Bruce Hornsby

Bruce Randall Hornsby (nacido el 23 de noviembre de 1954 en Williamsburg, Virginia) es un cantante, pianista, intérprete de acordeón y compositor, conocido por su canción de los ochenta "The Way It Is" y los éxitos de listas "Mandolin Rain" y "The Valley Road". Posteriormente su carrera se ha movido en una dirección menos comercial.

Inicios
Bruce Hornsby creció escuchando todo tipo de música. Estudió música en la Universidad de Richmond, Berklee y en la Universidad de Miami, en donde se graduó en 1977. Pasó después algún tiempo en Los Ángeles como músico de estudio y compositor antes de volver a Virginia.

El grupo The Range
En 1984 forma Bruce Hornsby and the Range y firman con RCA Records en 1985. Además de Hornsby, los miembros de The Range eran David Mansfield (guitarra, mandolina, violín), George Marinelli (guitarras y coros), Joe Puerta (bajo y coros) y John Molo (tambores).
La carrera de Hornsby comenzó con el mayor éxito que ha tenido hasta la fecha, la canción "The Way It Is". Con su ritmo pegajoso de piano y una letra que reflexionaba sobre los derechos civiles, llegó a lo más alto de las listas en 1986. En años posteriores la canción ha sido utilizada para obtener samples para artistas de rap o como cortina de introducción en programas radiales..
Gracias al éxito de esta canción, el álbum del mismo nombre se convirtió en un multiplatino y produjo otra canción dentro del Top 5 llamada "Mandolin Rain" (co-escrita con su hermano John). "Every Little Kiss" también funcionó muy bien en radio y en listas. El álbum definió lo que se conoció como el "sonido Virginia", una mezcla de rock, jazz, y bluegrass. Hornsby and the Range llegaron a ganar el Grammy al mejor nuevo artista en 1987.
El éxito y la fama continuaron con su segundo álbum Scenes From The Southside (en el cual Peter Harris reemplazó a Mansfield). Lanzado en 1988, tuvo canciones éxito como "Look Out Any Window" y "The Valley Road". La canción "Jacob's Ladder" venía en este disco a pesar de haber sido escrita para su amigo Huey Lewis. La versión de Lewis fue un número uno de su álbum Fore!. Scenes fue un álbum exitoso en radio y en ventas, pero sería el último en lograr ese desempeño.
En 1988, Hornsby empezó a aparecer en escena con los Grateful Dead. Esta colaboración continuó de forma irregular hasta el final del grupo en 1995. En 1989 Hornsby co-escribió y tocó el piano en el éxito de Don Henley "The End of the Innocence".
El álbum A Night On The Town salío al mercado en 1990. En este se aprecia un cambio de estilo con más influencia de la guitarra y menos del piano. Después de este álbum el grupo se disuelve y cada miembro comienza una carrera en solitario.

En Solitario
En 1993 Bruce Hornsby lanza su primer álbum en solitario llamadoHarbor Lights, el cual presentaba una orientación más fuerte hacia el jazz especialmente por la inclusión de colaboradores de primera línea como Pat Metheny, Branford Marsalis, Jerry García, Phil Collins, y Bonnie Raitt. El disco abre con la canción del mismo nombre del álbum la cual contiene 50 segundos de solo de piano y cierra igualmente con la canción "Pastures of Plenty". la canción "Fields of Gray", escrita por Hornsby para sus recientemente nacidos gemelos tuvo algo de difusión radial.
Harbor Lights fue bien recibido por la crítica y por sus seguidores, pero Hornsby reconoció que sus días de éxito comercial habían pasado y que había sido realmente un accidente que su estilo de tocar al piano influenciado por McCoy Tyner le hubiera llevado al reconocimiento en listas.
En 1995 lanza Hot House con un sabor de jazz aún más amplio que su anterior disco y con colaboraciones nuevamente de Pat Metheny.
3 años más tarde decide lanzar al mercado un doble álbum llamado Spirit Trail, el cual presentaba una graciosa foto en portada de su tío. En este caso une y mezcla tonadas instrumentales con rock, jazz y con su capacidad de contar historias. En este disco Hornsby muestra un gran avance en su capacidad interpretativa al desarrollar temas de gran complejidad al piano como lo evidencia el tema "King of the Hill".
Hornsby posteriormente trabajó con algunos proyectos de los Grateful Dead, en el año 2000 lanzó el disco en vivo Here Come The Noise Makers y se dedicó a hacer giras.
No sería hasta 2002 que lanzaría un nuevo álbum llamado Big Swing Face en el cual deja el piano para ensayar sonidos nuevos con sintetizadores. "Big Swing Face" usaba de forma constante samples y loops con lo cual no fue muy bien recibido por sus seguidores.
Para el año 2004 y después de 19 años con el sello RCA, vuelve a un sonido más acústico y basado en piano en su primer álbum con Columbia Records llamado Halcyon Days. Este disco incluía invitados tales como Sting, Elton Johny Eric Clapton.Un gran interprete de los años 80.

John Mayall

John Mayall (Macclesfield, Cheshire, 29 de noviembre de 1933) es un cantante, instrumentista (especialmente, guitarrista) y compositor británico de blues y pop-rock. Precursor de la invasión del blues inglés junto a Alexis Korner.
En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four; y posteriormente su más famosa banda: The Bluesbreakers, en la que contó con la colaboración de guitarristas como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor. Su banda fue el alma máter de diversas formaciones posteriores. Mick Fleetwood y John McVie formaron parte de la banda y participaron en la grabación de A hard road, junto al guitarrista Peter Green, formando, tras dejar los Bluesbreakers, Fleetwood Mac.
The Bluesbreakers consiguió hacer magníficos discos en la década de los 60s como el famoso álbum Bluesbreakers en cuya portada aparece Eric Clapton, hojeando un ejemplar del comic Beano. Después de la salida de Clapton para formar el trío de blues-rock Cream, Mayall buscaría un nuevo guitarrista, Peter Green. Después de grabar con Green el disco A hard road, Green se marcha para formar Fleetwood Mac. Según el propio Mayall: "Un día, teníamos un concierto y no teníamos guitarrista, entonces apareció Mick Taylor". Mayall quedó alucinado con el joven guitarrista, pero terminó el concierto y Taylor se marchó. John lo buscó por por todos lados, hasta que consiguió localizar a Taylor y le ofreció el puesto de guitarra en su banda. Él y Taylor grabarían juntos el legendario Crusade, donde Taylor brilla con luz propia, y en 1969, el psicodélico Bare Wires. Taylor se iría después a sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones.
A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el "and The Bluesbreakers", para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.
La banda deja definitivamente a existir en el 2008 y Mayall se rodea de otros músicos.

El camaleón del blues
En la carrera de John Mayall encontramos algunas etapas, claramente diferenciadas por el tipo de blues que ha hecho.
Desde la segunda mitad de los cincuenta, en pleno auge del rock and roll, y andando su primer cuarto de siglo de vida, John Mayall hacía música en su natal Macclesfield (Manchester), con un grupo al que llamaba The Powerhouse Four. Luego, en 1962, formó The Blues Syndicate.
En 1963 se marcha para Londres, donde apoyado por Alexis Korner formará The Bluesbreakers, literalmente "los rompe blues", el primer grupo con que hace historia.
Por entonces en Inglaterra está cogiendo forma una incipiente "movida blues", de la que unos muchachos llamados The Rolling Stones (por un blues de Muddy Waters) serán sus primeros representantes con éxito. Los Stones tienen el mérito de haber adaptado al pop británico el lenguaje del "Chicago sound", lo que impulsará la explosion del blues británico, y por mucho ayudará al desarrollo de la carrera de Mayall.
Precisamente, las formaciones de los Bluesbreakers se corresponden al de las orquestas de este Chicago sound, integradas por guitarras eléctricas, bajo, bateria, teclados y seccion de viento, más harmónica, en ciertos casos.
Para la segunda mitad de los sesentas la escena musical británica se llena de artistas y grupos que mantienen con el blues relaciones más o menos cercanas.
Paralelamente, en California, coge forma otra corriente musical, la que junto con la aparición del movimiento hippie, impregnan el aire con un nuevo "aroma", y abren nuevos horizontes para las artes y las ideas, lo que atrae a muchos músicos británicos, incluyendo a John Mayall.
Además, desde la beatlemanía los músicos ingleses son muy apetecidos en norteamérica, más aún si hacen "música respetable", tal como es percibido el blues.
Entonces, los grupos ingleses pasean el blues por las universidades, teatros y festivales de los EE.UU. Algunas bandas norteamericanas también hacen lo propio, y a fines de los sesentas la escena del blues pasa de Inglaterra a Norteamérica.
Mayall acusa el cambio, y en 1968 se marcha para California. Tras pasar unas vacaciones en Laurel Canyon, en la casa de Bob "el oso" Hite, cantante y lider de los Canned Heat, prominente banda del blues en los EE.UU., Mayall se queda en ese pais (en homenaje a esos dias, grabó "The Bear" (el oso), contando sus vivencias en las colinas de Laurel Canyon).
Sintonizado con las nuevas propuestas de amor y paz, entre 1969 y 1971 Mayall se decantó por un blues acústico, sin batería. Hace entonces un blues cálido y suave, con orientación hacia la movida hippie, representada por el uso de la flauta y la guitarra acústica.
No obstante el predominio folky en esta etapa, Mayall no abandona del todo los estándares del blues más eléctrico. Además, le da un cierto tratamiento de jazz, acercándose bastante a la onda beatnik de los años cincuenta, y presagiando en algo lo que vendrá.
Efectivamente, durante 1972 a 1974 fusionó el blues con el jazz, integrando su banda con músicos negros. Saca entonces un sonido tipo big band, con un marcado toque de swing y jump blues.
Por supuesto, Mayall no es el primero, ni el último, en fusionar el jazz con el blues. Además, si bien con el tiempo el segundo ha delimitando su propia historia respecto del primero, también es cierto que entre el jazz y el blues sobreviven muchas aristas en común.
Y en el caso particular de Mayall, está el acceso que tuvo a la colección de discos de jazz de su padre, cuando muchacho (alrededor de 1946).
Por eso, desde ya antes el sabor a jazz está presente a lo largo de su obra, cuando ha usado ocasionalmente una sección de viento.
Para la segunda mitad de los setentas le agrega al blues sabores country y funky. Por entonces Mayall ya vive plenamente en California, y su blues se ha americanizado. Incluso, sucumbe un poco al sonido discoteca.
El blues que ofrece Mayall por esta época está salpicado de los arreglos estándares del pop-rock americano, tipo del que hacen los nuevos Fleetwood Mac o los Eagles, de raíces country.
También se nutre de la otra gran vena que entonces marca el desarrollo de la música popular en los EE.UU., esto es el funky-soul, del que orquestas como Earth, Wind & Fire y los Commodores son dignos representantes.
Por supuesto, comparándolo con sus estándares anteriores, puede decirse que John Mayall se comercializa.
Sin embargo, sus nuevas exploraciones resultan muy interesantes, toda vez que las realiza con un trasfondo claramente blues. En ese sentido, es toda una nueva experiencia dentro del género.
Mayall cerrará los setenta algo perdido en el torbellino de la música disco, lo que por cierto no fue ajeno a otros artistas, como los casos de Rod Stewart y The Rolling Stones, entre los más sonados, y con una larga trayectoria.
A partir de los ochenta, Mayall retorna al sonido blues rock de los primeros Bluesbreakers. Y así se ha mantenido hasta ahora, por supuesto sin dejar de recordarnos ocasionalmente sus experiencias pasadas.
Si bien sus más recientes discos adolecen de un cierto debilitamiento artístico, John Mayall aun mantiene unos estándares mínimos, que le aseguran la continuidad en el gusto de los amantes del blues. Por eso, sus discos aun son esperados, y sus conciertos aun son concurridos.
Y considerando que siempre ha tocado el mismo tipo de música, el blues, revistiendolo cada vez de una envoltura distinta, al punto de en ocasiones volverlo irreconocible, logrando así además mantenerse en la escena durante cinco décadas, no es equivoco afirmar que John Mayall constituye una de las figuras más interesantes de la música profana del siglo XX.

Grabaciones
Además, John Mayall intervino invitado en Raw Blues, disco en que colaboró con otras figuras del blues británico y estadounidense. La grabación fue una iniciativa del empresario dicográfico Mike Vernon, por cierto también productor de Mayall en Decca records, y figura clave en la expansión del blues en Inglaterra. Vernon fundó el sello Blue Horizon, en el que se dieron algunos de los más interesantes encuentros de músicos de ambos lados del Atlántico.
En 1969 se da un punto de inflexion en la carrera de Mayall. Se cambia para Polydor, y se vuelve acústico. Efectivamente, todos los discos de esa etapa son acústicos, tipo "unplugged", salvo Back to the roots, que es un doble muy variado en su contenido, y lleno de estrellas.
En 1972 entrega su primer encuentro con el jazz, aunque cada vez más "blanqueado" y liviano, pero no por eso menos bueno. Simplemente, fue otra étapa.
En la segunda mitad de los setenta John Mayall es un músico maduro. Su blues ya no fue tan rabioso como el de los Bluesbreakers, ni experimental como con Polydor Records. Se volvió más "buenas vibras". Sin embargo, hizo cosas muy interesantes. Otra vez, solo fue una etapa más.
En los ochenta Mayall volverá a sus raíces sonoras, con un blues-rock a-la-Bluesbreakers. Y así se ha quedado hasta ahora.
Existe además un número indeterminable de compilaciones, ediciones piratas, una que otra exclusiva de algún país y apariciones como invitado (p.ej. Livin' the blues, de los Canned Heat). En todo caso, se han citado los discos más importantes de su discografía oficial, agrupados de manera que se pueda apreciar la evolución artística de Mayall.
No obstante la irregularidad que desde los ochenta ha tenido su carrera (hoy con una discografía de más de cuatro docenas de grabaciones), y lo predecible que se ha vuelto el contenido de sus discos, John Mayall aun parece ser el único que merece el título de "Padre Blanco del Blues".

Inoj

Ayanna Porter (nacida el 27 de noviembre 1976), más conocido por su nombre artístico INOJ es una cantante de R & B / músico bajo música.
Ella nació en Madison, Wisconsin y se crió en Nueva York, Nueva York. Durante la universidad en Washington DC, ella estaba en un grupo llamado "Spellbound".
En 1997, lanzó su primer single, "Love You Down", un cover de Listo para el año 1986 la Organización Mundial de éxito que alcanzó el puesto # 25 en los EE.UU., y lanzó un cover de Cyndi Lauper "Time After Time" en Columbia Records en 1998 , Que fue un Top 10 hit, en el # 6. En 1998, lanzó su álbum debut, listo para el Mundial. Ella también lanzó una versión de "Ring My Bell", como una sola, aunque no recibió mucha exposición.

Ella lanzó su último single You Baby en 2008.
Ella es a menudo erróneamente acreditada por el tema "My Boo", realizado por el Espíritu de Ciudad DJ's que había voces cantadas por Virgo [desambiguación necesitó] (que también había varias canciones sobre el tan-tan graves Todas las compilaciones de estrella).

Marvin Gaye

Marvin Gaye (2 de abril de 1939 - 1 de abril de 1984) fue un músico y cantante de soul, smooth soul, quiet storm, blaxploitation y uno de los componentes fundamentales del estilo Motown Sound.

Primeros años
Marvin Pentz Gaye, Jr. (la e final la añadió él, tal como hizo Sam Cooke) nació en Washington DC, donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar en sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.
Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. Mama Loocie (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.
Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry, hermana mayor de Gwen, en 1961. Posteriormente, Berry Gordy, hermano de Anna y Gwen y propietario del sello Tammi, luego Tamla Motown, absorbió la compañía Tri Phi.

Con Motown
En Motown, donde realizaría una brillante carrera, Gaye comenzó acompañando a la batería, entre otros grupos, a Smokey Robinson & the Miracles, y haciendo acompañamientos vocales y tocando el piano en grabaciones de otros artistas. En agosto de 1961, debutó como solista con The Soulful Moods Of Marvin Gaye sin demasiado éxito. Desviándose del camino de las baladas convencionales compuso con William Stevenson y George Gordy, "That Stubborn Kinda' Fellow" (1963), del que se publicó el sencillo que da título al álbum, "Hitch Hike" y "Pride and Joy", sus primeros éxitos en Motown, a los que seguiría el álbum "How Sweet It Is" (To Be Loved By You) (1964) y los sencillos "I'll Be Doggone" y "Ain't That Peculiar" (1965). En 1964 inició sus duetos con Mary Wells, la estrella femenina de la Motown, con quien grabó, ese mismo año, Together, y un par de canciones que tuvieron alguna popularidad. Posteriormente grabó con Kim Weston, "Take Two" (1967), pero sus mejores duetos fueron sin duda con Tammi Terrell, con la que consiguió recrear a los ojos del público el romance perfecto hasta el punto de que circularon insistentes rumores acerca de las relaciones entre ambos que fueron, eso sí, grandes amigos. Con ella obtuvo grandes éxitos como "Ain't No Mountain High Enough" y "Your Precious Love" en 1967 y "Ain't Nothing Like the Real Thing" y "You're All I Need to Get By" en 1968. La fantasía terminó bruscamente después de que el verano de 1967, Tammi Terrel se desmayara en el escenario en los brazos de Gaye por un tumor cerebral no diagnosticado que acabaría con su vida tres años más tarde; «siento que, de alguna manera, he muerto con ella» diría Gaye tiempo después.

Como solista
Al año siguiente explotó en solitario las listas con "I Heard It Through the Grapevine" (1968) colocándose en el número uno de las listas de R&B y pop y logrando vender más de 4 millones de copias del sencillo; el mayor éxito de ventas de Motown en la década de los 60. Sin embargo, a partir de este momento Gaye comienza a distanciarse en el ámbito artístico de los productores de la Motown y siguiendo la tendencia que se manifiesta en la música popular de aquellos años de incorporar a las letras temáticas sociales y políticas, graba en 1971 el que a la postre será considerado su mejor álbum, "What's Going On", con elementos del jazz y la música clásica y en el que aborda la protección del medio ambiente, la corrupción política, el abuso de las drogas y la guerra de Vietnam inspirado por su hermano Frankie Gay que acababa de regresar del frente.
Calificado por algunos como el mejor álbum soul de la historia, "What's Going On" tiene sin embargo que superar la inicial oposición de Gordy que lo juzga excesivamente político y escasamente comercial; sin embargo, Gaye se niega a realizar otra grabación hasta que se grabe el sencillo, a lo que Gordy accede finalmente en enero de 1971. Una vez publicado alcanza rápidamente los puestos primero y segundo en las listas de soul y pop y ante el éxito, Gordy reconoce la victoria de Gaye y cede a sus pretensiones. El LP (long play) se graba en tan sólo 10 días en marzo y sale a la luz el 21 de mayo, consiguiendo el mismo éxito que el sencillo. La ironía es que, tras treinta años vendiéndose, el álbum que Motown no quería en un principio acaso sea la mejor expresión de aquél que soñara Gordy: «música que alcance los corazones, las almas, y las billeteras de todas las personas».
En 1973 graba "Let's Get It On", un álbum impregnado de sensualidad que tiene buena acogida entre el público y el mismo año graba con Diana Ross "Marvin & Diana". Ya en solitario y al tiempo que termina su matrimonio publica "I Want You". Tras su divorcio de Anna Gordy, es condenado en 1976 por un tribunal por el impago de la pensión alimenticia, viéndose obligado a trabajar en un nuevo disco; el resultado es "Here, My Dear" un álbum tan personal que Anna Gordy considera incluso la posibilidad de demandarle por invadir su privacidad.

Últimos años
Tras diversos reveses profesionales y un nuevo fracaso matrimonial, Gaye se traslada a Hawaii y finalmente, por problemas de impuestos, recala en Europa en 1981, donde sacará a la luz "In Our Lifetime", un complicado e intimista disco que pondrá fin a su relación con Motown. Tras firmar con Columbia Records en 1982 compuso "Midnight Love" al tiempo que intentaba sobreponerse de su adicción a la cocaína. Una de sus canciones, "Sexual Healing", es una de las más famosas de Gaye. "Sexual Healing" fue escrito en el pueblo Moere (Flandes Occidental, Belgica). Allí se puede ver su esplendida casa. A pesar del resurgir de su carrera y su reencuentro con la fama, se hundió aún más en las drogas de las que intentó aislarse buscando refugio en casa de sus padres. Sin embargo, durante el tiempo que pasó allí en varias ocasiones intentó suicidarse después de mantener agrias discusiones con su padre. Finalmente, el 1 de abril de 1984, la víspera de su 45 cumpleaños, en el transcurso de una de esas discusiones su padre lo mató de dos disparos, hecho que sería calificado como «homicidio justificable o defensa propia», (ya que en el tribunal su padre alegó defensa propia porque Marvin lo había agredido a golpes, hecho que se repetía bastante debido a sus diferencias y al abuso de drogas por parte de Marvin) con un arma que el propio Marvin le había dado cuatro meses antes. Después de la tragedia, su madre se divorció de su padre y éste terminó sus días en un asilo de ancianos, falleció en 1998 de un ataque al corazón.
En 1987, Gaye ocupó su lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll. No fue éste, sin embargo, el único homenaje a su figura; en vida, en 1983, el grupo británico Spandau Ballet grabó el sencillo "True" dedicado a Gaye y al «sonido Motown», un año después de su muerte The Commodores recogía el fallecimiento de Gaye en "Night Shift" y en 1999 el mundo del R&B rendía honores al «Príncipe de Motown» en el álbum "Marvin Is 60".

Tim Buckley

Timothy Charles Buckley III (14 de febrero de 1947 – 29 de junio de 1975) fue un músico estadounidense de rock de vanguardia, con influencias de folk, jazz, psicodelia, funk y soul. Su carrera fue corta, entre finales de los 60 y los primeros 70.

Infancia y Juventud
Tim Buckley nació en Washington D. C. el 14 de febrero de 1947, hijo de irlandeses concretamente de la región de Cork, pero sufrió muchos traslados durante su infancia. Con once años empezó a tocar el banjo. De la mano de su abuela Laura Valderrábano se introdujo en las baladas jazzísticas de Billie Holiday y de la de su madre en Frank Sinatra y la música country. En el instituto de California se hizo amigo de Larry Beckett, el que posteriormente seria su mano derecha en la escritura de sus canciones. Allí también comenzaría a jugar al fútbol como quarterback.

Vida Privada
Tim se casó con Mary Guilbert y tuvo un hijo llamado Jeff Buckley que posteriormente se convertiría en un músico notable al que la muerte hizo concluir su carrera antes de lo debido, en 1997, de una forma similar a la de su padre en 1975.

Últimos Días y Muerte
El 28 de junio de 1975 Buckley dio su último concierto en Dallas, Texas culminando así su gira. Al día siguiente Buckley se reunió con un amigo, Richard Keeling, en su casa con la esperanza de poder obtener heroína. Sin embargo, debido a su estado alcohólico, el cantante recibió una excesiva dosis de heroína por parte de su amigo, falleciendo así el 29 de junio de 1975.

Registro
La voz de Buckley llegaba a abarcar tres octavas y media. Su talento con la voz está patente en álbumes como Goodbye and Hello (1967), Lorca (1970) y Starsailor (1970), convirtiendo su aguda voz en el sello personal del cantante, algo que creaba polémica en la critica estadounidense, puesto que los interminables fraseos a veces prescindibles de Buckley enamoraban a unos y enfurecían a otros.

Bonnie Raitt

Bonnie Lynn Raitt, (8 de noviembre de 1949, Burbank (California), Estados Unidos) es una cantante y guitarrista de Blues y R&B, hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt.

Comienzos
Raitt comenzó a tocar la guitarra a una edad muy temprana, algo que no hacían muchas de sus amigas del colegio. Más tarde se hizo famosa por su estilo de tocar la guitarra con slide.

Etapa previa a las grabaciones
En 1967, Raitt continuó su carrera entrando en el Radcliffe College para estudiar una licenciatura en estudios africanos.
Un día un amigo le dijo que el productor de blues Dick Waterman daba una entrevista en la WHRB, la emisora del Harvard College. Raitt fue a verlo, y rápidamente se hicieron amigos. Cuando Waterman se trasladó a Philadelphia con sus músicos y amigos, Bonnie Raitt estaba entre ellos formando una parte muy activa. Por entonces tocaba folk y R&B en clubs de Boston, llegando a tocar junto a figuras como Howlin' Wolf, Sippie Wallace, y Mississippi Fred McDowell, todos conocidos a través de Waterman.

Contrato con Warner Bros.
En los últimos años de los 70, un periodista del NewsWeek Magazine la vio en concierto junto a Fred McDowell, y numerosos cazatalentos empezaron a frecuentar sus actuaciones. Finalmente aceptó una oferta con la Warner Bros., quienes le dieron la oportunidad de sacar su primer disco homónimo. Fue una de las primeras mujeres en ser reconocidas como gran guitarrista, sobre todo por su técnica de slide. en 1972 sacó un nuevo disco, Give It Up, intentando mejorar el modesto éxito que tuvo el anterior. Aunque tuvo buenas críticas, el éxito comercial tardaba en llegar, y lo mismo pasó con su tercer álbum Takin' My Time. A pesar de llegar a tener un titular en la revista Rolling Stone incluso, Bonnie Raitt decidió experimentar con nuevos sonidos para su nuevo álbum Streetlights de 1974, y tomó un nuevo estilo más blues en 1975 con su disco Home Plate. Realizó una colaboración en el disco homónimo de Warren Zevon con amigos como Jackson Browne, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks.

Altibajos en el éxito comercial
En 1977 publica Sweet Forgiveness, que le da su escape al éxito comercial con un éxito llamado Runaway, versión de Del Shannon. Esta versión llamó la atención de Columbia Records, que comenzó las negociaciones con Warner Bros. Tras la gran expectación de su nuevo álbum The Glow, pero tuvo modestas ventas y peores críticas. Comenzó a oírse su nombre cuanco colaboró en la organización de los 5 conciertos de MUSE (Músicos unidos para el ahorro energético) en el Madison Square Garden. Hasta 1982 no lanzó su siguiente álbum, Green Light, que tuvo un gran éxito para la crítica pero seguía sin convencer al gran público, con lo que Warner decidió terminar el contrato.

Adiós a Warner Bros.
En 1983, Warner Bros hizo una criba de artistas, entre los que cayeron Van Morrison, Arlo Guthrie y Bonnie Raitt. Por entonces, ella estaba trabajando en un nuevo álbum titulado Tonge & Groove, y la falta de apoyo para terminarlo la empujó a caer en la adicción del alcohol y las drogas.
Aparte de sus problemas personales y profesionales, Raitt continuaba de gira y participaba activamente en la política internacional. En 1985 cantó junto a multitud de artisas en el video de Sun City que se dedicó a la lucha contra el apartheid. También colaboró en el Farm Aid, en muchos conciertos de Amnistía Internacional y en el concierto sovietico/americano de Moscú por la Paz, emitido por televisión. Junto a Don Henley, Herbie Hancock y Holly Near colaboró en el concierto contra el SIDA de 1987.

Salida del nuevo disco
Dos años más tarde de que fuera despedida de Warner Bros., le notifican que tienen planes de lanzar su disco, con el título de Nine Lives. Su éxito fue nulo, tanto para crítica como para el público. A finales de 1987 se unió a k.d. lang y a Jennifer Warnes para un epecial de Roy Orbison para televisión. Por entonces Raitt ya estaba desintoxicada y sobria, dicen que gracias a Stevie Ray Vaughan. A punto estuvo de firmar para Paisley Park, cuando recibió una suculenta oferta de Capitol Records. Su primera aportación fue una versión de Baby Mine, de Dumbo, para un recopilatorio tributo a Disney, y comenzó a trabajar en nuevo material.

Ligero éxito comercial
En su décimo álbum, Nick of Time, consiguió colocar un número 1 en las listas americanas y ganó 3 Grammys, mientras ganaba un cuarto por su dueto con John Lee Hooker en la canción In the Mood. Su siguiente álbum Luck of the Draw ganó 3 Grammys más, y dio una de las mejores baladas de todos los tiempos, "I Can't Make You Love Me". Un nuevo álbum en 1994 llamado Longing in Their Hearts le dio dos nuevos Grammys, llegando incluso al disco de platino las ventas. Terminó la década de los 90 con su disco Fundamental.

Boston

Boston es un grupo rockero de AOR de Estados Unidos formado en los años setenta y que es liderado por el virtuoso músico Tom Scholz.
El grupo Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varios demos,realizados en el estudio de Tom Scolz ubicado en el sótano doméstico de éste, luego el batería Jim Masdea deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo; que hasta el momento funcionaba como una banda a medio camino entre el circuito de aficionados y el profesionalismo de tiempo completo en los bares y pubs del circuito costero de bandas de rock de la ciudad de boston; de hecho tanto Bradley Delp como Tom Scholz, tenían trabajos estables de tiempo completo fuera de la escena musical, durante esta primera etapa de la banda los miembros de la primera formación del grupo se habían conocido indistintamente interactuando y compartiendo roles musicales en otras bandas locales.En los años previos a la edición de su primer LP los demos realizados fueron enviados a varias compañías disqueras como muestra para una eventual grabación y edición y frecuentemente se recibía la respuesta (a confesión del propio Tom Scholz) "...esta banda no tiene nada que ofrecer...". Es así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica ese mismo año su primer álbum titulado simplemente "Boston", en base a los demos realizados en el estudio particular de Tom Scholz que fueron remasterizados y remezclados en los afamados estudios "The Record Plant" en California, saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico "More Than a Feeling" y con "Peace Of Mind". El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática "Hitch a Ride", una de las piezas más completas del disco. La voz de Delp es, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.
Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado "Don't Look Back", el cual es de notable menor calidad que su antecesor y no deja muy satisfecho a Scholz, que acusa a la compañía discográfica de haberlo presionado para publicar este material; a pesar de esto, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al disco se convierte en un éxito comercial. Tras ello, comienza un litigio legal entre la compañía y el grupo, que durará años, y que retrasará el siguiente álbum de Boston durante ocho años. En el intertanto Tom Scholz líder de la banda expresó a los mienbros del grupo que si deseaban realizar un proyecto musical alternativo ese era el momento pues el próximo proyecto de la banda tomaría un tiempo mayor. El guitarrista Barry Goudreau lanzó su proyecto solista titulado "Goudreau" en conjunto con otros músicos como banda de apoyo; entonces debido a un malentendido pues el sello discográfico de Barry Goudreau publicitó el disco con la consigna("music throught science")Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau de la Banda acusándolo de suplantar y plagiar en su proyecto musical personal la propuesta grupal de la banda cuestión que no era intención de Goudreau. El guitarrista Gary Phil sustituye a Guodreau y Fran Sheehan deja también al grupo. Scholz financia sus grabaciones vendiendo equipo, debido al asunto entre CBS y Boston. En 1982 el batería Sib Hashian deja al grupo.
En 1986 se lanza, por fin, "Third Stage" y la canción "Amanda" llega inmediatamente a las listas de popularidad; esta canción es de un sonido muy distinto a las anteriores, una balada muy de los años ochenta acertada por Scholz y la gran voz de Delp. El álbum alcanza disco de platino. Delp deja Boston en 1990 y es sustituido por Fran Cosmo.
El siguiente álbum de Boston no aparece hasta 1994; titulado "Walk On", retoma ciertos sonidos de Hard Rock de los inicios del grupo. Los arreglos de la canción que titula al disco (dividida en tres segmentos) son considerados excesivos por algunos, pero la canción es una de las mejores piezas compuestas y arregladas por el ingenioso Scholz. Delp regresa al grupo ese mismo año.
El siguiente trabajo del grupo es "Corporate America" lanzado en 2002, ya con algunas tendencias pop y otras buenas canciones. Es de resaltar la participación de Fran Cosmo y su hijo Anthony, además de que entra Kimberley Dahme en el bajo y en algunos arreglos vocales. Jeff Neal (batería) completa una la extensa alineación de este álbum.
Fran Cosmo y su hijo dejaron al grupo a principios de 2006 para formar su propia banda, dejando en ese momento a Brad Delp como única voz del grupo. Se especuló sobre una posible reunión con Barry Goudreau durante este periodo.
Una de las aportaciones de Tom Scholz es la tecnología "Rockman", que fue utilizada por Def Leppard en su álbum "Hysteria".
El 9 de marzo de 2007, una de las mejores voces en la historia del rock, Brad Delp, se suicidó inhalando monóxido de carbono. Fue hallado en su casa muerto en el baño con su cabeza encima de una almohada con una nota pegada en el cuello de su camisa con un clip que decía: "soy un alma solitaria". Pruebas de toxicología mostraron que se envenenó respirando monóxido de carbono y también hallaron otra nota en la puerta de su casa diciendo: "Cuando encuentren esta nota, ya estaré muerto, o si no, mi plan B es asfixiarme en mi coche".
El sustituto de Brad Delp fue nada menos que el cantante del grupo de Rock Cristiano Stryper, Michael Sweet, quien participó en el último Tour de Boston.
Después de que Brad Delp nos dejara el pasado 9 de marzo de 2007. La "banda" tiene nuevo cantante, Tommy DeCarlo. El nuevo cantante, fue descubierto por casualidad por la mujer de Scholz cantando Karaoke con una canción de Boston por YouTube.
Se ha rumorado que Boston lanzará un nuevo disco en 2009.

Boston es considerado como un grupo de Hard Rock, combinando elementos del rock progresivo y heavy metal en su música. El ex-cantante Brad Delp era bien conocido por su gran tesitura vocal y un timbre afinado y "cristalino" que se muestra en éxitos como "more than a feeling".
El guitarrista y compositor principal Tom Scholz abarca diversos estilos musicales, que van desde la música clásica hasta el Pop Inglés de 1960, que ha dado como resultado a un sonido único, se dio cuenta de forma más consistente en los dos primeros discos (Boston y Don't Look Back). Este sonido se caracteriza por provocar múltiples armonías combinadas con la guitarra, a menudo alternando sonidos y luego mezclando "capas" de guitarras eléctricas y acústicas. Scholz y Brian May son buenos ejemplos en 'perfectas' armonías de guitarra. Otro factor que contribuye es el uso de equipos de alta tecnología,en cuanto a efectos, amplificación electroacústica,etc. como los Rockman (Creado por Tom Scholz), usado por guitarristas como de Journey Neal Schon, la banda ZZ Top, y Ted Nugent; pero por otra parte evitando usar "samplers", sintetizadores, computadores, midis, secuenciadores, y otros tipos de instrumentos en la creación de sonidos pues en palabras de Scholz tales elementos desnaturalizan la verdadera creación musical. El álbum Hysteria de Def Leppard fue creado usando tan sólo la tecnología de Rockman. "Combinando un sonido de guitarra profundo, agresivo, acortado en riffs y casi etéreo. Tiempo después pasó a un enfoque global más pesado, más bajo y oscuro (en los próximos dos álbumes) (Third Stage y Walk On).
El cantante Brad Delp, que fue fuertemente influenciado por los Beatles, también era conocido por crear el sonido de Boston con su voz característica, que se vincula rápidamente con el grupo como a Freddie Mercury con Queen, Mick Jagger con los Rolling Stones, Steve Perry de Journey, Roger Daltrey de The Who, Richard Sinclair con Hatfield & The North, Elliot Lurie con Looking Glass, Dennis DeYoung con Styx, Andy Fairweather-Low con Amen Corner, y Steve Walsh de Kansas.

The Bolshoi

The Bolshoi fue un grupo musical bastante conocido a finales de los 80 gracias a éxitos como Sunday Morning o Away.
La banda se formó en 1984 en Bath. Componían la formación original Trevor Tanner como cantante y guitarrista, el batería Jan Kalicki, y Nick Chown al bajo. Tanner y Kalicki habían tocado juntos en Moskow, una banda punk de corta duración. Pronto aparecen como teloneros de importantes bandas de la época como The Cult, The March Violets, y Lords of the New Church . En 1985, la banda lanza su primer single, Sob Story, seguido por el mini-álbum Giants que incluía el single "Happy Boy". El boca a boca fue tal que The Bolshoi fueron capaces de vender muchas de sus primeras actuaciones como cabeza de cartel.
La banda emigró a Londres en 1985 añadiendo a Paul Clark como teclista. En 1986 lanzaron su primer álbum de larga duración, Friends ampliando su gira fuera del Reino Unido en EE.UU., América del Sur y Polonia. En 1987 sacan el álbum Lindy's Party con un sonido más orientado hacia el pop con canciones muy pegadizas y comerciales.
The Bolshoi fue siempre difícil de clasificar. Se ha descrito su sonido como pre rock gótico, muy similar actuando en vivo a Bauhaus. Estos, más conocidos, pertenecían a la misma discográfica. Tanner fue reconocido por sus letras meditativas y oscuras.
Después del éxitoso Lindy's Party, la banda grabó un cuarto LP, pero los problemas con su sello discográfico impidió que llegase al mercado y la banda se disolvió al mismo tiempo que la década de 1980 llegaba a su fin. El cuarto álbum inédito, al parecer, titulado Country life continua aún en las bóvedas de la discográfica Beggars Banquet.

Nick Cave

Nicholas Edward Cave (n 22 de septiembre, 1957, Warracknabeal, Australia), más conocido como Nick Cave, es un músico, escritor, y actor. Su fama se debe, especialmente, a su banda Nick Cave & The Bad Seeds. Con una larga trayectoria que comenzó a principios de los años setenta, su música se caracteriza por un tono oscuro y siniestro, pero también por un interés hacia lo violento y lo erótico. Nick Cave puede asociarse a grupos y cantautores como Tom Waits, PJ Harvey, Leonard Cohen, Shane MacGowan, entre otros, todos ellos seguidores de una estética bohemia y urbana.

La juventud de Nick Cave
Warracknabeal es un pueblo pequeño en el estado australiano de Victoria. Nick Cave tiene dos hermanos mayores y una hermana menor: Timothy Cave, Peter Cave y Julie Cave. Desde pequeño se mudó a Wangaratta, Australia. Su padre, Colin Cave, era profesor de literatura y su madre, Dawn, era bibliotecaria. Sus padres practicaban el cristianismo anglicano, y la familia acudía a la catedral de Wangaratta, donde el pequeño Nick Cave cantaba como parte del coro infantil. El joven Cave tenía problemas con las autoridades escolares de su escuela, lo que le procuró en 1970 que sus padres lo enviaran a la Escuela Caulfield Grammar en Melbourne, Australia. Ahí se unió al coro de la escuela y practicó el piano. En 1971 su familia se mudó con él a Melbourne.
Después de su educación secundaria Nick Cave estudió pintura en el Instituto Tecnológico de Caulfield de 1976 a 1977. Cerca de estas fechas iniciaría su consumo de heroína. Su padre murió en un accidente automovilístico cuando Nick tenía 19 años.

Sus inicios musicales
En 1973 Cave conoció en Caulfield Grammar a Mick Harvey, Tracy Pew y Phill Calvert, respectivamente el guitarrista, bajista y baterista de lo que sería su primera banda. Mientras eran estudiantes, su repertorio se componía de interpretaciones de música de Lou Reed, David Bowie, Alice Cooper, Roxy Music y Alex Harvey con un giro proto-punk. Después de dejar la escuela en 1977 bautizaron su banda con el nombre The Boys Next Door y comenzaron a tocar y cantar material original. Rowland S. Howard se unió a la banda en 1978 como guitarrista.
Desde 1977 hasta su disolución en 1980 la banda The Boys Next Door exploró con diversas variantes del punk: desde riffs inspirados en los de Ramones hasta una renovada ola de inspiración en David Bowie y una especie de expresionismo post-punk (véase la banda Pere Ubu) para terminar en una mezcla de escandaloso performance, ruido y art-rock.
The Boys Next Door formaron parte de la escena post-punk de Melbourne de finales de los setenta y tocaron en varios conciertos en vivo por toda Australia hasta que en 1980 cambiaron el nombre de la banda a The Birthday Party y se mudaron a Londres y después a Alemania Federal. La cantautora Anita Lane, pareja sentimental de Nick Cave, los acompañó a Londres. La banda ganó una notoria reputación gracias a las letras provocativas de Cave y a sus escandalosas actuaciones en vivo.
Después de cultivar un estatus de culto en Australia y Europa, The Birthday Party se desintegró en 1984. Rowland S. Howard y Nick Cave encontraron dificultades para seguir trabajando juntos, y ambos se encontraban exhaustos por el abuso de alcohol y drogas.

The Bad Seeds
Nick Cave y Mick Harvey formaron el primer ensamble de Nick Cave & The Bad Seeds. Nick Cave comenzó a escribir letras más líricas y narrativas, en contraste con el expresionismo que usó en sus proyectos anteriores. The Bad Seeds fue concebido como un ensamble de músicos internacionales: el guitarrista Blixa Bargeld (de la banda Einstürzende Neubauten), era alemán, el bajista Barry Adamson era inglés y el guitarrista Hugo Race era australiano. También Anita Lane escribió canciones para The Bad Seeds. Esta alineación grabó el álbum debut de la banda: From Her to Eternity, el cual fue lanzado en 1984.
Cave se separó de Anita Lane a mediados de la década de los ochenta y comenzó una relación con Elisabeth Recker. Durante la estancia de la banda en Berlín, se lanzaron cuatro álbumes: The Firstborn Is Dead, Kicking Against the Pricks, Your Funeral... My Trial y Tender Prey.
Mientras vivía en Berlín Oeste, Cave comenzó a trabajar en su novela debut: And the Ass Saw the Angel (1989). Existe una significativa intertextualidad entre su novela y las letras que Cave escribió para las últimas canciones de The Birthday Party y las etapas tempranas de su carrera con The Bad Seeds.
Después de terminar And the Ass Saw the Angel, Cave dejó Berlín Oeste poco después de la caída del muro de Berlín y se mudó a São Paulo, Brasil, donde conoció a Viviane Carneiro. Los dos tienen un hijo llamado Luke (nació en 1991). La pareja nunca contrajo matrimonio. Cave tiene otro hijo, Jethro, también nacido en 1991; éste vive con su madre ,Beau Lazenby, en Australia.
Fue en Brasil donde grabó, en 1990, su álbum The Good Son, una de las cumbres de su carrera. Este disco, lírico, orquestal, y carente de la furia y el desgarro anteriores, supuso el definitivo divorcio entre Cave y cierto sector de su público.
En 1992 su banda lanza Henry's Dream, disco producido por David Briggs. En 1993, Cave dejó Brasil y se mudó a Londres, Inglaterra. Ese mismo año se publica un álbum en vivo, Live Seeds, grabado durante la gira de presentación de Henry's Dream. Un año después aparece su siguiente álbum, Let Love In, uno de sus discos mejor recibidos tanto por la crítica como por el público.
Murder Ballads, de 1996, es una colección de canciones sobre asesinatos. El álbum incluye "Henry Lee", un dueto con la cantante británica PJ Harvey (con quien tuvo una breve relación amorosa), y "Where the Wild Roses Grow", un dueto con Kylie Minogue (quien también fue su novia). Esta última canción fue un éxito popular en Australia, donde le procuró a la banda tres premios ARIA, incluyendo "Canción del año".
El siguiente álbum, The Boatman's Call (1997), Nick Cave se desvía de las narrativas genéricas y violentas de su pasado como compositor hacia canciones con una letra biográfica y confesional sobre sus relaciones con Carneiro y PJ Harvey. Éste fue también el primer álbum que se centraría en su mayor parte en el piano, tocado por Cave.
Después de The Boatman's Call tomó un descanso para recuperarse de la adicción a la heroína y el alcohol que lo atribulaba desde hacía veinte años. Durante este período conoció a su pareja actual, la modelo británica Susie Bick. Se casaron en 1999, y hoy tienen una pareja de gemelos, Arthur y Earl Cave. Completamente recuperado, Cave resurgió con el complejo, melancólico y altamente elogiado álbum No More Shall We Part que lanzó con su banda en 2001. Después del lanzamiento del álbum Nocturama (2003), Blixa Bargeld anunció su retiro de la banda, dejando a Mick Harvey como el único miembro original de The Bad Seeds, aparte del mismo Nick Cave. Sin embargo, el siguiente año la banda sacó su primer disco doble: Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus, que tuvo gran aceptación entre los críticos.
En 2005 Nick Cave & the Bad Seeds lanzó B-Sides & Rarities, una colección de 56 canciones en tres discos, incluyendo piezas poco conocidas, "lados B" y canciones que aparecieron en bandas sonoras de películas.
Después de grabar un disco bajo el nombre de Grinderman en 2007 (una banda formada junto a otros 3 de los Bad Seeds, donde exploraba el rock y el blues más primitivo, cercano en ocasiones a la música que los Bad Seeds hacían en su primera época), en 2008 Nick Cave vuelve a grabar con todos los Bad Seeds un disco, llamado Dig, Lazarus, dig!!!, que bebe de las influencias de Grinderman.

Otras obras
Cave dio a conocer su primer libro, King Ink, en 1988. Este libro es una colección de letras de canciones y breves obras teatrales, incluyendo colaboraciones con la enfant terrible estadounidense Lydia Lunch.
Aparte de su rol con The Bad Seeds, Nick Cave ha desarrollado una carrera como solista, tocando en vivo su piano, acompañado por un trío de bajo, percusión y violín formado por una alineación fluctuante. Actualmente este trío está formado por Martyn P. Casey, Jim Sclavunos y Warren Ellis.

Nick Cave y el cine
La música de Nick Cave (solo o con su banda) ha sido incluida en varias de las películas de Wim Wenders': Wings of Desire (Cave aparece en esta película, interpretándose a sí mismo en una presentación en vivo), Until the End of the World, Faraway... So Close! y Soul of a Man, un documental sobre la música blues producido por Martin Scorsese. Cave también actuó en la película independiente Ghosts... of the Civil Dead (1989), escrita y dirigida por John Hillcoat. También apareció como actor en la película Johnny Suede (1991), compartiendo la pantalla con Brad Pitt.
Algunas otras canciones de Nick Cave han aparecido en bandas sonoras de varias películas.
Mostrando un creciente interés en el cine, Nick Cave escribió el guion y la música para The Proposition, un western de magnitudes líricas y poéticas sobre amor y violencia en el yermo australiano. La película fue dirigida por John Hillcoat y en ella actúan Guy Pearce, Ray Winstone, Danny Huston, John Hurt, David Wenham y Emily Watson. Fue filmada en Queensland en 2004. Se ha presentado desde octubre de 2005, logrando elogios de la crítica.
En 2007, Cave escribió la banda sonora de la película de Andrew Dominik, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford junto a su compañero Warren Ellis, donde también apareció en un pequeño papel en el film interpretando a un músico que canta La balada de Jesse James.
En 2009, Cave volvió (junto a Ellis) a escribir la banda sonora de la película The Road, dirigida por John Hillcoat, amigo y colaborador de Cave.
En 2010 su canción "O Children" es la banda sonora de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte I. Es el tema musical que suena en una vieja radio, y que Harry y Hermione bailan en su tienda de campaña, para así olvidarse de los problemas que conciernen a Voldemort y sus mortífagos, mientras escapan de ellos.