Masterboy

Masterboy es una banda alemana, formada en el año 1991 por Tommy Schleh, Enrico Zabler y Trixi Delgado.(Luego en 1996 por la salida de Trixi ingresa Linda Rocco).
Esta banda se destacó por su estilo Eurodance, en la década de los noventa.
Fue suceso en Europa, Oceanía, Asia , Canadá y en Sudamérica, realizando recitales con mucho éxito.
La canción más famosa fue "Feel the heat of the night" del año 1994, alcanzando los primeros lugares en los ránkings europeos, lo mismo con "Land of dreaming" de 1996, del disco "Generation of Love".
En el año 1996, Linda Rocco abandona el grupo (claro que la canción más famosa en su período, fue Dancing Forever, cover de los años 70); fue reemplazada por Annabell Kay, con la canción que también tuvo éxito "Porque te vas".
En el año 2002, Trixi regresa a la banda y hasta el día de hoy, siguen vigentes con su música, con versiones en remixes, acompañados de Djs.

Jordy

Un ilustre de la música más extraña de los 90s hace su arribo al Hall de Fama y logra codearse con los más grandes artistas de la historia de la música para olvidar.
Jordy nace en 1988, originario de Francia, y a la tierna edad de 4 años sus padres ven en él a la gallina de los huevos de oro. Es así como, con un perfecto manejo del fránces que causó suspicacia, comienza su odisea musical lanzando el disco "Pochette surprise", en 1992, disco en el cual venía incluído quien fuese su bastión y su pasaje a la gloria musical: "Dur dur d'être bebé", himno preescolar que relataba cuán difícil le era a Jordy lidiar con su condición de bebé.
El single se convierte en un suceso mundial, alcanzando el número 1 en varios países, siendo tocado con insistencia en las radios y el mundo se "maravillaba" con el talento que exhibía el joven cantante francés. Y esto le trajo, además de la fama y el dinero, un logro personal, ya que Jordy logra ingresar al Libro de Record Guiness, como el cantante más joven en alcanzar el número uno en rankings musicales.
Jordy nos deleitó con la letra de su hit, en la cual se presentaba como " Mi nombre es Jordy, tengo 4 años, y soy pequeño (Es difícil ser bebé, Es difícil ser bebé)", y además insinuaba en el videclip como sus padres manejaban su pequeña vida. No muy lejos de la realidad ya que, en 1994, se abrió el caso sobre la explotación de la cual Lemoine era víctima por parte de sus padres, que lucraron como pocos a costa del rubiecillo.
Antes en 1993, cuando aún quedaba algo de fama, lanzó un Ep titulado "Potion magique", pero, sin duda, todo el reconocimiento estaba en su pasado single, de pegajosa melodía y una voz simpática de Lemoine. Pero no podía tampoco estar exento de escándalo, y para goce de varios, Jordy Lemoine se ve acusado de falsear su voz en sus canciones, responsabilizando al padre de hacer los arreglos vocales pertinentes. Pero poco importó la acusación. Jordy ya no llamaba la atención ni el mundo se fijaba en él. La chatarra ya se había consumido.
Como dato curioso Lemoine volvió a la luz pública en el 2005 a través de un reality (siguiendo la tendencia de viejas glorias como Vanilla Ice, Haddaway y Mc Hammer), resultando vencedor. Y, con esta exposición ganada, lanza en el 2006 un single titulado "Je t’apprendrai". Pero no hay caso lolito. Todos te recuerdan, lamentablemente, en tu época de gloria.
Siendo un bebé

Milli Vanilli

Milli Vanilli fue un dúo compuesto por Fabrice "Fab" Morvan (14 de mayo 1966) y Rob Pilatus (8 de junio de 1965 - 2 de abril de 1998) que se formó en Alemania a mediados de los 80. En un principio, ambos integrantes eran bailarines acompañantes de Sabrina Salerno. El productor aleman Frank Farian se fijó en ellos y lanzó su carrera como grupo musical. Entre sus éxitos cabe señalar Girl you know it's true, editada en 1988.

En 1992 se les concedió el Premio Grammy al artista revelación. En un concierto en el que falló el playback, la gente comenzó a sospechar. Poco después, en noviembre de ese mismo año el productor e inventor del grupo Frank Farian admitió que en realidad Fab y Rob no eran los que cantaban: la implicación de ambos con su música se limitó a ofrecer su imagen en la cubierta de los discos y en los escenarios. Su música estaba pregrabada en sus vídeos musicales y sus conciertos. El escándalo provocado por este descubrimiento hizo caer en el olvido al grupo.

En 1991, el mismo productor quiso relanzar a los cantantes que realmente cantaban las canciones del grupo, con el nombre de The Real Milli Vanilli, pero el intento (plasmado en el disco Moment of Truth) cayó en el fracaso. En 1993 la pareja original volvió a probar suerte, esta vez sí interpretando sus canciones, esta vez como Rob & Fab, pero el éxito no les acompañó en esta ocasión. En 1998, Rob Pilatus murió por sobredosis en Frankfurt.

Wilfred & La Ganga

Muchos recordarán a quién tuvo un fugaz éxito pero que marcó el inconsciente colectivo de principios de los 90. Un acción no menor, fijándose en la calidad del producto. Pero, como dice Wilfred, su hit “Mi Abuela” era una parodia al emergente rap caribeño de esa época, y sobre todo dirigido a Ruben Dj, quien fue uno de los precursores del movimiento.
Wilfred Morales trabajaba en la televisión como showman en su natal Puerto Rico cuando decidió lanzarse al mundo musical con su grupo (La Ganga) consiguiendo un rotundo éxito en Latinoamérica e, incluso, parte de España. Ahondando aún más, Wilfred, creador del personaje llamado “Cholón” para la televisión, ideó su hit “Mi Abuela” como el arrebato irónico y de extremo mal gusto (y por eso mismo adictivo, ja) hacia el tema “La Escuela” de Ruben Dj.
Este curioso personaje sacó 2 discos, con un single más de mediano éxito (“La Baticueva”), pero“Mi abuela” fue quien perduró bastante en rankings y hasta en slogans publicitarios (Mayonesa Hellman´s). Basta recordar el Sábado Taquilla, por TVN, de esa época para ver que la notoriedad de “Mi Abuela” no fue casual.
El tema trataba sobre las penurias que vive Wilfred al irse de vacaciones y llegar de refilón a casa de su abuela. La que no le servía “Hamburger” sino que arroz con habichuelas y lo dejó “Coquipelado” ya que no le gustaba verlo con su melena. Cabe señalar lo rudimentario del video clip, sus efectos kitsch y una no menos extravagante performance de Wilfred.
Wilfred perteneció a la generación dorada del rap caribeño “de culto”,de principio de los 90, integrado también por nombres como Gerardo (“Rico Suave”) y Que Pasa (“Mami Yo te Quiero”). Wilfred Morales es hoy en día productor de programas radiales y de televisión, luego de una buena carrera como actor de comedias.
Marcó de manera sorprendente un hito con su emblemática canción y ganó un espacio en la memoria colectiva de toda una generación, que ve en él un personaje de colección.

Snap!

Es una banda alemana de música electrónica, donde combinaban el rap y el hip-hop con el house.
Fue creada por Michael Münzing y Luca Anzilotti.
El cantante rapero de la banda se llama Turbo B.
A principios de la década de los 90, fue furor y éxito total en las discotecas de Europa y algunas partes de Sudamérica por su estilo musical.
Sus canciones más conocidas son :
The Power, Ooops Up, Rhythm is a Dancer, Exterminate, Do you see the Light, Cult of Snap y Mary had a little boy.
Fue una de las bandas sonoras, sobre todo, la película como Todo Poderoso de Jim Carrey e incluso algunos de sus hits aparecían en comerciales.

Haddaway

Haddaway puede considerarse un ejemplo de revival musical, un sonido que hace eco nuevamente años después, para desgracia de algunos y alegría de no pocos. Considerado un ícono del house electrónico de los tempranos 90, Alexander Nestor Haddaway dio un golpe al mundo de los desechables beats. Este alemán lanzó el disco “Haddaway” en 1992, disco en el cual venía incluido su mayor hit (y único en América) que, sin embargo, se convirtió en un inmortal clásico disco: “What Is Love?”. A los 27 años Haddaway alcanzaba la cima (el single en cuestión alcanzó varios Nº 1 en Europa y América) e inscribía su nombre en la historia del pop electrónico. Este álbum debut tuvo otros singles que resonaron en las radios de Europa, no así en otras partes del mundo. En 1995 lanza The Drive, sin el impacto mundial que alcanzó años atrás. Pero ahora viene el segundo aire de Haddaway...En 1998 se estrena la película “A Night At The Ruxbury”, protagonizada por Will Ferrel e integrantes de Saturday Night Live (la película se basa en un clásico y recurrente sketch del programa). La película alcanzó buenos niveles de popularidad y “What Is Love?”era la canción emblema del film. Los protagonistas movían sus cabezas permanentemente hacia su derecha al ritmo de Haddaway en las discos de moda (este sketch se copió pobremente, con canción y todo, en el programa chileno “Oveja Negra” ). Y es así cuando, después de algunos años, que Haddaway vuelve a cosechar popularidad en el Norte de América.Haddaway lanza en 1998 un Grandes Éxitos, aprovechando su revival, y se mantiene “estable” por un tiempo en el mundo musical. Ya en los últimos años Haddaway lanza un par de discos más (2002 y 2005), mientras hizo apariciones en algunos programas de televisión y reality shows. Mientras ahora silenciosamente se deleita de su “gloria” pasada. Como un clásico del saturado pop noventero.

Technotronic

Technotronic fue un grupo belga de música house formado por el productor Jo Bogaert (también productor de la banda L'Olimpe) bajo el seudónimo de Thomas De Quincey y la vocalista Ya Kid K (Manuela Kamosi) en 1988. Producto de laboratorio en su esencia, Technotronic fue uno de los mayores impactos musicales en el mundo chatarra de principio de los 90s, abriendole paso a la música llena de samplers y sintetizadores, alcanzando un enorme éxito y popularizando este estilo musical.Technotronic alcanzó la fama mundial con la salida, en 1989, del single "Pump Up The Jam", canción que sonó fuertemente en los diales, convirtiéndola con el paso del tiempo en el mayor éxito de una canción "electrónica" en la historia musical.La pegadiza canción rotó fuertemente hasta 1990. Mientras en la portada del disco "Pump Up The Jam : The Album" aparecía una modelo llamada Felly, al igual que en el videoclip era ella quien doblaba la canción. Decisión poco explicable más allá de la atractiva visualidad que se le quiso dar a la banda.A este éxito le siguió "Get Up (Before The Night Is Over)", otra recordada canción que el duo puso en los ranking de muchos países. Con el éxito alcanzado en 1990 lanzan "Trip On This: The Remixes", con canciones remezcladas en colaboración con cantantes y djs. Aunque la locura por Technotronic iba en lenta disminución, el grupo seguía obteniendo buenos resultados tanto en rankings como en ganancias.En 1992 obtienen nuevamente éxito con el single "Move This", el cual estaba incluído en su primer álbum, pero que se dió a conocer con un conocido spot de la época. Esto supuso, obviamente, nuevamente la arremetida de Technotronic con la salida de una edición especial del single. Para aquellos años el grupo electrónico ya había vendido la cantidad de 14 millones de álbumes.Sin embargo la fama comenzaría a desaparecer, y los años venideros fueron de escaso reconocimiento para la banda, que aprovechó en 1993 de lanzar un recurso archicomprobado: un Greatest Hits, para una carrera de escasa trayectoria. Y un disco llamado "Recall" (1995), el cual pasó casi inadvertido. Peor fue que, tras largo silencio musical, el grupo haya intentado retornar en 1997 con la aparición del single "Get Up ´97".El éxito ya había desaparecido, no así el legado de esta banda que marcó una época y le abrió camino a muchas bandas de dudosa calidad que aparecieron posteriormente.

Stevie Wonder

Stevie Wonder es un icono y un genio musical que la gente ha querido por su forma de ser como valorado por su aporte a la música en general.

Ciego de nacimiento, Wonder desarrolló el oído de manera tal que le ha ayudado a crear nuevas tonalidades musicales y que se nutren de su propia experiencia de vida. Prácticamente todo lo que ha creado carga con un sello positivo sin importar si el tema es racial, social, espiritual o romántico.

Al igual que Ray Charles, quien fue su modelo e inspirador, Stevie Wonder ha desarrollado un apetito voraz por los diferentes estilos musicales y se ha negado a auto confinarse en un solo género o estética musical. Quizás por eso sus mejores grabaciones mezclan soul, funk, rock and roll, pop, jazz, reggae y elementos mismos de la tradición musical negra norteamericana.

Más que experimentar con estilos, lo que hizo Stevie Wonder fue desarrollar su propia manera de expresión musical. Al mismo tiempo la elasticidad de su voz, su capacidad melódica, la creatividad en la producción de arreglos y su gusto por las baladas; lo pusieron aparte del resto de los artistas. Otro factor que ayudó a destacar a Wonder fue el uso pionero del sintetizador durante los años setenta que le permitió crear un arco iris de texturas y voces que lo llevó a convertirse en una banda de un solo hombre.

Junto a otros artistas como Marvin Gaye e Isaac Hayes, Stevie Wonder llevó al R&B a la era del LP o álbum. Sus trabajos estaban amarrados de forma consistente con composiciones que iban hilvanadas una detrás de la otra. Todas estas particularidades han hecho de Stevie Wonder uno de los grandes autores del R&B junto a Marvin Gaye y, más recientemente, Prince.

En sus orígenes, Stevie Wonder fue un niño prodigio que se desarrolló dentro de la estructura de Motown, pero que se salió del molde durante los años 70 produciendo una cantidad de álbumes que eran tan populares como avalados por la crítica. Su reputación se basa en estos materiales que incluyen “Talking Book”, “Innervisions” y “Songs in the Key of Life”. Desde entonces su material ha tenido altos y bajos marcados por el exceso de sentimentalismos y la falta de nuevos sonidos dentro de su trabajo que siempre fue su sello distintivo.

Stevie Wonder nació prematuramente en Saginaw, Missouri el 13 de mayo de 1950 bajo el nombre de Steveland Hardaway Judkins (luego de que su madre se casara cambió su nombre a Steveland Morris). Debido a su condición fue puesto en la incubadora con tratamiento de oxígeno. Se supone que un exceso de este gas exacerbó una condición llamada retinopatía lo que terminó por dejarlo ciego.

En 1954 su familia se mudó a Detroit donde pudo desatar su pasión por la música en el coro de la iglesia. Desde allí despegó como un verdadero prodigio que aprendió piano, la batería y la harmónica... cuando solo tenía nueve años.

En 1961 cuando se presentaba para unos amigos fue descubierto por Ronnie White de los Miracles quien lo ayudó a conseguir una audición con Berry Gordy en Motown. Gordy no lo pensó dos veces y firmó un contrato con él, lo rebautizaron como “Little Steve Wonder” y lo pusieron a trabajar con el productor y compositor Clarence Paul.

Stevie lanzó sus dos primeros álbumes en 1962: “A Tribute to Uncle Ray”, un LP en el que Stevie Wonder cantaba los temas más importantes de su héroe Ray Charles, y “The Jazz Soul of Little Stevie”, un disco orquestado de jazz en el que se destacan sus interpretaciones en el piano, la harmónica y la percusión. Ninguno de los dos discos vendió bien, pero las cosas cambiaron con el disco en vivo de 1963 “The 12 Year Old Genius”, en el que se presentaba una versión extendida del solo de harmónica en la canción “Fingertips”. Editada para ser lanzada como un sencillo “Fingertips, 2ª. Parte” llegó a ser número uno tanto en la lista pop como en la lista R&B. Casualmente, el LP fue el primer disco de Motown en ser número uno en el cuadro de álbumes.

Aunque logró colocar un par de sencillos en las listas, sus subsiguientes esfuerzos no alcanzaron el éxito de “Fingertips, 2ª. Parte”. Debido a la pubertad, su voz cambiaba y fue necesario poner su carrera en el congelador, por su parte se dedicó a estudiar piano clásico en la Escuela para Ciegos de Michigan.

Al mismo tiempo quitó de su nombre artístico el “Little” y en 1965 reapareció con “Uptight (Everithing's Alright)” una típica canción bailable Motown que estuvo en el primer lugar de la lista R&B y fue número 5 en la pop lo que demostraba que Stevie Wonder era un artista que cruzaba las audiencias sin mayor inconveniente. El tema fue escrito por él y otro productor; y sirvió para que se reinventara como un cantante más maduro frente a una audiencia que aún lo recordaba como un niño.

Sus primeras canciones marcadas por el conflicto de los derechos civiles de las personas negras apareció en 1966 a través de su versión de “Blowin' in the Wind” original de Bob Dylan y por “A Place in the Sun”. Sin embargo, dado que Motown tenía la última palabra sobre la dirección de la carrera de Stevie Wonder no permitieron que pudiera desarrollarse en esa dirección.

Sin embargo, Stevie Wonder empezaba a tomar más control de su carrera. Participó en la composición de sus siguientes éxitos: "Hey Love," "I Was Made to Love Her" y "For Once in My Life". Con el nombre de esta última canción apareció su LP de 1968 en el que quedaba claro que su personalidad y estilo estaban marcando el resultado de lo que salía del estudio. Del disco se extrajeron tres sencillos que fueron número uno en la lista R&B: "Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day," "You Met Your Match," y "I Don't Know Why."

En 1969 volvió a entrar en la listas por la puerta grande con “My Cherie Amour” (Que había grabado tres años antes) y "Yester-Me, Yester-You, Yesterday". Ambas canciones estuvieron entre las más populares del año. Algo similar sucedió al año siguiente con "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours" un tema compuesto junto a Syreeta Wright con quien se casaría a finales de 1970.

Ese mismo año colocó en las listas "Heaven Help Us All" y un arreglo de “We Can Work It Out” de los Beatles. Al mismo tiempo grabó con los “Spinners” “It's a Shame” y con los “Miracles” “Tears of a Clown”.

1971 fue un punto de giro en la carrera de Stevie Wonder. Al cumplir 21 años su contrato con Motown terminaba y las ganancias que se habían acumulado en un fondo a su nombre quedaban en su total disposición.

Justo un mes antes de su cumpleaños Stevie Wonder puso a la venta “Where I'm Coming From” su primer disco producido completamente por él, en el que todas las canciones fueron compuestas por él mismo o con ayuda de su esposa y en el que aparecería el sintetizador dominando los arreglos.

Gordy, el jefe de Motown, no estaba muy contento con el trabajo, además de que no tuvo el resultado de ventas esperado a pesar de que “If You Really Love Me” estuvo entre las diez más calientes y que “Never Dreamed You'd Leave in Summer” se convirtió en un lado B clásico.

A pesar de ello, el disco representaba mucho más que un acetato con pistas. Era el intento consciente de hacer un disco con un hilo conductor que lo convirtiera en un planteamiento artístico, además de dejar claro que Wonder no iba a querer lanzar discos con un montón de sencillos inconexos entre sí. En ese sentido, Stevie Wonder no firmó inmediatamente con Motown como la disquera esperaba, por el contrario usó el dinero de su fondo para armar su propio estudio de grabación y entrar a clases teóricas de música en USC.

Renegoció su contrato con Motown de manera que sus ganancias crecieron de forma exponencial, además de establecer su propia compañía de manera que los derechos de su música siguieran siendo suyos; y logró que se le diera control artístico total en sus grabaciones, tal como lo había logrado Marvin Gaye en “What's Going On”.

Liberado del esquema de pensamiento de Motown, Stevie Wonder empezó a desarrollar un estilo más personal. Uno de sus argumentos de negociación había sido un disco completo en el que mostraba su nueva actitud y que había grabado en su nuevo estudio, además de producirlo enteramente, componerlo (junto a su esposa) y tocar casi todos los instrumentos.

Lanzado a inicios de 1972 “Music of My Mind” anunció que Stevie Wonder era un músico de grandes ligas, talentoso y con una visión original que estaba rompiendo el molde del rythm and blues. El disco produjo el sencillo “Superwoman (Where Were You When I Needed You?”, pero al igual que el trabajo de Hayes y Gaye el disco pasó como una unidad que no pudo destacarse tanto en lo comercial como lo hizo en lo musical. Para esa época se anunció la separación de Wonder y Wright, a pesar de lo cual siguieron siendo amigos y Stevie Wonder produjo y compuso algunas canciones para el álbum debut de su ex esposa.

Ese mismo año Stevie Wonder salió de gira con los Rolling Stones, lo que permitió que su música llegara a una audiencia blanca más amplia.

Su siguiente disco fue un trabajo más refinado, mejorando aún más la calidad de su composición y hablando de su amor con Wright. “Talking Book” salió a la venta a finales del 72 y lo convirtió en una súper estrella. Canción por canción el disco es uno de los álbumes más importantes del R&B, además ayudó a perfeccionar el sonido espacial, futurista y electrónico que venía desarrollándose en la cabeza de Stevie Wonder. El disco fue calificado como “obra maestra” por la crítica.

Inmediatamente Stevie Wonder estaba en la cima de las listas con el clásico del funk “Superstition” y la balada “You Are the Sunshine of My Life” que llegaría a convertirse en una especie de referente de lo que debería ser una balada. Las dos canciones le dieron tres Grammys a Wonder.

Detrás de este disco venía “Innervisions” de 1973 un álbum conceptual que junto a “What's Going On” de Marvin gaye marcaron el punto más alto de la música que analizaba temas de relevancia social en el R&B. Por la temática el disco no tenía mayores posibilidades de despegar, sin embargo “Living in The City” una canción que narra la vida en el gueto y “Higher Ground” una canción introspectiva llegaron a ser número uno en la lista R&B y estar entre las diez más calientes del pop. Por su parte el LP se llevó el Grammy a Álbum del Año.

Su siguiente trabajo fue “Fulfillingness' First Finale” de 1974 que resultó estar más separado de la línea que traía en los dos trabajos anteriores. A pesar de ello, el disco dio para sacar "Boogie On, Reggae Woman" y una crítica bastante ácida a Richard Nixon titulada “You Haven't Don Nothing” que fue número uno en ambas listas. Además le volvió a valer el Grammy del Álbum del año.

Después de tres discos tan exitosos Stevie Wonder empacó todo y se metió en el estudio a producir lo que sería su ópera magna. “Songs in the Key of Life” fue un doble LP que incluía un EP y en él se manifestaba todo su poder creativo y su ambición como músico. Las opiniones estuvieron divididas: por un lado estuvieron los que lo consideraron como su mejor trabajo, mientras algunos reconocieron lo brillante del trabajo pero lo sintieron poco acabado.

“Sir Duke” un tema que le hace un tributo a la música en general y a Duke Ellignton en particular y el funk “I Wish” fueron cabezas de lista en pop y R&B. "Isn't She Lovely" (una canción dedicada a su hija) y "Pastime Paradise" se convirtieron en clásicos que otros artistas usaron de referencia para sus carreras. Nuevamente Stevie Wonder recibió el Grammy por el álbum del año, pero al mismo tiempo terminó el que sería su período creativo más importante.

Entre 1976 y 1979 Stevie Wonder no lanzó material nuevo. “Journey Through the Secret Life of Plants” era la banda sonora de un documental que nunca salió y aunque incluía un par de temas pop como "Send One Your Love" el carácter sinfónico del disco no atrajo de la misma manera a la gente. A pesar de ello sus ventas lo tuvieron entre los diez más vendidos.

Después de haber estado tan alto en su carrera, era lógico que algunos especularan con que Stevie Wonder iba de pique. Quizás por eso se apuró a sacar “Hotter Than July” en 1980. El sencillo "Master Blaster (Jammin')" tenía tintes de reggae que le llevaron directo a la cima en el R&B, mientras que fue número cinco en la lista pop. Detrás vino “Happy Birthday” una canción cuya intención era ayudar a la campaña por declarar festivo en día de nacimiento de Martin Luther King. Aunque en términos artísticos no fue un avance, la llegada del viejo Stevie Wonder a oídos de la gente hizo que este fuera su primer LP de platino.

En 1981 Wonder empezó a trabajar en su siguiente disco que poco a poco se fue postergando quizás por temor a no poder alcanzar los niveles de otros tiempos. Mientras las ideas maduraban se mantuvo ocupado y en 1982 salió a la venta el sencillo "Ebony and Ivory" que cantaba a dúo con Paul McCartney y que llegó a ser número uno, al mismo tiempo puso a la venta un disco de grandes éxitos en el que se incluyeron cuatro canciones nuevas, dos de las cuales fueron éxitos.

En 1984, sin haber terminado aún su próximo LP, participó en la grabación de la banda sonora de “The Woman in Red” a la que aportó varias canciones entre ellas "I Just Called to Say I Love You" que ganó el Óscar a la mejor canción y fue su sencillo más vendedor.

Finalmente en 1985 completó el disco en el que había estado trabajando por 5 años: “Square Circle”. De él se extrajo “Part Time Lover” que estuvo en la cima de las listas. El disco vendió hasta el cansancio a pesar de que los teclados de Wonder que antes eran visionarios ahora eran la norma en el pop.

Luego del éxito comercial del disco su presencia era requerida en todas partes, por eso fue figura central en el tema “We Are The World” que buscaba recaudar ayuda para las naciones que pasaban hambre en África y "That's What Friends Are For" junto a “ Dionne Warwick & Friends”.

En 1987 puso a la venta “Characters” que no alcanzó los niveles de ventas y popularidad al que estaba acostumbrado. Fue su último lanzamiento en la década de los ochenta. Su próximo material se puso a la venta en 1991 en la forma de banda sonora para la película “Jungle Fever” de Spike Lee”. En 1995 vendría “Conversation Peace” que aunque no logro mayor éxito comercial ganó dos Grammys por “For Your Love”.

Ese mismo año Coolio refrío “Pastime Paradise” a estilo rap y le puso de nombre “Gangsta's Paradise” que llegaría a ser la canción del año. Stevie Wonder aprovechó su nueva popularidad y grabó a dúo con Babyface “How Come, How Long” en 1996.

Desde entonces, Motown ha relanzado y remasterizado varias compilaciones del material de Stevie Wonder intentando rescatar el enorme aporte de Wonder a la música. Su influencia se dejó sentir en el movimiento neo soul de finales de los noventa, en el que siguió siendo uno de los artistas de referencia de los músicos contemporáneos.

Después de una década en la que no puso nueva carne en el asador a finales de 2005 y “A Time 2 Love” se puso a la venta. En el disco participan artistas como Prince.

El aporte de Stevie Wonder a la música es realmente invaluable razón por la cual forma parte del Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1989.