10 de abril de 1970, Ringo continuó una carrera en solitario que había inaugurado con el disco de versiones clásicas Sentimental Journey, publicado el 27 de marzo de 1970. Seis meses después, edita un disco con temas country titulado Beaucoups of Blues, grabado en Nashville junto al músico Peter Drake. Orquestó, además, singles de éxito con "It Don't Come Easy" y "Back Off Boogaloo", siendo este último su mayor éxito en el Reino Unido al alcanzar el puesto #2. En Estados Unidos, logró la primera posición de las listas de éxitos con los singles "Photograph", co-escrita con George Harrison, y "You're Sixteen", ambos en 1973.
En 1971, participó en The Concert for Bangladesh, organizado por George Harrison con el objetivo de recaudar fondos para los refugiados de Pakistán del Este, así como en los álbumes All Things Must Pass y Living in the Material World, de George Harrison, Plastic Ono Band de John Lennon, y el primer trabajo de Yōko Ono. Poco después hizo su debut como director con el documental Born to Boogie sobre T. Rex.
A día de hoy, Ringo es el único Beatle que no ha conseguido un primer puesto en las listas de singles británicas como artista en solitario, si bien en Estados Unidos logró dos números uno. Asimismo, es el único Beatle sin un número uno en las listas británicas de álbumes, alcanzando como puesto más alto el #7 con los discos Sentimental Journey y "Ringo". En Estados Unidos, su disco homónimo se izó hasta la segunda posición de las listas de éxitos.
En 1971, fundó junto a Robin Cruikshank una compañía de muebles. Entre los diseños exclusivos de Ringo figuraban mesas con flores en forma de corazón que incluían pétalos ajustables.
Su álbum de 1973 Ringo supone el mayor éxito comercial de su carrera. Producido por Richard Perry y con la colaboración por separado de los otros tres miembros de The Beatles, Ringo se convierte en el Beatle más exitoso. Su siguiente álbum, Goodnight Vienna, mantendrá el listón de su predecesor y se convertirá en otro éxito del artista. Éxitos y notables temas de ambos discos son "Photograph" y "You're Sixteen", que alcanzan el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses, así como "I'm The Greatest", compuesta por John Lennon, "Only You (And You Alone)" y "No No Song". A finales de 1975, estos temas, junto a a otros éxitos anteriores, serán recopilados en el álbum Blast From Your Past, que supone la última publicación bajo el sello Apple Records.
La carrera musical de Ringo comenzó a disminuir posteriormente en relación a su impacto comercial, si bien continuó grabando discos y reteniendo la presencia de celebridades musicales. A mediados de los años 70 firmó un contrato con Atlantic Records, publicando en 1976 Ringo's Rotogravure. A pesar de convertirse en un éxito menor, el álbum alcanzó buenos niveles de ventas. El siguiente álbum de estudio, Ringo the 4th, fue un fracaso comercial, por lo que pronto tendría que firmar un nuevo contrato con Portrait Records. Su comienzo en la discográfica fue prometedor: 1978 vio la edición de Bad Boy y de un especial de televisión titulado Ognir Rats ('Ringo Starr' al revés). Tristemente, ambos resultaron un fracaso, por lo que Ringo no volvió a publicar un álbum bajo el sello Portrait.
En 1975, Starr fundó su propia compañía discográfica, llamada Ring O'Records, publicando cuatro discos entre 1975 y 1978: Startling Music, de David Hentschel; Graham Bonnet, de Graham Bonnet, Restless, de Rab Noakes, y The Whale, de John Tavener, así como dieciséis singles de artistas como Bobby Keys, Carl Grossman, Colonel Doug Bogie, David Hentschel, Graham Bonnet, Suzanne, Johnny Warman, Stormer, Rab Noakes y Dirk & Stig.

1980-1990
En 1980, George Harrison escribió "All Those Years Ago" para el álbum de Ringo Can't Fight Lightning, publicado posteriormente como Stop and Smell the Roses. Sin embargo, y tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Harrison publicó la canción en su disco Somewhere in England, con la colaboración de Paul, Linda McCartney y Ringo Starr en el tema.
Stop and Smell the Roses fue un álbum bien recibido por la crítica, si bien supuso un fracaso comercial. La composición de Harrison "Wrack My Brain" supuso la última entrada, hasta la fecha, de Ringo entre los primeros cuarenta puestos de las listas de éxitos. Accidentalmente, Lennon tenía preparados dos temas para el álbum Stop and Smell the Roses: "Nobody Told Me" y "Life Begins At 40". Sin embargo, tras el asesinato de Lennon, Ringo no se sentía a gusto grabando las canciones, de modo que fueron entregadas a Yōko Ono para posteriormente ser publicadas en el álbum póstumo de Lennon Milk and Honey.
El 27 de abril de 1981 contrae matrimonio con Barbara Bach, actriz principal en la película de 007 La espía que me amó. En 1983 edita el álbum Old Wave, producido por Joe Walsh, el cual únicamente verá la luz en Alemania, Canadá, Australia, Brasil, México, Japón, Nueva Zelanda y Holanda.
En 1984, Starr trabaja como narrador de la serie infantil de televisión Thomas the Tank Engine and Friends. En un principio se sintió inseguro en su nueva faceta al no haber leído los libros del reverendo Awdry. Sin embargo, cambió de opinión y tomó parte de la serie, narrando las primeras dos temporadas. Además, Ringo representó el papel de Mr. Conductor en el programa Shining Time Station, haciendo su debut en 1989.
Dentro del campo de la música, su problema con el alcohol le apartará relativamente de los estudios de grabación hasta finalizar su rehabilitación a comienzos de 1989. Un año antes, graba junto a George Harrison el tema "When We Was Fab", del álbum Cloud Nine. A comienzos de 1989, tras colaborar junto a Harrison y a Jeff Lynne en el tema de Tom Petty "I Won't Back Down", Ringo organizó una serie de conciertos bajo el nombre de Ringo Starr and His All-Starr Band, reuniendo en el grupo a conocidos músicos de distintas décadas. El formato de los conciertos consistía en una selección de canciones interpretadas por Ringo, tanto de su carrera en solitario como de su etapa en The Beatles, alternadas con temas de los músicos que lo acompañaban mientras Ringo regresaba a la batería. La novena gira de la All-Starr Band tuvo lugar en el verano de 2006.

1990-2000
El éxito de su primera gira animó a Ringo a trabajar en un nuevo álbum de estudio, Time Takes Time, finalmente publicado en 1992. Recibió una sustancial promoción al tiempo que el single "Weight Of The World" fue notablemente radiado. Los críticos consideraron Time Takes Time, producido por Phil Ramone, Don Was, Jeff Lynne y Peter Asher, como el mejor trabajo discográfico de Ringo desde su disco homónimo. Asimismo, para su grabación contó con la colaboración de Brian Wilson y Harry Nilsson.
En 1997, tras el éxito del proyecto Anthology que rescata el legado musical de The Beatles para acercarlo a un público más joven, Ringo es invitado por Paul McCartney para participar en dos canciones del álbum Flaming Pie. En él, el tema "Little Willow" es dedicado a la primera esposa de Ringo, Maureen Starkey, fallecida a causa de un cáncer. La grabación de "Beautiful Night" incluye a Ringo en la batería, mientras al día siguiente ambos grabaron una tema improvisado titulado "I Really Love You", acreditado a McCartney/Starkey.
1998 vio la publicación de dos álbumes bajo el sello discográfico Mercury. El álbum de estudio Vertical Man, que recibió buenas reseñas por parte de los críticos musicales, supuso el inicio de una relación laboral con Mark Hudson, productor de los siguientes cuatro álbumes, junto a la banda The Roundheads. De forma adicional, varios artistas invitados se unieron en la grabación de cierto número de canciones, incluyendo entre ellos a George Martin, Paul McCartney y George Harrison. Asimismo, The Roundheads y Joe Walsh se unieron a Ringo en su aparición en el programa VH1 Storytellers, que fue publicado posteriormente como álbum bajo el mismo título. A lo largo del concierto, alternó las canciones con detalles y anécdotas sobre su composición.

2000-2010
En 2001, Starr y Harrison fueron invitados a la grabación del álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocando en dos temas. A finales del mismo año, Ringo sufrió una fuerte conmoción por la pérdida de su compañero y amigo George Harrison el 29 de noviembre a causa de un cáncer de garganta.
En 2002, Ringo fue admitido en el Percussive Hall of Fame, que incluye a celebridades como Buddy Rich, William F. Ludwig, Sr. y su hijo.
El 29 de noviembre de 2002, Ringo interpreta las canciones "Photograph" y "Honey Don't" en el concierto homenaje a George celebrado en el Royal Albert Hall, al cumplirse el primer aniversario de la muerte de Harrison. Según palabras de la web oficial, "Ringo cautivó a todos con una interpretación de "Photograph" que parecía resumir el sentimiento general." La canción incluye los versos "Every time I see your face / it reminds me of the places we used to go / But all I've got is a photograph / and I realize you're not coming back anymore", que, en palabras de Ringo, tenían un significado diferente tras el fallecimiento de Harrison.
Un año después, Starr graba para el sello independiente Koch Records y publica Ringo Rama, avalado por la crítica como el mejor disco de su carrera musical. En él incluye el tributo a George Harrison "Never Without You" y aparecen Billy Preston, Eric Clapton, David Gilmour y Willie Nelson como artistas invitados. En 2005, publica Choose Love, que incluye la colaboración de Billy Preston y Chrissie Hynde.
El mismo año, Ringo anuncia públicamente la realización de un cómic de manos de Stan Lee para producir un nuevo superhéroe basado en la personalidad de Starr. Asimismo, en septiembre, el Ayuntamiento de Liverpool anuncia el derribo de la casa de nacimiento de Starr por no tener 'significado histórico' , a pesar del indulto concedido en julio . Posteriormente, el Ayuntamiento anunció la desestructuración del edificio ladrillo a ladrillo para preservarlo.
A mediados de 2006, Ringo se embarca en su novena gira con la All-Starr Band, con Sheila E. en la percusión, el bajista Hamish Stuart y Edgar Winter como incorporaciones. El día de su sexagésimo sexto cumpleaños, el 7 de julio de 2006, la gira recala en Florida. Poco después, participa en el álbum de duetos de Jerry Lee Lewis, Last Man Standing, cantando el tema de Chuck Berry "Sweet Little Sixteen".
El 26 de junio de 2007, Ringo participó en el programa de la CNN Larry King Live junto a Paul McCartney, Yōko Ono, Olivia Harrison y el fundador del Cirque du Soleil Guy Laliberté para la promoción del espectáculo circense "Love" que se desarrolla en Las Vegas, Nevada. El 28 de agosto de 2007, coincidiendo con la edición en formato digital de sus cuatro primeros álbumes editados bajo el sello EMI, se publica el recopilatorio Photograph: The Very Best of Ringo.
El álbum Liverpool 8, producido por Mark Hudson y Dave Stewart, fue publicado en enero de 2008, coincidiendo con la candidatura de la ciudad natal de Ringo, Liverpool, como Capital Cultural Europea. Aunque Hudson fue el principal productor del álbum, fue reemplazado por Stewart tras varias disputas con Ringo. Según el propio Hudson, la ruptura tuvo lugar a causa de la insistencia de Ringo de usar nuevos sonidos propuestos por Stewart para el álbum y rechazados por Mark.Una nueva disputa enfrentó a Ringo con sus seguidores en octubre de 2008 al colgar un video en su página web en la que anunciaba que dejaba de firmar autógrafos por correspondencia, según sus palabras, "por estar muy ocupado, por lo que toda carta desde la fecha señalada [20 de octubre] no será firmada".
El 4 de abril de 2009, Ringo se reunió con Paul McCartney en el concierto benéficot de David Lynch "Change Begins Within". Tras varios sets por separado, McCartney anunció a Ringo como "Billy Shears" e interpretaron juntos los temas "With a Little Help From My Friends", "I Saw Her Standing There" y "Cosmically Conscious". Dos meses después, Ringo volvió a coincidir con McCartney en un escenario junto a Yōko Ono y Olivia Harrison para promocionar el videojuego The Beatles: Rock Band. En noviembre de 2009, Starr volvió a dar voz a Thomas the Tank Engine para el single benéfico "The Official BBC Children in Need Medley".
En enero de 2010, Ringo publicó su decimoquinto álbum de estudio, Y Not. El 13 de enero, Starr interpretó "Walk With You" en el programa The Daily Show with Jon Stewart. Starr también apareció en los programas Late Night with Jimmy Falon, junto a Ben Harper, y en The Jay Leno Show, donde interpretó "The Other Side of Liverpool".
En diciembre de 2006, el columnista de The Times Daniel Finkelstein dio comienzo a una campaña para solicitar el título de Sir para Ringo. Si bien supone un intento para probar el recién introducido sistema de peticiones en la web del Gobierno británico, Finkelstein admite que "él (en referencia a Ringo) merece el título" y parte de las siguientes razones sin respuesta por las cuales debe ser investido Caballero.

Savage Garden

Savage Garden fue un dúo de música pop australiano que obtuvo un gran éxito internacional tras muchos años. La banda estaba formada por Darren Hayes (voces) y Daniel Jones (piano, sintetizador, guitarra).
En 1993, el multi-instrumentista y productor Daniel Jones colocó un aviso en el periódico local “Time Off” en Brisbane, Australia buscando un vocalista para su banda five-piece "Red Edge". Darren Hayes, quien previamente había sido un profesor de kinder, respondió y fue inmediatamente invitado a ser parte del proyecto.
En junio de 1994, Darren y Daniel dejaron Red Edge para seguir una carrera juntos. El nuevo dúo fue nombrado como “Savage Garden” - un nombre tomado de The Vampire Chronicles por Anne Rice “The mind of each man is a Savage Garden…”(La mente de cada hombre es un jardín salvaje) del cual Darren es un fanático.
Para finales del año, ambos habían escrito suficientes canciones para una demostración, que enviaron a varias compañías discográficas en todo el mundo. En 1995 entraron al estudio para trabajar en su álbum de debut.
En julio de 1996, bajo la marca Roadshow Music, el dúo lanzó su sencillo debut “I Want You”. El sencillo fue un éxito enorme en Australia y llegó a ser el sencillo de mayor venta del año. Este hecho generó mucho interés en varias compañías en Estados Unidos, y en Septiembre, Columbia Records ganó la batalla para firmar con la banda. En Noviembre, un segundo sencillo, “To The Moon And Back” fue lanzado y de nuevo fue un enorme éxito, alcanzando el #1 en Enero del siguiente año.
“I Want You” fue lanzado en los Estados Unidos en febrero de 1997, donde alcanzó el #4 y rápidamente alcanzó el oro. “Truly, Madly, Deeply”, el tercer sencillo de la banda Australiana fue lanzado en Marzo y subió rápidamente al #1 antes que “I Want You” fuera lanzado por Europa en Abril en mientras que al mismo tiempo el álbum de debut del dúo "Savage Garden" debuto en el #1 en Australia y alcanzó la cima por 17 semanas, 2 semanas después fue lanzado en todo el mundo. A finales de Mayo, “To The Moon And Back” fue la canción más tocada en las radios de Estados Unidos.
En Junio un cuarto sencillo, “Break Me, Shake Me” fue lanzado en Australia como el álbum de debut de la banda colocándose en el #3 de los conteos en Estados Unidos y fue galardonado con Oro por el RIAA. Para finales de Agosto el álbum fue 7 veces disco Platino en Australia, 3 veces en Canadá y 2 veces en Nueva Zelanda y Singapur. Para finales de Agosto, Savage Garden fue nominado para un galardón de 13 ARIA récord el cual ganaron el 10 de septiembre. Un quinto sencillo, “Universe” fue lanzado al mismo tiempo.
En Noviembre, “Truly, Madly, Deeply” fue lanzado en los Estados Unidos y vapuleo a Elton John con su canción Candle in the Wind 1997que antes se posicionó por 14 semanas consecutivas como el #1. Para finales del 1997, Darren y Daniel se convirtieron en estrellas internacionales.
Como en el 2005, el debut de la banda ha sido galardonado con 12 veces álbum de platino en Australia, 6 veces en Estados Unidos y 2 veces en el Reino Unido.
En enero de 1998 “All Around Me”, un quinto sencillo, fue lanzado justamente como el comienzo de su gira por todo el mundo en Cairns, Australia. Para finales del año “Truly, Madly, Deeply” llegó a ser la canción más tocada en las radios de Estados Unidos y el único sencillo que estuvo todo el año entre los 30 mejores del Billboard Hot 100.
En febrero de 1999 el primer sencillo, “The Animal Song” del álbum the sophomore fue lanzado y llegó a ser un hit en Australia y Estados Unidos. Un segundo sencillo, “I Knew I Loved You” fue lanzado en septiembre donde rápidamente fue disco de platino y el #4 en los conteos.
En noviembre de ese año, el segundo álbum del dúo Affirmation fue lanzado en todo el mundo. Tardo más de un mes en ser platino en los Estados Unidos, en gran parte debido al gran éxito del sencillo “I Knew I Loved You” el cual fue el sencillo más tocado en las radios de los Estados Unidos en todo el año.
El grupo terminó el año ganando the Billboard Music Award para el Adult Contemporary Single of the Year y para el Hot 100 Singles Airplay del año.
En febrero del 2000 el tercer sencillo del segundo álbum, “Crash And Burn” fue lanzado también "Truly, Madly, Deeply" rompió el récord del tiempo más largo para un sencillo en estar Monitor/Billboard Adult Contemporary Airplay Chart. (finalmente dejo el conteo luego de unas sorprendentes 123 semanas).
En junio, Darren Hayes realizó “O Sole Mio” con el tenor Italiano Luciano Pavarotti el concierto anual de beneficencia "Pavarotti and Friends". La banda tuvo un gran éxito una vez más en the Billboard Music Awards, ganando como el mejor Video y la canción número uno del año por “I Knew I Loved You" y como el artista del año . El sencillo “I Knew I Loved You” se mantuvo en el the Monitor/Billboard Adult Contemporary Airplay Chart por unas increíbles 124 semanas alcanzando su propio récord que obtuvo antes con el sencillo “Truly, Madly Deeply”.
En octubre de 2001, Savage Garden anunció oficialmente su fin y el dúo fue por vías diferentes. Darren empezó a trabajar en su primer álbum como solista, el primer sencillo Insatiable fue lanzado en 2002 y el álbum, titulado Spin fue lanzado el mismo año.
El primer álbum de Darren en solitario "Spin" fue lanzado en Marzo del 2002, su segundo disco en solitario 'The Tension And The Spark, fue lanzado en el 2004 con el primer sencillo Popular llegando a ser un éxito bailable.
En septiembre de 2005 el aviso fue hecho en el the greatest hits package una edición especial, Truly Madly Completely: The Best Of Savage Garden fue lanzado para el 7 de noviembre, la colección contenía los hits de los dos álbumes de estudio, un compilación de los lados B y 2 nuevas canciones de Darren Hayes.
Aunque los dos estuvieron juntos por poco tiempo, Darren y Daniel vendieron cerca de 23 millones de discos en todo el mundo llevando a Savage Garden como uno de los dúos musicales más exitosos en la historia de la música popular.
En 2007 fue publicado el tercer álbum en solitario de Hayes "This Delicate Thing We've Made" De este album doble se han desprendido tres sencillos "On the Verge of Something Wonderful", "Me, Myself and (I)" y "Casey".

Teena Marie

Teena Marie nació en Santa Mónica, California, 5 de marzo de 1956 y falleció en Los Ángeles, California, el 26 de diciembre de 2010 , nacida Mary Christine Brockert y apodada Lady T fue una cantante estadounidense de R&B y soul, además de guitarrista, compositora y productora. Algunas de sus canciones más famosas son Square Biz (1981), Lovergirl (1984) y Ooo La La La (1988), entre otras.
Teena Marie, de ascendencia portuguesa, creció en Oakwood, en Los Ángeles, en un ambiente predominantenmente afroamericano. Rick James escribió y produjo su primer álbum Wild and Peaceful en 1979. El título I'm Just a Sucker for Your Love, un dueto de ambos, fue un éxito. Dado que no había foto alguna de ella en la portada del álbum, se creyó que se trataba de una cantante de color.

Tras su cuarto álbum, en 1981, abandonó su hasta entonces sello discográfico, Motown. La salida de la discográfica tuvo su continuación en los tribunales, cuyo resultado se denominó „Teena Marie Law“ (Ley de Teena Marie): un sello no puede retener a un artista si no se publica nada. Trabajó entonces con el sello Epic Records, con el que siguió cosechando éxitos, tanto álbumes como sencillos. A final de los años 1980 su popularidad fue a menos, por lo que se retiró del mundo de la música para formar una familia. Tuvo una hija, Alia Rose.

Muchos de sus éxitos fueron versionados en los años 1990 por cantantes de hip hop, por ejemplo Ooo La La La de Fugees en su éxito Fu-Gee-La (1996), así como I Need Your Lovin de Sheena Easton (2000). En 2004 Teena Marie volvió a las listas con un álbum nuevo, La Dona, que alcanzó el puesto 6 en las listas.

En 2008 recibió el premio Pioneer Award de la Rhythm and Blues Foundation.

Jamie Foxx

Eric Marlon Bishop (nació en Terrell, Texas, EE. UU., 13 de diciembre de 1967), más conocido como Jamie Foxx, es un actor y cantante de R&B estadounidense ganador del Premio Óscar.
Tras el divorcio de sus padres, fue adoptado por sus abuelos a la edad de 7 meses. Dice que tuvo una infancia rígida en los Boy Scouts y el coro de la iglesia. Estudió música en la universidad. Publicó un álbum musical en 1994, Peep This, y cantó todas las canciones de su película Un domingo cualquiera (1999). Su vida cambió en 1989 cuando, gracias a una amiga, empezó a actuar en el Club de la Comedia. A partir de entonces, fue contratado en varias series de televisión hasta que consiguió tener la suya propia. Tiene una hija, Corrine, nacida en 1995, que vive con su madre.
Comenzó tocando el piano a una edad muy temprana, y posteriormente asisitió a clases de piano clásico en la universidad. En 1994, grabó su primer álbum bajo su propio sello discográfico titulado Peep This, con el que obtuvo poco éxito comercial. En 2001, presentó los MTV Video Music Awards.

Se dio a conocer al público musical con su colaboración en el single "Slow Jamz" de Twista con Kanye West. Esta canción se situó #1 en la lista de singles Billboard Hot 100 y #3 en el Reino Unido. Su segunda aparición fue en el éxito de Kanye West "Gold Digger", número uno en la Hot 100 durante diez semanas. En 2005, colaboró en el tema "Georgia" con Ludacris y Field Mob. La canción sampleaba al "Georgia on My Mind" de Ray Charles.

Durante los Grammy de 2005, Foxx cantó el "Georgia on My Mind" en directo con Alicia Keys y Quincy Jones en tributo al fallecido Ray Charles. Foxx recibió una nominación para los Grammy de 2006 por "Mejor Actuación Vocal Masculina de R&B" ("Creepin").

Unpredictable es el segundo álbum de estudio de Jamie. Vendió en la primera semana 598.000 copias, situándose en la segunda como número uno en la lista de Billboard de álbumes pop (en la segunda semana vendió 200.000 copias). En el Reino Unido, el álbum llegó al puesto noveno.

Foxx se convirtió en el quinto artista en recibir un Óscar (por su papel como Charles en la película Ray) y colocar un álbum en lo más alto (los otros cuatro en lograr esta hazaña son Frank Sinatra, Bing Crosby, Cher y Barbra Streisand). El primer single del álbum fue "Unpredictable" con Ludacris, sampleando el "WildFlower" de New Birth. El tema estuvo en el Top 10 en las listas de Billboard y en el Top 20 en el Reino Unido. El segundo single fue "DJ Play A Love Song" con la colaboración del rapero Twista, mientras que en el Reino Unido, sin embargo, el segundo sencillo fue "Extravaganza" con Kanye West.

En los Premios BET de 2006, Foxx ganó dos; uno por "Mejor Colaboración" por "Gold Digger" con Kanye West, y el segundo por "Mejor Video" por el video de dicha canción, aunque el premio fue compartido con Mary J. Blige por su "Be Without You".

Lauryn Hill

Lauryn Hill (South Orange, 25 de mayo de 1975) actriz, cantante y productora estadounidense galardonada 8 veces con el premio Grammy. Fue miembro de The Fugees antes de empezar una carrera en solitario.

Primeros años y The Fugees
Asistió al instituto de Columbia en Nueva Jersey. De niña, actuó una vez en el Apollo Theater, donde recibió una gran ovación al terminar.

Comenzó a actuar de adolescente en series de televisión como As the World Turns y en la película Sister Act 2: de vuelta al convento.

Ya en el instituto pasó a formar parte de The Fugees, pero no actuó asiduamente con ellos hasta que acabó en la Columbia University.

Al primer álbum de The Fugees, Blunted on Reality le siguió el disco The Score, que obtuvo numerosos premios y cuantiosas ventas y que presentaron con la canción de Roberta Flack', "Killing Me Softly."

The Miseducation of Lauryn Hill
Fue el álbum debut de Lauryn Hill. Lanzado el 25 de agosto de 1998, sacudió a los premios Grammy's, después de haber sido nominado a 11 gramófonos y ganar 5 de ellos (incluyendo "Album del Año). El álbum incluye colaboraciones con el artista del soul D'Angelo ("Nothing even matters") y con John Legend en el piano en "Everything is Everything."

El Primer sencillo del álbum fue "Doo Woop (That Thing), canción que gano 2 premios Grammy's: "Mejor canción R&B" y "Mejor Presentación Vocal Femenina de R&B" y llegó al 1# lugar en la lista de "US Billboard Hot 100".

Fue colocado en el puesto 37 en la lista Vh1 de los mejores albums de la historia. Situado en el 312 en la lista de "Los 500 Mejores Albums de Todos los Tiempos".

El titulo hace referencia al libro de Carter G. Woodson "The Mis-Education of the Negro" y la portada del álbum a "Burnin" de The Wailers.

Exilio autoimpuesto y MTV Unplugged
Después de 3 años, Hill regresó con un directo de la MTV con un look algo distinto y hacía más hincapié en el mensaje de sus letras. Interpretó casi todas sus canciones sólo con una guitarra acústica y su voz y explicó por qué no había sacado nada en tres años. A pesar de que muchos críticos no lo vieron con muy buenos ojos, el álbum fue disco de platino.

Desde entonces ha sido bastante crítica con la industria de la música y lo que una mujer joven negra representaba en ella. Procura no hacer muchas apariciones públicas, ha dejado de hacer entrevistas, de escuchar música y de ver la televisión, y se ha dedicado a explorar nuevas manifestaciones artísticas, haciéndose dramaturga y componiendo una cantidad ingente de textos poéticos, diseños de ropa o guiones.

Caritativa, activista y controvertida
En 1996, recibió un Essence Award por su ayuda a refugiados con el Proyecto Refugiado, que sufragó un campamento en Kenia y Uganda y un concierto en Harlem.

En 1999, Hill recibió tres galardones NAACP Image Awards y la revista Ebony la colocó entre los 100 afroamericanos más influyentes. Es Cristiana Protestante comprometida, en 2003 fue invitada a dar una actuación de navidad en el Vaticano en la que aprovechó para hacer declaraciones contra los abusos de niños por parte del clero católico y para declarar que no creía en ningún Papa como representante de Dios en la tierra y esto tuvo una gran repercusión

Vuelta de The Fugees
El 18 de septiembre de 2004, tocaron en Brooklyn y aparecieron en los BET' 2005 Music Awards. Han sacado un nuevo single, "Take It Easy", difundido por internet e hicieron una gira europea a finales de 2005.

En febrero de 2006, ofrecieron un concierto en Hollywood, que difundieron también por internet, sacando poco después dos nuevas canciones "Foxy" y "Wannabe."

Hill está preparando además un álbum a petición de sus fans.

Vida personal
Desde 1996 mantiene una relación afectiva con el jugador de fútbol americano Rohan Marley (hijo de Bob Marley), aunque algunas publicaciones dicen que no se han llegado a casar y que él sigue casado con su primera esposa. La pareja tiene 5 hijos: Zion, Selah, Joshua y John a quienes ha dedicado varias canciones; la quinta hija nació a principios de 2008 y aun se desconoce su nombre.
Fue amiga de la infancia del actor Zach Braff.

LFO

LFO es un grupo de techno inglés que publica en el sello Warp Records. LFO fueron uno de los grupos pioneros del sonido bleep que predominó en ente 1989 y 1991 en el norte de Inglaterra. Originalmente, el grupo estaba compuesto por Gez Varley y Mark Bell. Varley dejó el grupo en 1996.

El nombre del grupo se deriva de la abreviatura de "low frequency oscillation", una función de los sintetizadores muy utilizada en música electrónica.

Varley y Bell se conocieron cuando estudiaban en Leeds. Sus raíces musicales se encuentran tanto en el hip hop y el electro de la primera mitad de los 80, como en la escena acid house que inundó Gran Bretaña en la segunda mitad de esa década.

Su primer tema fue el homónimo "LFO". Una vez que la produjeron se la pasaron a Nightmares on Wax, quienes hicieron circular la demo en el circuito de clubs de la época. La canción alcanzó tal popularidad que terminó siendo publicada por el sello de Sheffield Warp Records en 1990, logrando entrar en el Top 20 de éxitos de Inglaterra en julio de ese año. En los créditos del tema, DJ Martin (Martin Williams) aparece como coautor y coproductor del tema "LFO", si bien nunca fue formó parte del grupo.

Su siguiente single, "We Are Back" fue publicado en el verano de 1991. Posteriormente firmaron con Tommy Boy Records, un sello estadounidense. Desde entonces realizaron numerosas remezclas para artistas como Afrika Bambaataa, Björk, Radiohead, Depeche Mode, Laurent Garnier y The Sabres of Paradise. En 1996 publicaron el disco Advance. Ese mismo año, Varley dejó el grupo para formar Feedback con Simon Hartley (alias de Wild Planet). Mark Bell produjo el disco Homogenic de Björk y Exciter de Depeche Mode.

En el recopilatorio Warp20 (Recreated) de 2009 aparecen dos versiones de temas originales del grupo: "LFO" por Luke Vibert y "What is House? (LFO Remix)" por Autechre.

Procol Harum

Procol Harum es una banda inglesa de rock formada en la década de 1960 que tuvo una gran influencia en el nacimiento de lo que después sería denominado rock progresivo; su fama mundial reside en su único éxito musical llamado "A Whiter Shade of Pale", la cual se considera su melodía de culto a través de los años y su carrera.

Algunas de las raíces de Procol Harum se encuentran en la banda liderada por Gary Brooker y Robin Trower llamada The Paramounts, la cual logró cierta popularidad a principios de la década de los años 60 al firmar con el sello Parlophone en 1963 y lograr un éxito modesto en la Gran Bretaña con su versión al tema de Jerry Leiber y Mike Stoller: "Poison Ivy" (Hiedra Venenosa) en el año 1964. Incapaz de mantener el éxito, la banda se disolvió en 1966.

A principios de 1967, Brooker comenzó a trabajar como cantautor y formó Procol Harum en abril de 1967, reunió al poeta Keith Reid, Mattew Fisher (organista), Ray Royer (guitarrista) y a David Knights (bajista). Al lado del baterista de estudio Bill Eyden, el productor Denny Cordell y el Ingeniero de Sonido Keith Grant la agrupación grabó el tema: "A Whiter shade of Pale". La canción fue lanzada el 12 de mayo de 1967, con el sucesivo éxito del tema y de la canción de The Moody Blues "Nights in White Satin" (Noches de Blanco Satén) su sello fonográfico Deram Records se convirtió en la primera discográfica de rock progresivo conocida.

Con cautivante tonalidad y su sabor a Bach, ambos provistos por Fisher, su interpretación sentida y letra misteriosa, "A Whiter Shade of Pale" alcanzó la posición número 1 en las listas de popularidad del Reino Unido y logró posicionarse en 5 lugar en las listas americanas, convirtiéndose desde entonces en un tema clásico en la historia musical.

Justo después del lanzamiento de su gran éxito la banda emprendió una gira; debutando como teloneros de Jimi Hendrix en 1967.

La trayectoria del grupo siguió con su sencillo "Homburg", y con un cambio de alineación al incorporar a dos ex miembros de The Paramounts, B.J. Wilson en la batería y a Robin Trower en la guitarra, logrando un decoroso 6o lugar en las listas del Reino Unido, pero su larga duración "Procol Harum" fue menos exitoso que el anterior. Una serie de sencillos posteriores figuraron en posiciones demasiado bajas y rara vez figuraron simultáneamente en E.U.A. y su tierra natal. A mediados de la década de 1970, las ventas del grupo siguieron descendiendo. Su última canción en alcanzar el top 20 en el Reino Unido fue "Pandora's Box", en 1975. Dos años después la banda se separó definitivamente, reuniéndose sólo cinco meses después cuando "A Whiter Shade of Pale" fue nombrada como el mejor single de pop de Gran Bretaña entre 1952 y 1977, compartiendo el galardón con "Bohemian Rhapsody" de Queen.

Procol Harum se reformó en 1991 con Brooker, Fisher, Trower y Reid, después de que Wilson muriese en 1990. Esta formación editó el álbum The Prodigal Stranger, de escaso éxito. Después de ello, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos sin Trower, seguida de una nueva etapa de inactividad.

En julio de 1997, los fans de la banda, en celebración del 30º aniversario de la publicación de "A Whiter Shade of Pale", pidieron que Procol Harum regresase a los escenarios. Esto se produjo en la ciudad inglesa de Redhill, congregando a fans de todo el mundo.

A finales de 1999, el vocalista Gary Brooker prometió que la banda tocaría en directo en 2000. En septiembre de ese año, Procol Harum tocó un concierto al aire libre con la New London Sinfonia en Guilford, Inglaterra. Desde el año 2001, el grupo ha llevado a cabo varias giras por Europa, Japón y Estados Unidos. Estas giras dieron como resultado varios DVD en directo, grabados en Copenague (2002) y Londres (Live at the Union Chapel, 2004). En 2003 se editó el disco The Well's on Fire.

Los posteriores shows en directo de la banda dejaron como único intérprete original a Gary Brooker.

En 2005, el teclista Matthew Fisher demandó a Gary Brooker y a la banda, declarando que él había compuesto la mitad de la canción "A Whiter Shade of Pale". Fisher ganó el caso, pero sólo se le otorgó el 40% de los derechos de autor, en lugar del 50% que reclamaba.

Tatyana Ali

Tatyana Marisol Ali (nacida el 24 de enero de 1979 en North Bellmore, Nueva York, Estados Unidos) es una actriz y cantante de rhythm & blues estadounidense, conocida por su papel como Ashley Banks en The Fresh Prince of Bel-Air.

Juventud
Ali nació en Brooklyn, New York, hija de Sonia, una enfermera, y Sheriff Ali, un detective de la policía. Su madre es de Panamá y su padre es descendiente de indios de Trinidad y Tobago. Tiene dos hermanas más jóvenes, Anastasia y Kimberly. Habla fluidamente tanto inglés como español.

Asistió al Grand Avenue Middle School en The Bellmores, Nueva York, también al Marymount High School en Los Ángeles, California, y al The Buckley School en Sherman Oaks, Los Ángeles, California. En 2002, se graduó con el Bachelor's degree en Antropología en la Universidad de Harvard.

Carrera artística
A los siete años, empezó su carrera de cantante y además apareció con Herbie Hancock en un episodio de Barrio Sésamo. Con cuatro años fue seleccionada para actuar con las marionetas y a los cinco años ganó la Star Search, dos veces. Pero su papel estelar lo consiguió en 1990 al ser seleccionada para interpretar a Ashley Banks para la popular serie de televisión The Fresh Prince of Bel-Air. Al igual que su personaje, durante las seis temporadas que duró la serie pasó de ser una simpática niña a convertiste en una bella joven. En 1996 la serie finalizó después de que Will Smith iniciase en su carrera cinematográfica. Hacia el final de esta serie, Tatyana canta en varios capítulos. En uno de ellos, cantó el tema de Aretha Franklin "Respect" y la original "Make Up Your Mind" producida por Rob Jay de Nspyre Music Productions.

En la penúltima temporada de Fresh Prince, empezó a preparar su debut musical. El resultado fue el álbum Kiss The Sky, el cuál consiguió un disco de oro en ventas a inicios de 1999. La canción de mayor éxito fue "Daydreamin'", producida por Rodney "Darkchild" Jerkins, que llegó al sexto puesto en el Billboard Hot 100 (lista de éxitos estadounidense) y en el UK Singles Chart.

Éste album tuvo otro par de éxitos más en Inglaterra: "Boy You Knock Me Out", con Will Smith, que alcanzó el tercer puesto, y es hasta ahora su mayor éxito; y "Everytime", el cuál fue su tercer "top 20" en el Reino Unido, con el cual alcanzó exactamente el número 20. Colaboró también en el álbum de Smith Willennium en la canción "Who Am I" con MC Lyte.

En 2005, completó su trabajo en la película Glory Road y protagonizó en el video musical para la canción "Can I Live?" de Nick Cannon y Anthony Hamilton's, interpretando a la madre de Cannon. En 2007, apareció en films cortos: Wilted, How To Have A Girl, The Malibu Myth, y First Sight, los cuales se realizaron durante el reality show On the Lot. También apareció en dos episodios de la serie de la CBS The Young and the Restless, donde interpretó a Roxanne.

Ahora está preparando el lanzamiento de su segundo álbum, el cual describe como "un esfuerzo independiente". El álbum se titula "The light".Tatyana está posicionada en el puesto 74 de la VH1's "100 Greatest Kid Stars" (Las 100 mayores estrellas infantiles).

A principios de 2008, fue una de los múltiples cantantes que contribuyeron a la campaña presidencial de Barack Obama con su voz en la canción “Yes We Can”, un proyecto de Will.i.am. También aparece en el consiguiente video musical que, aunque ahora es conocido en todo el mundo, se dio a conocer en el segmento "What the Buzz" del programa World News Now de la cadena American Broadcasting Company .

Vida personal
Durante un tiempo se la relacionó con el actor americano Jonathan Brandis, con quien coprotagonizó la película para la televisión Fall into Darkness. También viajó por Estados Unidos como portavoz de la campaña presidencial de Barack Obama, encabezando las unidades de registro de votantes en los campus universitarios, incluyendo muchas universidades y colegios históricamente negros.

Frank Sinatra

Francis Albert Sinatra (Hoboken, 12 de diciembre de 1915 - Los Ángeles, 14 de mayo de 1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. Apodado «La Voz», fue una de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX y dejó, a través de sus discos y actuaciones en directo, un legado canónico en lo que respecta a la interpretación vocal masculina de esa música. Su popularidad llegó a ser inmensa y prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron especialmente exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad artística como cantante.

Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio. Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación.

Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración; el rango de su voz estaba próximo al de barítono. En cuanto a su categoría artística, esta radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.

En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resulta secundaria respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible.
A Sinatra se le reconoce históricamente el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta (dominadora de la música popular estadounidense de principios del siglo XX) y para aproximarla a la intimidad del oído del oyente.

Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en De aquí a la eternidad como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Óscar al mejor actor secundario.

A lo largo de su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammys, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

1915-1939
Frank Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (Nueva Jersey) el 12 de diciembre de 1915, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. La familia de su madre, Natalie Della Garavante, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia. Su madre, que fue portavoz de distrito del Partido Demócrata, trabajó como comadrona y en varias ocasiones estuvo en la cárcel por practicar abortos ilegales. Su padre era propietario de una taberna que atendía por la noche, ya que de día trabajaba como bombero. Se casaron, con la oposición de la familia de ella, el 14 de febrero de 1913.

Dolly dio a luz a su único hijo en un parto traumático tras el que quedó imposibilitada para tener más hijos y que casi acaba con la vida del niño, al que los fórceps empleados le dejaron un tímpano perforado y una cicatriz detrás de la oreja izquierda. Tras recuperarse los dos, Francis Albert fue bautizado en abril de 1916.

Durante su infancia y adolescencia, Frank desarrolla dos facetas características de su futura personalidad: un carácter, recordaban sus maestros, fanfarrón y revoltoso, ayudado por su afición al boxeo heredada de su padre, que había sido boxeador profesional; y su afición por la música, que a los 9 ó 10 años lo llevó a cantar en la taberna de su padre acompañándose por una pianola (más adelante, entonaría canciones acompañado de un ukelele). La mezcla de ambos rasgos llevó a Frank a intentar imitar, tanto en el estilo como en la forma de vestir, a los grandes cantantes del momento, como Bing Crosby, su principal modelo, o Al Jolson. Sinatra destacaría posteriormente como amistad influyente en sus primeros años la de una anciana mujer judía, Mrs. Golden, a la que consideraba casi como una madre, ya que su verdadera madre se ausentaba con frecuencia del hogar debido a su constante actividad socio-política. De esa mujer, el cantante habría aprendido yidish, idioma que conocía mejor que el italiano.

En su juventud, el atletismo y sobre todo la natación fueron parte de sus aficiones favoritas. Sin embargo, nunca mostró mucho interés en los estudios, ausentándose de clase con frecuencia. Asistió al instituto A.J. Demarest pero lo abandonó en 1931 sin graduarse y comenzó a trabajar como vendedor de periódicos en el Jersey Observer, con su padrino. En esa época tuvo una vida de pandillero que le llevó a varios encontronazos con la policía y trabajó en diversos oficios, como camionero, recadero o cronista deportivo en un periódico, lo que le proporcionaba los ingresos suficientes para comprarse ropa y ahorrar para poder comprarse un coche.

En 1932 conoció a Nancy Barbato, que se convertiría en su mujer en 1938. Con ella vio actuar en 1933 a Bing Crosby en la que sería su última aparición sobre un escenario. Ambos cantantes se conocerían personalmente diez años después, en septiembre de 1943.

Su participación en el concurso radiofónico Major Bowes Amateur Hour, tras haber cantado en distintos bares, le ayudó a comenzar su carrera artística. Se presentó acompañando al trío Three Flashes, que para la ocasión se hicieron llamar Hoboken Four, y ganaron el primer premio, lo que les llevó a una gira patrocinada por el programa. No obstante, por desavenencias con el resto de sus compañeros, a los tres meses Sinatra abandonó la gira y regresó a casa.

Fue en esa época cuando, a pesar de su enorme admiración por él, empezó a esforzarse en sonar diferente de Crosby con la idea de destacar entre los demás cantantes. El principal problema técnico al que tuvo que hacer frente fue el de la falta de potencia en su voz, ya que no sabía proyectarla. No obstante, su experiencia radiofónica le enseñó que podía hacerse oír cómo y dónde quisiera gracias al micrófono, al que convirtió en su principal aliado para, a través de la radio, hacerse popular por todos los Estados Unidos en un breve tiempo.

Comenzó a dar conciertos y en 1939 entró como vocalista en la orquesta de Harry Arden, lo que le permitió salir en antena todas las noches gracias a una emisora de Nueva York, que radió sus conciertos desde bares y restaurantes de carretera. Su talento fue pronto reconocido por Harry James, el famoso trompetista de la orquesta de Benny Goodman, que estaba formando su propio grupo, al que le invitó a participar como vocalista. Dado que el protagonismo en la orquesta lo tenía James, Sinatra tuvo que utilizar sus dotes de autopropaganda para llamar la atención de críticos y espectadores, desarrollando la que se convertiría en una de sus características personales más relevantes como artista: su absoluta confianza en sí mismo y en su talento. A pesar del éxito popular, la orquesta tuvo problemas financieros y estuvo a punto de disolverse. Fueron meses duros para Sinatra y para su mujer, quien le seguía en la gira, aun estando ya embarazada.

1940-1953
Sinatra terminó por ser contratado por Tommy Dorsey, que buscaba un vocalista para sustituir a Jack Leonard. Las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trombón. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".

El primer número 1 de Sinatra en la revista Billboard lo consiguió en 1940 con su interpretación, en compañía de Dorsey, del tema I'll never smile again, cuya gran repercusión puede considerarse el punto de partida de la carrera de Sinatra como fenómeno social. Después grabó varias canciones más que fueron también grandes éxitos de ventas. En 1941 participó por primera vez en una película, Las Vegas nights, de Ralph Murphy, actuando junto con la orquesta de Dorsey.

Sin embargo, simultáneamente a su éxito popular, llegó también la atención periodística sobre su vida privada que derivó en diversas críticas respecto de cómo esta repercutía negativamente en su calidad vocal.

En septiembre de 1941, Sinatra, decidido a arrebatarle el primer puesto entre los cantantes de la época a Bing Crosby, le anunció a Dorsey, con un año de antelación, su deseo de abandonar la orquesta para iniciar una carrera más individual que la que podía desarrollar dentro de la misma. Su marcha se produjo, por tanto, en 1942, aunque de una manera poco amistosa: Dorsey negoció una rescisión de contrato que le garantizaba una tercera parte de los beneficios futuros del cantante en régimen vitalicio. No sería hasta varios años después que Sinatra conseguiría eliminar esa cláusula de rescisión.

El 30 de diciembre de 1942 tuvo lugar uno de los momentos en la vida de Frank Sinatra que contribuyeron a la creación del mito; el propio cantante señaló que fue ese día 'cuando se armó la de Dios'. Subido al escenario del Teatro Paramount de Nueva York, como estrella invitada de una gala en que Benny Goodman era la estrella, estalló una histeria colectiva entre las espectadoras que daría mucho que hablar. A partir de ahí, Sinatra se convirtió en un fenómeno de quinceañeras, de las que tenía que escapar en las circunstancias más inverosímiles. Por ejemplo, casi un año después, el 12 de octubre de 1943, durante su nueva actuación en el Paramount 40.000 fanáticas colapsaron por completo las calles colindantes al teatro. Los clubes de admiradores y los contratos se multiplicaron: programa de radio, contrato cinematográfico de la RKO y portada de la revista Life. A finales de 1943, Sinatra, que había firmado un contrato con Columbia Records, ganaba un millón de dólares al año.

En 1944 comienza su éxito como fenómeno radiofónico con el programa El show de Frank Sinatra que, en distintas emisoras, se mantendría en antena durante catorce años. Paralelamente, expresa su admiración y su apoyo a Franklin D. Roosevelt y realiza una generosa aportación al partido demócrata. Es el comienzo de un continuado interés por la política comprometida, más allá de ideologías, por cuanto también llegaría a ser buen amigo de los Reagan. En este sentido, Sinatra estaba convirtiéndose en un acérrimo defensor de las causas sociales. Dejó una impronta significativa al respecto en una de sus primeras películas, una especie de cortometraje en torno al tema de la tolerancia titulado The house I live in, que le valió un Óscar especial en 1945.

No obstante, y a pesar de las buenas críticas que solía recibir, las primeras incursiones de Sinatra en el cine no fueron bien recibidas, ya que sus tendencias políticas y su problemática vida sentimental le granjearon numerosas reticencias entre la prensa y el público. Cuando sus escarceos amorosos (se le relacionó con Lana Turner y Marilyn Maxwell) salieron a la luz pública, sus admiradores se quedaron perplejos, ya que la maquinaria publicitaria que le acompañaba intentaba sistemáticamente ofrecer de él una imagen de feliz hombre casado y con hijos. Este giro en la apreciación popular provocó que hacia 1949 Sinatra empezase a entrar en declive, pasando a ocupar el quinto puesto en la encuesta de popularidad de Downbeat. En 1950, su asesor de prensa, George Evans, muere de un infarto y sin él sus amoríos se convierten en escándalos pregonados por los medios de comunicación, con los periodistas acechándole continuamente. En febrero de ese año, tras corroborarse su relación con la actriz Ava Gardner, Nancy se separa de él. Además, el 2 de mayo se ve obligado a cancelar todas sus galas tras sufrir un grave problema faríngeo en una actuación.

El 1 de noviembre de 1951, con su carrera atravesando serias dificultades, su popularidad descendiendo continuamente, el fracaso de sus películas y cantando una música que se había quedado anticuada, obtiene el divorcio de Nancy. Al día siguiente él y Ava solicitan la licencia de matrimonio en Filadelfia, casándose el 7 de noviembre. Comienzan así una relación caracterizada por sus numerosas separaciones y reconciliaciones en público. En 1953 Ava Gardner abortó intencionadamente por segunda vez por no sentirse preparada para ser madre. La pareja se divorciaría en 1957.

En los siguientes años, con Mitch Miller, de la Columbia Records, a menudo se vería limitado a grabar canciones de calidad discutible y que tuvieron muy poco éxito. Cuando el contrato de Sinatra con la Columbia expiró, no fue renovado y ninguna otra casa discográfica de renombre quiso contratarlo.

1954-1959
Sinatra peleó y se sacrificó económicamente para obtener un papel en la película de Fred Zinnemann De aquí a la eternidad. No sólo obtuvo el papel sino que además recibió un Óscar por él en 1954 en la categoría de mejor actor secundario. Además, la película fue un éxito en taquilla.

De inmediato empezaron a lloverle ofertas para interpretar papeles en cine y televisión e intervenir en apariciones estelares. Artísticamente, tuvo un gran éxito de crítica con su interpretación en De repente (Suddenly) y empezó a alternar papeles dramáticos con musicales, como por ejemplo Ellos y ellas con Marlon Brando y Alta sociedad con Bing Crosby. En poco más de dos años, entre 1955 y 1957, llegó a protagonizar once películas. En 1956 fundó la productora Kent Productions para respaldar sus proyectos cinematográficos.

En cuanto a su carrera musical, Alan Livingston, de la joven Capitol Records, anunció en una reunión en 1953 la contratación de Sinatra, algo que fue recibido entre el personal de la compañía con desaprobación, pues se consideraba al cantante como un artista acabado. Sin embargo, apoyado por el nuevo director de orquesta y arreglista Nelson Riddle, que supo adaptar las canciones al estilo interpretativo de Sinatra, la carrera del cantante en Capitol se convirtió en un éxito absoluto, devolviéndole al primer plano del mundo de la música.

En 1954 se empezó a consolidar su amistad con Sammy Davis, Jr., a raíz del accidente que le provocó la pérdida del ojo izquierdo; Sinatra lo tomó bajo su protección y le defendió de cuanta discriminación por motivos raciales le pudiese afectar.

Por estos años, el actor Humphrey Bogart tenía un grupo de amigos íntimos a los que él y su esposa, la también actriz Lauren Bacall, se referían como Rat Pack ("pandilla de ratas"). Sinatra, al que se había nombrado líder de la pandilla, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis, Jr., Judy Garland y su marido, Sid Luft, David Niven y su esposa, Hjordis, y otras estrellas formaron parte, en un momento u otro, de este grupo de estrellas contestatarias a las que les gustaba beber, ir de juerga y meterse en líos.

En agosto de 1955 fue portada de la revista Time, que afirmaba que "en la actualidad, es lo mejor del mundo del espectáculo... A punto de cumplir los cuarenta, ha encaminado una segunda carrera que promete ser incluso más brillante que la primera". La producción de Sinatra a mediados de los años cincuenta abarca varios discos y películas memorables, así como unos ingresos que se han cifrado en casi cuatro millones de dólares al año. En 1957 la cadena ABC empezó a emitir The Frank Sinatra Show, un espacio dotado con un gran presupuesto que incluía un espectáculo musical de una hora de duración y una representación dramática de media hora.

Sus relaciones amorosas durante estos años incluyen a Judy Garland, Kim Novak y Lauren Bacall, a quien llegaría a pedir en matrimonio en 1958 para finalmente romper él mismo el compromiso.

A finales de los cincuenta, Sinatra empezó a querer liberarse a toda costa de su contrato de grabación con la Capitol, ya que consideraba que ponía demasiados obstáculos a su forma de grabar. Él quería hacerlo a su manera: seleccionar sus propias melodías, grabar cuando quisiese, programar el lanzamiento de sus discos para las fechas en que consideraba que debían estar en las tiendas e incluso adelantarse a los demás artistas. Sin embargo, tenía claro que nunca podría llevar a cabo esas actividades mientras siguiese trabajando para un sello que no le pertenecía. Finalmente, firmó un acuerdo mediante el cual terminaría su contrato con la Capitol y empezaría a grabar con su propia compañía, Reprise, simultáneamente.

1960-1972
En 1960, anunciada ya la formación de su nueva discográfica, con la que grabaría profusamente durante los años siguientes, Sinatra ganó unos veinte millones de dólares gracias a sus productoras de cine y televisión, Essex, Kent y Dorchester, sus cuatro empresas discográficas, sus intereses en el juego en Las Vegas y Lake Tahoe, sus acciones en radio y sus muchas inversiones inmobiliarias.

La noche del 19 de enero de 1961 fue, en lo personal, una de las más importantes de su vida al producir con enorme éxito la gala inaugural de la presidencia de John F. Kennedy. En ese mismo año inició una relación sentimental con la actriz Marilyn Monroe que, debido al proceso autodestructivo al que se fue sometiendo la actriz, terminó pronto por derivar en una relación de dependencia anímica de ésta hacia el cantante. En febrero de 1962, Sinatra anunció que iba a casarse con Juliet Prowse, actriz, bailarina y cantante de veintiséis años de edad, a la que había conocido en agosto de 1959 y con la que había estado saliendo desde hacía diez meses. Sin embargo, el compromiso, por razones no aclaradas, terminó por romperse.

En marzo de ese mismo año se grabó el famoso programa de televisión donde Sinatra y Elvis Presley aparecieron juntos. Frank pagó 100.000 dólares a Elvis por diez minutos de actuación, que incluía una canción cantada a dúo. En verano el cantante inició por Europa la llamada Gira mundial a beneficio de los niños, durante la que Sinatra visitó diversos hospitales infantiles y centros de atención a los jóvenes en varios países. En diez semanas financió personalmente treinta conciertos y recaudó más de un millón de dólares. A la vuelta de la gira, la vida de Marilyn Monroe empezó a deteriorarse y entre el 27 al 29 de julio, una semana antes de su muerte, estuvo alojada en el Cal-Neva Lodge, un complejo residencal que era en parte de Sinatra.

A finales de 1963 sus relaciones con la mafia conllevaron que el Consejo de Control del Juego del Estado de Nevada presentara cargos contra Sinatra por haber alojado en Cal-Neva al mafioso Sam Giancana; para evitarse problemas, él mismo anunció que renunciaba a su licencia de juego y a Cal-Neva, lo que también significaba la pérdida de su participación del nueve por ciento en los intereses del casino Sands de Las Vegas, lugar de reunión y actuación habitual del Rat Pack.

El 8 de diciembre de ese mismo año, tres hombres, Barry Keenan, Joe Amsler y John Irwin, secuestraron a su hijo Frank, también cantante. El secuestro duró cincuenta y cuatro horas y se resolvió debido a las desavenencias que surgieron entre los propios secuestradores, detenidos dos días más tarde.

En octubre de 1964, durante el rodaje de El coronel Von Ryan, conoce a la actriz Mia Farrow, de 19 años de edad, que estaba trabajando en el rodaje de la serie de televisión Peyton Place. Se casaron dos años después, el 19 de julio de 1966, y trece meses más tarde terminaron sus trámites de divorcio.

En el verano de 1965, Sinatra inició una gira de conciertos por seis ciudades con la orquesta de Count Basie. La gira fue un éxito espectacular, logrando una recaudación total de 600.000 dólares. En enero de 1969 fallece su padre como consecuencia de un aneurisma aórtico. Por esa época, Sinatra empezó a tener problemas con su mano derecha: una disfunción conocida como enfermedad de Dupuytren, que consiste en una disminución del tejido muscular de la mano. En 1970 tendría que someterse a una intervención quirúrgica por este motivo.

Ese mismo año, el 17 de febrero, Sinatra tuvo que declarar bajo juramento ante la Comisión Investigadora del Estado de Nueva Jersey, que le había enviado una citación para que compareciera ante ellos y respondiera a ciertas preguntas sobre su relación con los bajos fondos. Negó cualquier vínculo con ellos. El 9 de julio anunció públicamente su apoyo al republicano Ronald Reagan, que aspiraba a un segundo mandato como gobernador de California.

El 13 de junio de 1971 celebró su concierto de despedida del mundo de la música en el Los Ángeles Music Center.

El 18 de julio de 1972 hubo de declarar ante la Comisión investigadora sobre el crimen, que había estado investigando la influencia del crimen organizado sobre los deportes y las carreras de caballos. El House Select Committee on Crime quería interrogar a Sinatra acerca de una inversión de 55.000 dólares en Berkshire Downs en Hancock (Massachusetts) diez años atrás.

Durante ese año conoció a Barbara Marx, esposa de Zeppo Marx, con la que finalmente se casaría.

1973-1998
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.En junio de 1973 Sinatra volvió a los estudios de grabación con el productor-arreglista Don Costa y el arreglista Gordon Jenkins para grabar Ol'Blue eyes is back, disco que salió al mercado junto a un especial televisivo del mismo título, en el que participó el actor y cantante Gene Kelly, emitido el 18 de noviembre de 1973.

En julio de 1974 inició una gira por Extremo Oriente, cinco países de Europa y Australia. A finales de año, su relación con Bárbara terminaba. Tras algunos intentos de entablar una relación estable con otras mujeres, entre las que estaba Jacqueline Kennedy, Sinatra y Bárbara se volvieron a unir.

El 1 de abril de 1976 Sinatra actuó en el Westchester Premier Theater. Tras la actuación, se realizó una sesión fotográfica de la que surgirían las famosas fotos en las que el cantante aparece con varias figuras del crimen organizado, incluyendo a Jimmy Fratianno y Carlo Gambino.

Contrajo finalmente matrimonio con Barbara Marx el 11 de julio de 1976 en Sunnylands, una finca de Walter Annenberg en Palm Springs.

El 9 de enero de 1977, la madre de Sinatra, Dolly, falleció tras un accidente de avión en San Gorgonio Mountain, en California del Sur. Su muerte tuvo un profundo efecto en él, regresando al catolicismo de su juventud.

Durante ese año Sinatra produjo y actuó en su primera película para televisión, Contract On Cherry Street.

En Las Vegas, celebrando sus cuarenta años como artista y su sesenta y cuatro cumpleaños, fue galardonado con el Grammy Trustees Award durante una fiesta especial en el Caesar's Palace.

Durante la década de los ochenta, Sinatra se mostró muy activo en cuanto a conciertos. Fue especialmente memorable el dado en el estadio de fútbol de Maracaná ante 175.000 personas. También pulverizó un récord que había durado noventa años en el Carnegie Hall, donde debía actuar durante dos semanas, al poner el cartel de "no hay entradas" en un solo día.

Durante la campaña presidencial de 1980, apoyó incansablemente a Ronald Reagan: consiguió recaudar más de 250.000 dólares, asistió a la Convención Republicana de Detroit durante la que se nominó a Reagan y, cuando éste fue elegido presidente, fue nombrado director de la gala inaugural celebrada el 19 de enero de 1981 en el Capitol Center de Maryland. Ese mismo año estrena su última película, El primer pecado mortal.

El 11 de febrero de 1981 declaró en los despachos del Ayuntamiento de Las Vegas con el objeto de que se le concediera una licencia de juego, la cual obtuvo.

En 1984, Sinatra grabó el que sería su último álbum con canciones nuevas: L.A. is My Lady, cuya canción del mismo título se entiende como una compensación cariñosa a la ciudad de Los Ángeles, tras el éxito de New York, New York. Este disco fue producido por su viejo colaborador Quincy Jones, quien vivía una etapa de máxima popularidad gracias a su trabajo en Thriller de Michael Jackson.

En diciembre de 1987, Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. dieron una rueda de prensa en Beverly Hills para anunciar públicamente una gira por todo el país. Las entradas se agotaron en cada una de la veinticinco ciudades que integraban la gira mucho antes de la fecha del concierto; la gira tuvo que realizarse en su mayor parte sin Martin, que no pudo resistir la reciente pérdida de su hijo.

En 1989 emprendió una gira mundial junto con Davis y Liza Minnelli, aparte de seguir con numerosas actuaciones individuales. A finales de años a Sammy Davis Jr. se le diagnosticó un cáncer de garganta, que finalmente acabaría con su vida el 16 de mayo de 1990. El 24 de enero había muerto Ava Gardner. Aun así, ese mismo año comenzó una gira, que se prolongaría a lo largo de todo 1991, en compañía de Steve Lawrence y Eydie Gormé, para celebrar sus cincuenta años en el mundo de la música. La gira agotó todas la localidades. La memoria del cantante, no obstante, empezaba a fallar y las cataratas que había desarrollado en los dos ojos le impedían leer correctamente las cuatro pantallas situadas al borde del escenario. Aun así, y a pesar de su edad, el programa de giras de Sinatra entre 1991 y finales de 1994 fue extraordinario, actuando prácticamente todas las semanas para públicos entusiastas de todo el mundo. Su fortuna en 1991 ascendía, según la revista Forbes, a 26 millones de dólares.

1993 sería el año en que volvería a hallarse en lo más alto de las listas con su primer álbum en diez años, Duets, con trece canciones clásicas regrabadas a dúo con algunos de los cantantes más populares del momento, como Bono, del grupo U2, Julio Iglesias o Liza Minnelli. El disco, para cuya grabación Sinatra nunca estuvo en el estudio con ninguno de sus compañeros, pues sus respectivas partes se grabaron por separado, fue un gran éxito y vendió millones de copias, alcanzando el número 1 en el Billboard. En 1995 saldría Duets II y ese mismo año recibió un premio por toda su vida profesional en la entrega de los Grammy.

El 25 de febrero de 1995 ofreció el que sería su último concierto en el Desert Springs Resort and Spa del hotel Marriott, en una fiesta privada de unas mil doscientas personas celebrada el último día del torneo de golf Frank Sinatra Desert Classic. A finales de año, Dean Martin moría y el cantante se sumió en una profunda depresión.

En noviembre de 1996, un mes después de su última aparición pública en el baile benéfico del Carousel en Los Ángeles, ingresó en el hospital, así como dos veces más en enero de 1997, apareciendo en titulares de prensa y reportajes de todo el mundo. A finales de abril de ese año el Congreso de Estados Unidos votó conceder a Sinatra la Medalla de Oro del Congreso a propuesta del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano.

Murió el 14 de mayo de 1998 a los 82 años, a consecuencia de un ataque al corazón.

Vida privada
La inmensa popularidad de Sinatra, ya desde los mismos inicios de su carrera artística durante los años 40, condicionaron por completo su vida, tanto en el ámbito privado como en el ámbito público. En primer lugar, trastornó su vida familiar.

Sinatra se había casado en 1939 con Nancy Barbato. Los continuos viajes del cantante posibilitaron su infidelidad casi desde el comienzo del matrimonio, aun cuando llegaron a tener tres hijos (Nancy, Frank y Tina). Aunque Sinatra intentó mantener una imagen pública a través de los medio de hombre familiar, la situación se hizo tan insostenible para ella que en San Valentín de 1950 Nancy anuncia su decisión de separarse definitivamente de él, debido a que sale a la luz la relación que mantenían su marido y Ava Gardner. La anulación del matrimonio llegaría el 31 de octubre de 1951, y poco después La Voz y El animal más bello se casaron. Su luna de miel la hicieron en Cuba, hospedándose en el Hotel Nacional de La Habana. A pesar de esta ruptura y de las razones para la misma, a lo largo de los años ella jamás le hizo el más mínimo reproche público a Sinatra. A su vez, Sinatra jamás le dio la espalda a ella ni a sus hijos.

Frank siempre la llamó su "sweetheart" (mi vida) y confió en ella totalmente. "Ella es la única mujer que me comprende", decía a sus amigos. Nunca dejó de quererla, pero nunca volvió con ella.
Su relación con Ava Gardner, la que mejor materializa sus relaciones sentimentales públicas, fue extraordinariamente problemática. Profundamente enamorados uno del otro, con una carga erótica muy palpable, el choque de caracteres destruyó la relación. Sinatra sufrió en sus propias carnes lo mismo que había sufrido su mujer Nancy por sus infidelidades: Ava Gardner no solo era una actriz inmensamente popular sino que su belleza y deseo sexual eran harto conocidos: plagada de celos, peleas violentas, borracheras de uno y del otro, e incluso intentos de suicidio por parte de Sinatra, la relación se fue al traste con dos abortos de ella por el medio. El 27 de octubre de 1953 decidieron separarse, provocando una tercera intentona de suicidio que fue impedida por un amigo del cantante.

Al divorciarse de Ava encontró un gran apoyo en Marilyn Monroe, que también se había separado de su marido Joe DiMaggio. Se hicieron muy amigos e incluso Monroe se fue a casa de Sinatra a vivir un tiempo cuando ya su suicidio andaba cerca.

El magnetismo de Sinatra se materializó públicamente en la formación espontánea de un grupo de amigos al que Lauren Bacall, denominó “Rat Pack” o también “Clan Sinatra”. Esta banda estaba compuesto por multitud de actores y actrices, Jerry Lewis, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Joey Bishop, Shirley MacLaine, David Niven, Humphrey Bogart, quien diría: "Nos admirábamos mutuamente y no necesitábamos nada más".

Eran famosas las fiestas y orgías de este grupo, siempre acompañadas de mucho alcohol, drogas y prostitutas. Frank era el “Pack master”, por lo que era admirado y respetado por el resto de “Packers”.

Se casó por tercera vez con la actriz Mia Farrow en 1966, pero el enlace solo duraría 2 años, así que se casó una cuarta y última vez con Barbara Marx (exmujer de Zeppo Marx) en 1976.

Relaciones con la mafia
Uno de los aspectos de la vida de Sinatra más polémicos y criticados y que más problemas le dio en vida fue el de sus relaciones con la mafia, llegando al punto de verse obligado a declarar al respecto en una comisión de la Cámara de Representantes el 18 de julio de 1972. Aunque estas relaciones fueron ciertas (fue amigo, por ejemplo, del mafioso Sam Giancana) nunca se pudo presentar ninguna prueba de que hubiese estado involucrado en ninguna actividad ilegal, sino que más bien fueron una consecuencia de su proyección como cantante, lo que le habría llevado a contactar con quienes dominaban las grandes salas de conciertos de Estados Unidos y a valerse de su apoyo, llegando por ejemplo a trabajar para Giancana en numerosos clubes nocturnos.

No obstante, su relación con la Cosa Nostra fue muy íntima desde el principio. Uno de sus tíos, Babe Gavarante, era miembro de una banda que tenía su área de actuación en el Condado de Bergen, al norte de Nueva Jersey, y que estaba controlada por el entonces capo de la “Oficina” (nombre que recibe la mafia en Nueva Jersey) Guarino "Willie" Moretti. Asimismo, la primera mujer de Sinatra, Nancy Barbato, era prima de una de los “soldados” de Moretti y Sinatra fue invitado a cantar en la boda de la hija de éste. En este hecho se basarían Mario Puzo y director de cine Francis Ford Coppola para una de las escenas del libro y la película El padrino, en la cual, el cantante "Johnny Fontane" acude a cantar al matrimonio de Connie Corleone, hija de Vito Corleone, padrino de Fontane a quien luego le pide ayuda para ser seleccionado en una película que alzaría su fama.

Moretti sufría de sífilis y su salud física y mental se fue deteriorando. Ante el miedo de que pudiera hablar más de la cuenta, la familia decidió liquidarlo, hecho que fue llevado a cabo por cuatro sicarios el 4 de octubre de 1951, precisamente el día en que había quedado para comer con Jerry Lewis y Dean Martin, quienes, en compañía del propio Sinatra, actuaban de vez en cuando en el Ben Marden´s Riviera Club de Nueva York, local del que era propietario una de los “soldados” de Moretti.

También se tiene constancia de que Sinatra mantuvo una gran amistad con Lucky Luciano, el considerado padre del crimen organizado, a quien visitó en La Habana en un par de ocasiones y posteriormente en su exilio en Sicilia. Asimismo hay pruebas de que fue invitado de honor, y cantó, en la fiesta de Navidad de 1946 que Luciano organizó en Nápoles.

En los archivos del FBI se conserva un expediente sobre Sinatra de 2403 páginas.

Sinatra y Kennedy
El senador John F. Kennedy, candidato a la presidencia de los Estados Unidos, era admirador del Rat Pack y de Sinatra, quien se metió de lleno en la campaña electoral de Kennedy en 1959 cuando se decidió por vez primera que Kennedy presentaría su candidatura a presidente. Sinatra se comprometió porque sentía gran respeto por su política. Joseph P. Kennedy, padre del candidato, le pidió a Sinatra que actuara en una serie de conciertos con el fin de recaudar fondos para la campaña. También quería que Sinatra se pusiese en contacto con sus amigos influyentes del mundo del espectáculo para lograr el apoyo de éstos a Kennedy. Le sugirió que grabase un tema para la campaña y acordaron realizar una nueva versión de la canción High Hopes.

Como devoto del Partido Demócrata de los Estados Unidos, Sinatra hizo campaña a favor de Kennedy de manera incansable, recaudando fondos en conciertos y cobrando antiguos favores.

La relación de Sinatra con los Kennedy entró en conflicto en marzo de 1960, cuando Frank decidió contratar a Albert Maltz para que escribiera el guión de The Execution of Private Slovik, la historia del único soldado estadounidense ejecutado por deserción desde la guerra civil, que Sinatra pensaba dirigir y producir. Maltz estaba en la lista negra por ser uno de los diez de Hollywood que se habían negado a cooperar con el Comité de Actividades Antiamericanas. La polémica contrarió a Joseph P. Kennedy, sobre todo cuando los cardenales de Nueva York y Boston le comentaron que el apoyo de Sinatra a Maltz podría dañar la carrera de su hijo en los sectores católicos. Sinatra tuvo que despedir a Maltz y continuó su campaña por los Kennedy mediante actuaciones, donaciones y también contratando un detective privado para descubrir asuntos turbios de Richard Nixon.

John F. Kennedy intentó distanciarse de Sinatra después de ser nominado pero, como le comentó Pierre Salinger (jefe de prensa de Kennedy) a un votante, Sinatra y sus amigos habían ayudado al Partido Demócrata a recaudar 1.300.000 dólares para eliminar el déficit de la campaña, y ésa había sido una ayuda inestimable. En este sentido, una vez elegido presidente, se le pidió a Sinatra y a Peter Lawford que produjeran el baile preinaugural del mandato presidencial.

Carrera musical
El primer registro sonoro que existe de Sinatra es del 8 de septiembre de 1935 en una grabación radiofónica de la canción titulada Shine (en la versión de los Mills Brothers) con el grupo vocal al que pertenecía, los Hoboken Four, que participaba en el popular programa Major Bowes Amateur Hour.

La carrera musical de Sinatra se puede dividir en tres etapas:

la primera etapa sería la de los años 40, en la que se produce su evolución de cantante de orquesta (de las de Harry James y Tommy Dorsey) a cantante solista para Columbia, habitualmente con una orquesta dirigida por Axel Stordahl.
Sobre el arranque de su carrera musical, la crítica ha dicho:

Sinatra, al igual que otros coetáneos, estaba sustituyendo el carácter sincopado del jazz de Nueva Orleans por un modo de cantar acorde con el compás de cuatro tiempos de la era del Swing; pero en otro sentido, (...) se hacía eco del estilo belcantista italiano, que había quedado arrinconado tanto en el mundo del canto lírico, a causa de las tendencias veristas, como en el mundo de la canción popular, surgido en la opereta y el vodevil. Con la ayuda del micrófono, y tras la enseñanza pionera de Crosby, Sinatra recuperó un modo sutil de cantar, sin estridencias, respetando el texto, atento a las inflexiones, con sentido del rubato, vocalizando con gran cuidado y evitando cubrir las notas más agudas para preservar la naturalidad de la emisión.
la segunda etapa, la más elogiada, es su época como cantante para Capitol, que abarca la década de los 50; fue un periodo fundamental en su vida en todos los aspectos y supuso su consagración absoluta como número uno de la canción popular. La importancia de la colaboración de arreglistas como Nelson Riddle y otros fue esencial para transformar el sonido de Sinatra en uno más moderno alejado del de su época anterior.
la tercer etapa, y última, es la de su salida de Capitol para gestionar una compañía discográfica propia, Reprise. Esta etapa está marcada por su supervivencia como artista en medio del surgimiento y consolidación del rock and roll.

Vocalista de la orquesta de Harry James (1939)
Frank Sinatra grabó en 1939 diez canciones con la orquesta del trompetista Harry James para Brunswick y Columbia: "From the Bottom of My Heart" (grabada para Brunswick el 13 de julio en la que sería su primera grabación en un estudio), "Melancholy Mood", "My Buddy", "It's Funny to Everyone but Me", "All or Nothing At All", "On a Little Street in Singapur", "Ciribiribin", "The Hucklebuck", "Our Love" y "Castle Rock".

Al igual que ocurriría con la orquesta de Tommy Dorsey, el vocalista es, en estos casos, un elemento más de la orquesta, en la que, de sobresalir alguien, ése era su líder, en ambos casos los trompetistas que daban nombre a la misma. Lo normal en estas canciones es que, tras una introducción trompetística del tema, Sinatra entraba con la letra y luego iba alternando con las intervenciones de la orquesta.

La voz de Sinatra en estas interpretaciones es, como corresponde a su edad, muy limpia. Su especial cualidad para la perfección en el fraseo es ya manifiesta. Las interpretaciones son, sin embargo, poco proclives a exhibiciones técnicas, pues el vocalista estaba obligado a ajustarse al tono de la música orquestal, un tono muy suave y pausado, muy melódico, al servicio del baile en pareja. Las letras, por lo demás, son muy sencillas.

No obstante lo anterior, muchos de estos temas llegaron a ser enormemente populares. Los múltiples recopilatorios que se editan de la obra de Sinatra incluyen sistemáticamente canciones de esta etapa como Melancholy Mood o All or Nothing At All.

La importancia para Sinatra de esta etapa con Harry James ha sido caracterizada en los siguientes términos:

"Durante los seis meses que pasó con Harry," ha explicado Louise Tobin, "Frank aprendió más sobre la música que en todos los años de su vida hasta ese momento." Si Dorsey le habría de sugerir el método para frasear las canciones, James le proporcionó un modelo de cómo presentarlas con un envoltorio emocional. También de James, Sinatra podría haber aprendido a mezclar la ternura del pop con la invectiva de raíz blusística, a swinguear y a relacionarse con la orquesta, a personalizar una melodía y a hipnotizar a la audiencia.

Vocalista de la orquesta de Tommy Dorsey (1940-1942)
Sinatra se unió a Tommy Dorsey en enero de 1940, tras haberle fracasado a este la sustitución de su cantante Jack Leonard por el barítono Allan DeWitt. La primera grabación de Sinatra con la orquesta de Tommy Dorsey es del 1 de febrero de 1940 para el sello Victor (su primera actuación registrada es del 25 de enero en Rockford, Illinois) y la última de enero de 1942.

Si Sinatra tuvo alguna influencia continuada y subyacente a la hora de crear su propio estilo, ésta fue la de Tommy Dorsey (su dominio, por ejemplo, en el control de la respiración era proverbial, por lo que Sinatra intentó emularlo con la voz).

Dorsey fue una inspiración para Sinatra: su presencia, perfeccionismo musical y perspicacia para los negocios fueron cualidades que él mismo desarrollaría. Y el virtuosismo melódico de Dorsey, su tono limpio y su pulcro fraseo fueron importantes influencias en la evolución del inicial estilo vocal de Sinatra.
Su etapa con Dorsey supone un cambio importante para Sinatra. Respecto de la orquesta de Harry James, muy vinculada a un swing directamente encaminado a un público joven, la orquesta de Dorsey es más pausada: su repertorio son las baladas y el toque de la orquesta es relajado y preciso. Consecuentemente, el vocalista consigue situarse en un primer plano, si no absoluto, cuando menos ya no como simple acompañamiento de la orquesta, como ocurría con Harry James. Dicho de otra forma, con la orquesta de Tommy Dorsey es cuando Frank Sinatra se convierte definitivamente en un vocalista, con unas características propias y bien definidas, que ya nunca le abandonarían: fraseo preciso e interpretación subjetiva de las letras. Dorsey transmitió al joven cantante

el concepto de interpretar una melodía de tal manera que pudiese ser inmediatamente reconocida, al tiempo que estuviese tan personalizada que sonase como una creación hecha por o para el intérprete.
Por lo demás, el color de la voz se había tranformado a una tonalidad más oscura y la agresividad interpretativa había dejado paso a una rendición de las canciones mucho más controlada.

Responsables directos de este protagonismo de Sinatra lo tiene los arreglistas, fundamentales de aquí en lo sucesivo en la carrera de Sinatra: Axel Stordahl, Sy Oliver, Paul Weston, etc.

No obstante, el principal factor que propició la proyección de Sinatra a una popularidad nacional fue la regular intervención de la orquesta de Dorsey en programas de radio. Un espectáculo semanal de la NBC llamado Fame and Fortune, que estuvo en antena de octubre de 1940 a abril de 1941 y que presentaba a la orquesta tocando temas de compositores aficionados, fue escuchado por millones de personas.

En mayo de 1941, Sinatra había desplazado a Crosby en la lista de los mejores cantantes masculinos de las revistas Billboard y Down Beat.

Canciones populares de esta etapa son I'll Never Smile Again (el mayor éxito), Fools Rush In, Stardust, Everything Happens To Me, This Love of Mine, I'll Be Seeing You, This Is The Beginning of The End, East of The Sun, Without a Song, Blue Skies, Violets For Your Furs, The Night We Called It A Day, The Song Is You y Night And Day (clásico este último de Cole Porter que Sinatra grabaría en multitud de ocasiones).

La etapa COLUMBIA (1943-1952)
Conocida también como el periodo Sinatra-Stordahl, las grabaciones de Frank Sinatra para la compañía discográfica Columbia, muchas de ellas ensayadas en cierto sentido en las continuas actuaciones en directo del cantante, suponen su consolidación como intérprete: la calidad del material sobre el que trabaja y el momento excepcional por el que pasaba su voz, convierten a este periodo en un rival de la etapa Capitol para muchos aficionados. Por lo demás, la asociación Stordhal-Sinatra representa el periodo más prolífico de la carrera del cantante.

Durante estos años, bajo la dirección musical de Stordhal, Sinatra graba con dos orquestas de la American Federation of Musicians (AFM) -1942-1944 y 1948- y, entre 1944 y 1947 se dedica exclusivamente a las grabaciones de estudio y a la radio. A partir de 1949, empieza a trabajar con otros directores musicales.

El logro básico de Sinatra en este periodo consiste en haberse convertido en el representante por antonomasia de la interpretación de la música popular estadounidense y, consecuentemente, en una figura de una influencia extraordinaria en el ámbito de la canción internacional. Paralelamente, su enumbramiento individual constituyó un golpe de gracia definitivo en el proceso de decadencia de las big bands, abriendo las puertas a una nueva era de la música popular cuyo dominio correspondía a los vocalistas. Así lo atestiguan, por ejemplo, el enorme éxito de los V-Discs (discos de la victoria), realizados para consumo particular de las Fuerzas Armadas estadounidenses.

Es característico de esta etapa el uso de varios violines en la orquesta, en contraposición a su etapa anterior de cantante de orquestas de baile donde eran menos usados. Idea de su arreglista Axel Stordahl, el uso de las cuerdas ayudó a crear una atmósfera más sensual que rompía con su anterior estilo.

El estilo y tono es un progresión del de la etapa anterior: Sinatra es un cantante melódico especializado en letras románticas, interpretadas con la suficiente expresividad y atención como para hacer de esas canciones algo propio.

Algunas de las canciones más representativas de este periodo son I'll never smile again (1940), Nancy (with the Laughin'Face) (1945), How Deep Is the Ocean, Stella by Starlight, Begin the Beguine, If You Are but a Dream, etc.

La etapa Capitol (1953-1961)
El Sinatra de Capitol tiene un sentido del ritmo apenas anunciado antes, un swing que ha sabido desembarazarse de convenciones retóricas y que puede adoptar un gran ímpetu sin renunciar al cuidado del fraseo y la dinámica. El estudio obsesivo de Mabel Mercer y sobre todo de Billie Holiday, a quien viene siguiendo desde finales de los treinta, le han facultado además para la interpretación de baladas verosímiles en toda su gama emocional.
Los discos de Frank Sinatra para la discográfica Capitol constituyen la parte más valorada por crítica y público de su producción musical. Se trata, además de recopilatorios y de un disco navideño, de un conjunto de 15 álbumes originales realizados entre 1953 y 1961.

El trabajo de Sinatra para Capitol se materializó en la explotación de las posibilidades del relativamente nuevo formato del LP, creando álbumes conceptuales a partir de la agrupación de canciones vinculadas bien por el tema bien por el tono (relajado, swingueante, romántico, etc.), utilizando para ello el corpus de las grandes canciones populares de los años 30 y 40.

Sinatra aprovechó al máximo las posibilidades del LP, imbuyendo a la sucesión de canciones de un argumento coherente y superior. En buena parte se le debe la definitiva consolidación del repertorio estándar.
A pesar de contar con productores propios de la casa discográfica, Sinatra se comportó durante todas las grabaciones como el auténtico productor, tomando continuamente decisiones sobre las tomas más adecuadas para ser finalmente incorporadas a los discos y sugiriendo a los arreglistas posibles mejoras en su trabajo.

Con todo, el gran artífice de la consolidación de Sinatra durante este etapa fue el arreglista y director orquestal Neslon Riddle, responsable de la creación de un nuevo sonido y estilo para el cantante. Otros arreglistas importantes fueron Gordon Jenkins y Billy May.

La etapa REPRISE (1961-1991)
La etapa de los años en Reprise coincidió con la aparición de numerosos problemas para Sinatra en distintos ámbitos: musical (con la irrupción demoledora de los Beatles y del pop en general), política (con sus relaciones con Kennedy), personales (problemas legales en Las Vegas, el secuestro de su hijo...) además de con su constante actividad cinematográfica y musical. Esta variada y compleja problemática biográfica se refleja de alguna manera en su carrera musical de estos años.

La discografía de esta última etapa ha recibido una desigual consideración por parte de la crítica. Básicamente, en comparación con sus anteriores dos etapas, la etapa Reprise se caracteriza por la variedad de estilos ensayados, que dan lugar a una sucesión de álbumes de difícil consideración homogénea:

-en primer lugar, están los discos que intentan conectar con el nuevo gusto del consumidor de música, ya sea con una música que retoma la orquestación swing para aproximarse al pop del momento: por ejemplo, Ring-A- Ding Ding! (1961), ya con canciones con una letra y una música que, aunque de factura clásica, intentan sonar un poco más modernas que la de la etapa Capitol: Strangers in the Night (1966).
-en segundo lugar, discos planteados desde un punto de vista clásico, que los conecta directamente con la etapa Capitol: por ejemplo, I Remember Tommy (1961), All Alone (1962) y sus colaboraciones con Count Basie, Duke Ellington y Antonio Carlos Jobim.
-en tercer lugar, discos que se podrían llamar experimentales, en el sentido de planificados al margen de toda moda y toda tradición: por ejemplo, Moonlight Sinatra (1966), Watertown (1970) y Trilogy (1980).
El resultado va de éxitos incontestables tanto en lo comercial como en lo especializado como Septembers Of My Years, 1965, al extraordinario e inesperado éxito comercial de sus dos discos de Duets, vilipendiados por la prensa especializada, pasando por canciones como My Way (versión de la canción Comme d'habitude de Claude François) y Strangers in the Night que pasaron a convertirse en temas clásicos en el repertorio del cantante.