Blind Melon

Blind Melon es una banda de rock formada en 1989 en el estado de California. Su actividad se extendió desde 1989 hasta 1995, año de la muerte de su vocalista, Shannon Hoon, aunque fue reformada en 2006 al ser sustituido Hoon por Travis Warren, ex-miembro de Rain fur Rent.

La banda se formó en 1989 en la Ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.

Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.

En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.

Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".

La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien el 21 de octubre de 1995, en Nueva Orleans, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína, horas antes de una presentación en dicha ciudad. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.

Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó oficialmente el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.

La muerte del cantante y el correr de los años, han hecho que Blind Melon pasara a ser una banda de culto, haciendo que el público revalorizara su música con mayor intensidad, debido a su gran legado, que trajó los sentimentos musicales caraterísticos de los años '60 y '70, pero llevados a la modernidad, y así como el movimiento Grunge, las canciones del grupo fueron toda una voz para la furiosa "Generación X".

En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.

El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island.

For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.

En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon. En noviembre de ese año la banda anunció la salida de Warren, por razones no oficiales: mientras Warren adujo que le habían expulsado de la banda tras perder la voz a causa de la gran cantidad de conciertos que dio, el resto de miembros apuntó a la irresponsabilidad y a la falta de comunicación con el resto como los detonantes de la marcha del vocalista, añadiendo que había sido una decisión del propio cantante. A fines de 2010 y comienzos de 2011, la banda se vuelve a juntar para dar una serie de conciertos por Estados Unidos.

Blood, Sweat & Tears

Blood, Sweat & Tears (también conocidos como BS&T) es una banda de rock, fundada en 1967 en Nueva York (Estados Unidos), que se convirtió en el principal icono del llamado Jazz Rock, fusionando rock, blues, pop y jazz a través de arreglos complejos, concebidos para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento, creando una peculiar forma de R&B y soul. Junto con el grupo Chicago, conforman la cabeza más visible de lo que el musicólogo Joachim E. Berendt llamó las Big Bands de Rock.

Primer período: 1967–1968

El pianista y organista Al Kooper, que había estado en sesiones históricas con Bob Dylan, Jimi Hendrix o los mismos Rolling Stones, y que por entonces estaba enrolado en una banda de rock denominada The Blues Project, fue el impulsor del grupo, cuyo nombre tomó de un disco, de 1963, del cantante de country, Johnny Cash que, a su vez, lo recogió de la famosa expresión de Winston Churchill. El grupo, al que se incorporaron su compañero de banda, el guitarrista Steve Katz, y el bajista Jim Fielder, un veterano que había estado en grupos como Buffalo Springfield o The Mothers Of Invention de Frank Zappa, se concibió con una estructura derivada de las bandas de soul de los sesenta, con una base rítmica clásica (guitarra, teclados, bajo y batería) y una potente sección de metales (dos trompetas, trombón y saxo), y con un bagaje musical que incluía, por supuesto, rock y blues, pero también psicodelia, pop, jazz y soul.

Su primera actuación tuvo lugar en el Café a Go-Go, en Nueva York, el invierno de 1967, y tuvieron un impacto notable, lo suficiente para que Columbia decidiese ficharlos y grabar un disco, Child is father to the man. El disco se publicó en 1968, con los trompetistas Jerry Weiss y Randy Brecker, el trombonista y teclista Dick Halligan, el saxofonista Fred Lipsius y el batería Bobby Colomby, además de los antes citados. Se situó en el nº 47 del Billboard 200, un puesto elevado para unos debutantes.

Segundo período: 1968–1971

Las dudas de la banda, y de la compañía de discos, respecto a la capacidad de Kooper como cantante (se había hecho cargo de la voz en el primer disco) y algunas divergencias conceptuales, le decidieron a dejar la banda. Con él, se fueron Brecker y Weiss, cada uno a sus proyectos. BS&T recurrieron a Laura Nyro para cubrir su puesto, y realizaron un par de actuaciones de prueba, aunque tras ellas, la cantante decidió no arriesgarse. Tras realizar gestiones infructuosas en la Motown (Stevie Wonder), Fielder tanteó a su antiguo compañero de banda, Stephen Stills, que finalmente no aceptó. Fue Katz quien propuso, entonces, al canadiense David Clayton-Thomas para hacerse cargo de la voz. Se incorporaron, además, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield, así como el trombonista Jerry Hyman, ya que Halligan se dedicó a los teclados para cubrir la baja de Kooper.

Con esta formación, publicaron su disco más exitoso, Blood, Sweat & Tears (1969), que incluyó verdaderos hits como Spinning Wheel o And when I die, aparte de auténticas joyas, como la versión de God bless the Child, el tema clásico de la cantante de jazz Billie Holiday. En estas grabaciones se plasma de forma clara y brillante el concepto musical que animó al grupo: Bases potentes, arreglos poderosos para los metales, improvisaciones de corte claramente jazzístico y, por encima, una voz carismática e identificable. BS&T fue una de las bandas que actuó en el mítico Festival de Woodstock. El disco llegó al nº 1 en álbumes, y obtuvo el Grammy al mejor disco r&b del año, y ello a pesar de lo ambicioso de la propuesta, incluso para los cánones de la época.

Los siguientes discos, Blood, Sweat & Tears 3 (1970), que también llegó al nº1 de Billboard 200, y B.S. & T. 4 (1971), que alcanzó un aceptable nº 10, abundaron en la fórmula, dejando algunos temas de muy alto nivel, como Hi de Ho, uno de sus grandes éxitos de ventas, compuesta para ellos por Carole King; He's a Runner (de la cantautora Laura Nyro); Symphony for the Devil / Simpathy for the Devil, una versión oscura y reflexiva del tema de los Rolling Stones; la sutil John the Baptist; o el espectacular solo de trombón que conforma Redemption, ejecutado por Dave Bargeron, quien había sustituido, unos meses antes de la grabación, a Hyman. Cuentan también con la colaboración del clarinetista Don Heckman. En 1970, el grupo había participado en la banda sonora de la película The Owl and the Pussycat, que se editó en disco en Estados Unidos, en diciembre de ese año, y que apenas logró situarse en el puesto 186 de los charts. Nunca llegó a publicarse en España.

En esta época, BS&T estaban unánimemente valorados, sus conciertos recibían buenas críticas, se situaban en los puestos altos de los polls de la revista de jazz Down Beat y sus temas se encaramaban a las primeras posiciones de ventas de Billboard. Algunos de sus miembros, también consiguieron nominaciones como instrumentistas en los polls y adquirieron bastante prestigio. Su imagen, no obstante, había sufrido un golpe con la gira que se vieron obligados a hacer por los países del Este, de la mano del Departamento de Estado, como contrapartida a la legalización de la situación laboral de Clayton-Thomas.4 Además, la banda comenzó a acusar las tensiones internas entre las distintas corrientes que albergaba: La comercial y con tendencia al «estilo Las Vegas», que siempre acompañó a Clayton-Thomas; la jazzística, que dominaba entre los metales y Colomby; y la más tradicionalmente rockera, de Katz y Fielder, lo que hizo que su siguiente disco se retrasara tanto como para que Columbia decidiera sacar un Greatest Hits (febrero de 1972), que consiguió el disco de oro en mayo y alcanzó el nº 19 del Billboard 200.

Tercer período: 1972–1974

Las tensiones generaron un importante cambio: Clayton-Thomas se fue a probar suerte en solitario y, tras unos meses en que el pianista ciego Bobby Doyle ejerció de vocalista de la banda,5 fue sustituido por Jerry Fisher, que desempeñó el puesto con dignidad. Se incorporó también a la banda el saxofonista Lou Marini, que venía de la big band de Woody Herman, sustituyendo a Joe Henderson, que a su vez había sustituido a Lipsius. También se marchó Halligan, sustituido por otro jazzista, el pianista Larry Willis, y se incorporó el guitarrista sueco Georg Wadenius. Con esta formación, en la que permanecían Soloff, Winfield, Bargeron, Katz (que acabó marchándose poco después), Fielder y Colomby, facturaron un buen disco, New blood (1973), que incluyó una larga versión de Snow Queen, de Carole King, que finalizaba con una brillante recapitulación de Maiden Voyage, de Herbie Hancock. Críticos de jazz, como Joe H. Klee, se mostraron entusiasmados con la nueva formación: I don't know how the rockers will feel about it, but from a jazz listener's point of view this band burns like the fire.6 El disco alcanzó el nº 32 del Billboard 200.

Con la formación de este disco, recalaron, por primera y única vez en España (1973), con un muy buen concierto en el Teatro Monumental de Madrid, aunque ya con Tom Malone sustituyendo a Winfield.

Los siguientes discos, No sweat (1973) y Mirror image (1974), no aportaron nada significativo a la historia del grupo y tuvieron resultados comerciales y artísticos claramente inferiores (nº 72 y 149, respectivamente, en Billboard) aunque, por supuesto, contenían buenos momentos. Los cambios en la banda comenzaron a ser continuos y, tras la marcha de todos los que quedaban del grupo inicial, salvo Bobby Colomby, que se hizo con las riendas mercantiles y legales, pasaron por el mismo gente como Jerry LaCroix, saxofonista y cantante que más tarde estuvo en el grupo Rare Earth, el bajista Ron McClure, el también saxofonista Bill Tillman, y los trompetistas Tony Klatka y Joe Giorgiani, que sustituyeron a Fielder, Marini, Soloff y Winfield, respectivamente. Eventualmente, durante un tiempo, el bajo lo había asumido un joven llamado Jaco Pastorius.

Cuarto período: 1975–1979

Cuando Fisher y LaCroix, que no se encontraba a gusto con el estilo del grupo, dejaron la banda, su puesto lo ocupó provisionalmente Luther Kent, que hizo la gira de invierno 1974-75. Sin embargo, en 1975, vuelve al grupo David Clayton-Thomas y, con el resto de la formación antes indicada, publican un nuevo álbum, New city, que contiene algunas versiones interesantes de temas como Ride, Captain, ride o el clásico de los Beatles, Got to Get You into My Life, y recibió buenas críticas desde los medios, logrando además posicionarse en el nº 47 de Billboard, aunque indudablemente, la banda había perdido ya frescura. Mucho menos interesante es More than ever (1976), su siguiente álbum, en el que la dirección musical y producción correspondió al pianista Bob James, con un gran número de instrumentistas colaboradores y que, realmente, es casi más obra de James que de la banda. Este álbum fue un fracaso absoluto de ventas (sólo llegó al nº 176 de Billboard), lo que dio lugar a la finalización de su acuerdo con Columbia.

Sin embargo, el grupo funcionaba en directo y, como prueba de ello, se publicó en 1977, In concert (que en EEUU se llamó Live and Improvised), disco doble con temas grabados durante la gira de 1975, en festivales de jazz básicamente y que, por tanto, es descaradamente más jazzístico que los discos de estudio de ésta época. La formación es esencialmente la misma que en New city, con el añadido de Mike Stern en la guitarra y Don Alias en la percusión.

Ese mismo año salió al mercado Brand New Day (1977), ya en otra compañía, ABC Records, con la misma formación, salvo que Forrest Buchtel sustituía a Giorgiani, tomando la segunda trompeta, y Danny Trifan a McClure en el bajo. Se añade un segundo batería, Roy McCurdy, junto a Bobby Colomby, que era uno de los productores. Este disco contenía algunos buenos temas, pero ya era evidente que la banda no tenía mucho más que decir.

En 1978 el grupo realizó su última gira por Europa con parte de esta formación, aunque Gregory Herbert había ocupado el puesto de saxofonista, Chris Albert sustituía a Buchtel en la segunda trompeta, y el bajista era Neil Stubenhaus; Randy Bernsen compartió la guitarra con Mike Stern durante la gira, aunque finalmente fueron sustituidos por Barry Finnerty . En Ámsterdam, Gregory Herbert falleció de una sobredosis de cocaína. Después de esto, el grupo se disgregó.

Quinto período: 1980–2004

Durante dos años, BS&T no giraron ni grabaron y, de hecho, parecían desaparecidos. Sin embargo, Clayton-Thomas recuperó el nombre, por presiones de la discográfica MCA, para el disco de su nuevo proyecto , Nuclear blues (1980), en una onda funk con músicos canadienses, entre los que estaba el trompetista Bruce Cassidy. El disco no se publicó inicialmente en Europa, hasta que se hizo en una edición barata del sello alemán Astan, bajo el título de The Challenge (1984). La publicación de este disco generó un fuerte enfrentamiento entre Bobby Colomby, poseedor de los derechos del nombre del grupo, y el cantante, que se solucionó finalmente con un contrato entre ambos por el que Colomby «arrendaba» a Clayton-Thomas el uso del nombre para las actuaciones en directo, aunque no podría usarse para nuevas grabaciones. No obstante, en 1994 se editó un CD titulado Blood, Sweat & Tears Live, grabado el 12 de octubre de 1980, por el sello Rhino Records.10

El control artístico y musical de la banda lo asumió, desde 1985, el trompetista Steve Guttman, quien se mantuvo al frente del proyecto hasta que, en 2004, el propio Clayton-Thomas decidió dar por terminado su periplo con Blood, Sweat & Tears, después de 36 años de vida. En este periodo, los cambios de músicos en la formación fueron abundantes.

Existe, en el mercado internacional, un importante número de ediciones discográficas recopilatorias, especialmente del período comprendido entre 1968 y 1975. La publicada por Columbia en 1986, consiguió el disco de platino.

BS&T en la actualidad

En un extraño estrambote, Bobby Colomby licenció los derechos de uso del nombre, en 2005, a Chuck Negron, anterior vocalista del grupo Three Dog Night, por lo que, durante 2006, en los circuitos de rock, existió un grupo denominado Blood, Sweat & Tears (featuring Chuck Negron) que, naturalmente, no tenía ya nada que ver con la banda original.

Paralelamente, y en esa misma época, Colomby desarrolló un proyecto de apoyo a jóvenes instrumentistas, especialmente en zonas deprimidas (como New Orleans, tras el huracán Katrina, etc.), al que llamó Elsie Monica Colomby Music Scholarship Award. Para dar más peso a este proyecto, en 2007, recuperó el control de la banda. El grupo actuó como soporte de los instrumentistas premiados y realizó un gran número de actuaciones, grabando un disco con el jazzman Jeff Lorber, a nombre de éste.

Además, en 2008 se cumplían los 40 años de vida de BS&T, lo que propició una gira especial, con la incorporación a la banda de Steve Katz. Los restantes músicos que participan en esta gira, son: Rob Paparozzi (voz, armónica), Dave Gellis (guitarra), Glenn McClelland (teclados), Gary Foote (bajo), Andrea Valentini (batería), Tom Timko (saxos), Jens Wendelboe (trombón) y Teddy Mulet y Steve Jankowsky (trompeta). Puede decirse que esta es la actual formación de BS&T, aunque para la gira de 2009, Colomby contó nuevamente con Steve Katz y con Chuck Negron.

En 2010, BS&T volvieron a grabar como grupo de respaldo de Jeff Lorber, en el disco de este, "Now Is The Time". El disco fue nominado a los Grammys.

Bandas relacionadas

El enfoque que le dio Blood, Sweat & Tears al rock con sección de metal no fue un fenómeno aislado sino que, por el contrario, estuvo inmerso en una corriente bastante extendida a finales de los años 1960. El mismo productor de su segundo álbum, James William Guercio, había impulsado a otro de los grupos emblemáticos del jazz-rock: Chicago Transit Authority (luego reducido a Chicago), cuyo primer disco se grabó en 1968. Otras bandas interesantes del género, fueron Dreams, fundada por el trompetista Randy Brecker, tras dejar BS&T, y el batería Billy Cobham; Chase, la banda de Bill Chase, cuya sección de metales, con cuatro trompetas, impactó en su época; los canadienses Lighthouse; la refrescante banda The Flock, liderada por el violinista Jerry Goodman, que desarrolló un estimulante estilo de improvisación colectiva, cercana al free jazz; además de otras formaciones como Electric Flag, The Ides of March, Ten Wheel Drive, Malo, Melting Pot, o artistas como Buddy Miles ("Them Changes")... En el Reino Unido, destacaron la Keef Hartley Band y CCS , la superbanda de John Cameron. Hubo, también, bandas influenciadas por Blood, Sweat & Tears en casi toda Europa, como fue el caso de los polacos The Lolas.

En España existían, en época tan temprana como 1967, algunas bandas que, aunque más apegadas a la tradición soul, se movían en terrenos similares a los que marcó Al Kooper. La más destacada de ellas fue, sin duda, Los Canarios, cuyo single The incredible miss Perryman se publicó ese año y tuvo un impacto inesperado. También podemos citar a Henry and the Seven, que grabó varios sencillos en esa época y, aunque algo más tardíos, a Alcatraz. Ya en la década de los años 1990, algunas bandas andaluzas recuperaron el espíritu de las big bands de rock, como La Blues Band de Granada  y, en algunos casos, hasta los propios arreglos de BS&T, caso de la Pecos Beck & Tito Poyatos Band.

Steve Morse

Steve J. Morse (Hamilton, Ohio, 28 de julio de 1954) es un guitarrista estadounidense. Desde 1994 forma parte de la legendaria banda británica de hard rock Deep Purple. Antes de unirse a dicho grupo, estuvo en Dixie Dregs y también tuvo una notable carrera como solista.

Después de haber pasado por Dixie Dregs y Kansas se unió a Dave LaRue, (bajo) y Van Romaine (baterista) para formar su propia banda: La Steve Morse Band. Aunque sigue siendo el guitarrista de Deep Purple también participa en Living Loud junto con antiguos músicos de Ozzy Osbourne y que se dedican a hacer versiones de éste a parte de temas propios.

El estilo Morse pasa por el Hard rock, heavy metal y el Jazz fusion y, por supuesto, está dentro del círculo de los guitarristas virtuosos llamados shredders. Llegó a Deep Purple durante la gira de su 25 Aniversario y recomendado por el mismísimo Joe Satriani luego de que este último solo estuviera unos meses reemplazando al mítico guitarrista de los Purple: Ritchie Blackmore.

Actualmente está de Gira compartiendo escenario con Joe Satriani y John Petrucci en G3.

The Flock

The Flock fue una de las bandas más interesantes de lo que se llamó Jazz Rock, junto con Blood, Sweat & Tears y Chicago. Se formó en Chicago, en 1966, y desapareció definitivamente en 1975.

La banda, en su momento álgido, estaba formada por Jerry Goodman (violín y guitarra), Fred Glickstein (guitarra y voz), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería y percusión), Rick Canoff y Tom Webb (saxo y flauta), y Frank Posa (trompeta). Con esta formación, grabaron sus dos discos más interesantes.

Los inicios

La banda se forma en 1966, integrada por Canoff, Glickstein, Smith, Karpman y un segundo guitarrista, Rick Mann. Entre el 66 y el 68, publicaron cuatro singles que consiguieron un cierto éxito en el top 20 del circuito de radios de Chicago. En 1967, por la influencia de bandas como BS&T, incorporaron a Web y Posa, tras una breve estancia del saxofonista John Gerber, para completar su sección de metales.

En 1968, Rick Mann abandona el grupo, y la banda selecciona para suplirlo a un brillante violinista, que también toca la guitarra, Jerry Goodman. El sonido de Goodman, transforma el propio sonido del grupo; además, Goodman introduce conceptos de improvisación colectiva que provienen del free jazz y que entroncaban con las experiencias de Charles Mingus.

La época de oro

Con esta formación, editan su primer álbum, llamado simplemente The Flock (CBS, 1969), que contiene algunas joyas, como Clown o el tema de largo desarrollo Truth, elaborado sobre una estructura de blues. Con el tema Tired of waiting, consiguen entrar en los charts y su presencia en el recopilatorio de CBS, Llena tu cabeza de rock (1970), un disco con grandes ventas en todo el mundo, y cuya portada fue una espectacular foto de Goodman con el violín, les asienta definitivamente en el mercado.

El año siguiente, se publica su segundo álbum, Dinosaurs Swamp (CBS, 1970), con una magnífica carpeta y algunos buenos temas, aunque no tan brillantes como en el disco anterior. Ese mismo año, Goodman se va del grupo para integrarse en la Mahavishnu Orchestra, el grupo de jazz-rock del guitarrista John McLaughlin.

El grupo se rompe y, durante un tiempo, queda en silencio.

La gira europea

En 1973, algunos de los miembros originales de la banda, deciden relanzarla de cara a una gira por Europa. Glickstein, Karpman y Smith vuelven a montar el grupo, incluyendo a Michael Zydowsky con el violín, para suplir a Goodman. Durante la gira, se graba un concierto en directo en Friedburg (Alemania), que no obstante no llega a publicarse hasta el año 2004.

Tras la gira, la banda vuelve a quedar en silencio, hasta que dos años después se reúnen de nuevo, y ya por última vez, para grabar un disco, Inside out (1975).

Joey Ramone

Jeffrey Ross Hyman, más conocido como Joey Ramone, (Nueva York, Estados Unidos, 19 de mayo de 1951 – ibídem, 15 de abril de 2001), fue un músico norteamericano, co-fundador y vocalista de la banda legendaria de punk rock Ramones desde su formación en 1974 hasta su disolución en 1996.

Influenciado musicalmente por su madre, escuchó desde su infancia grupos como The Who o The Stooges. Inicialmente fue el baterista de la banda, para posteriormente y por recomendación de Tommy Ramone pasa a ser la voz del grupo.

Joey Ramone era vegetariano.

Primeros años

Jeffrey Hyman nació el 19 de mayo de 1951 en Nueva York, tuvo 3 padres diferentes y hasta que se estableció con su madre, Charlotte Lesher, en el barrio de Forest Hills, en el distrito de Queens. Estudió en Forest Hills High School, era una persona muy reservada y cohibida según su madre y su hermano. Joey medía 1,98 m de altura, era de constitución ectomórfica y llevaba el pelo largo y liso, de color negro, lo que le oscurecía la cara. Además, era zurdo, sufría de una miopía pronunciada y padecía un trastorno obsesivo-compulsivo, éste último le obligaba a repetir ciertas cosas, tales como encender y apagar un interruptor, cerrar la puerta una y otra vez, etc. Acostumbraba aspirar pegamento y consumir drogas junto con sus amigos, esto llegó a tal punto que su propia madre le permitía fumar y drogarse en su casa. Admiraba mucho a bandas como The Stooges y New York Dolls, decía que se sentía atraído por los personajes extraños y únicos. Joey perteneció a una banda llamada Sniper, sin embargo lo expulsaron al poco tiempo debido a que no tenía un aspecto muy agradable.

The Ramones

Jeffrey junto con su amigo Douglas Colvin, solían permanecer en la galería de arte de la madre de Jeffrey mientras aspiraban pegamento y se drogaban. Sus otros amigos Tommy Erdérlyi y John Cummings deciden crear una banda debido a la insistencia de Tommy. Para crear una sensación de unidad deciden que cada uno llevará un nuevo nombre y tendrían como apellido "Ramone", es entonces cuando Jeffrey es bautizado con el nombre de "Joey Ramone". Una de las primeras canciones que escribió fue "Judy Is A Punk", que según el mismo Tommy tenía una esencia futurista. Joey y los Ramones tocaron por primera vez en la CBGB, su primer concierto fue un completo fracaso. Algún tiempo después grabó su primer disco "Ramones", que pasó casi desapercibido. Después grabaron "Leave Home", "Rocket to Russia" y "Road to Ruin", todos considerados como trascendentes y esenciales para el naciente Punk Rock, sin embargo no tuvieron éxito comercial.

Tiempo después trabajan con Phil Spector, un gran productor y director que trabajó anteriormente con bandas como The Beatles para grabar su quinto álbum "End of the Century". Joey parece llegar a entenderse con Phil, pero debido a la presión que ejercía éste Johnny se enojó mucho. El álbum no fue lo esperado, y fue un fracaso en las ventas. Joey siempre se mostró optimista, pensando que el siguiente álbum que lanzaran sería su gran debut comercial, esto nunca sucedió. Joey usó su gran creatividad e inspiración para escribir grandes canciones como: "Do You Remember Rock n' Roll Radio?", "The KKK Took My Baby Away" y "She's The One".

Joey no se habló con su guitarrista, Johnny Ramone, durante casi 20 años. Esta rivalidad comenzó por diferencias ideológicas y empeoró cuando Johnny le "robó" a su novia Linda, y luego se casó con ella, lo que le inspiró a escribir "The KKK Took My Baby Away" para el disco Pleasant Dreams. La sigla KKK (usada por el Ku Klux Klan) es solo una metáfora algo exagerada sobre Johnny Ramone que politicamente era conservador, venía de una familia judía acomodada. En cuanto a ideas políticas, eran totalmente opuestos, siendo Joey un liberal de izquierda, mientras que Johnny era muy conservador. Nunca resolvieron sus diferencias hasta la disolución de la banda en 1996. Joey siguió una carrera como solista después de esto.

Uno de los sueños de Joey era poner a los Ramones en el Hall of Fame del rock, cuando esto sucedió, año 2002, Joey ya había muerto. Jamás vio su sueño cumplido.

Otros Proyectos

En 1994, creó el grupo Sibling Rivalry con su hermano Mickey Leigh, con la que sacaron el EP In a Family Way EP.

En 1999, Co-produjo y cantó en dos temas del EP "She Talk to Rainbows" de una de sus ídolos la ex - The Ronettes, Ronnie Spector.

En 2002 se editó su disco solista "Don't Worry About Me", con una destacable versión del tema de Louis Armstrong, What a Wonderful World a su estilo punk con algunas bases de Sex Pistols (en concreto del tema "Pretty Vacant"), de The Clash ("I'm so bored with the USA") y de The Who y 1969 de The Stooges.

Co-escribió y grabó la canción "Meatball Sandwich" con Youth Gone Mad. Antes de su muerte, fue productor y manager de The Independents.

Muerte

Murió de Linfoma en el New York-Presbyterian Hospital el 15 de abril de 2001. En el momento de su muerte escuchaba “In A Little While” de U2. Desde ese momento, durante los conciertos, Bono, explica que la canción trataba sobre el dolor por amor, pero que desde aquel momento la cancion adquirio un significado totalmente nuevo. Al parecer, había tenido linfoma durante bastante tiempo; a mediados de los 90 ya se le había visto aparecer en un hospital de Nueva York especializado en linfoma.

A la muerte de Joey, el 2001, Johnny quedó en un estado depresivo del que no pudo sobreponerse del todo, quedando con un sentimiento de culpa por la mala relación que tuvieron.1

El 30 de noviembre de 2003, se le puso el nombre de Joey Ramone Place a una calle de la Ciudad de Nueva York. Está en la misma manzana donde los Ramones comenzaron, en el famoso club CBGB. Su cumpleaños se celebra en muchos clubes de rock, siendo invitados en Nueva York su madre y su hermano.

El 28 de enero de 2007 la madre de Joey, Charlotte Lesher, quien inspiró musicalmente y apoyó a Joey durante su carrera de músico, muere de un ataque al corazón con 80 años.

En Febrero del 2012 se hizo el anuncio oficial del lanzamiento del segundo álbum póstumo de Joey titulado Ya Know?, que se lanzó el 22 de Mayo y cuenta con la colaboración de Joan Jett, Steven Van Zandt y Richie Ramone y fue producido por Ed Stasium y Jean Beauvoir quienes trabajaron con The Ramones.

Imagen e influencia

Joey Ramone y su banda crearon el Punk Rock, sin embargo algo que caracterizaba a Joey era su particular forma de vestir, su pose dominantes en el escenario, su desborde de energía, y sobretodo su gran voz. Joey y su banda influenciaron a Sex Pistols, The Clash, etc.

Su forma de cantar era particular debido a que él nunca recibió ningún tipo de entrenamiento o clases. En una era de competencia vocal, cantar como un profesional fue sin duda una norma para la mayoría de las bandas de rock. Sus grietas, gruñidos, canto y su voz juvenil hizo que sea considerada una de las voces más reconocidas de punk rock. A medida que su voz se fue profundizando a través de su carrera, también lo hizo su forma de escribir canciones, dejando una diferencia notable de inicial de Joey melódico y de estilo algo torpe e inexperto.

Joey demostró ser muy inteligente y sencillo a la vez, una de las anécdotas que contó el artista creador del logotipo de Ramones, Arturo Vega, fue que mientras estaba creando el logotipo Joey se le acercó y le dijo "¿Por qué no le dibujas manzanas?", Vega le respondió "Entiendo, quieres ponerle manzanas para que digan que los Ramones son tan norteamericanos como la tarta de manzana ¿No?" a esto Joey respondió "No, lo digo porque las manzanas son muy ricas", esto da entender la manera sencilla pero profunda y filosófica con la que Joey veía las cosas, las simplifica a lo esencial, ya que según él de eso se trataba el punk, de simplificar las cosas.

Joey y su banda a lo largo de toda su trayectoria se diferenciaban debido a que sus canciones eran por lo general de muy poca duración, casi nunca superaban los 2 minutos. Siempre usó unas gafas rojas en las que aparecía en sus conciertos, incluso llegó a usar las mismas gafas rojas durante 15 años. Tenía una apariencia extraña debido a su gran estatura que casi superaba los 2 metros. Solía usar jeans y chaquetas de cuero al estilo de los motociclistas.

RPM

Revoluciones por Minuto (también conocida sólo por RPM) fue un grupo de rock brasileño surgió en 1985 y fue uno de los países más populares en los años 1986 y 1987. Fue uno de los grupos más exitosos en la historia de la música brasileña. En la segunda mitad de los años 80, logró batir todos los récords de vendas fonográfico industria brasileña. El equipaje presunta crítico y cultural de letrista Paulo Ricardo era un argumento de marketing en la venta de discos de la banda. La banda ha vendido más de 3 millones de discos en su carrera.

Formación.

Todo comenzó en 1976 en São Paulo, Paulo Ricardo estaba saliendo cuando Eloa, que vivía enfrente de la casa donde Luiz Schiavon ensayando con mayo de este. La pareja decidió que algún día visitar a los vecinos, que eran una prueba crucial de que decidió cantar en Inglés o Portugués. Paulo Ricardo dio su voto, opinando la letra en portugués y así conoció Luiz Schiavon. En este día hablamos mucho sobre música. Paul estaba empezando su carrera como crítico musical y Schiavon era un pianista clásico. Schiavon buscó un nuevo camino, más popular, pero sentía dificultades para encontrar a alguien. Así fue como Pablo recibió una invitación para participar en el "Aura", un jazz-rock que todavía tenía Paulinho Valenza en la batería. Después de tres años de pruebas y no se presenta, Luiz quedó encantado por la música electrónica y los sintetizadores por las nuevas tecnologías, mientras que Pablo escogió vivir en Europa - primero en Francia y luego en Londres, donde escribió sobre la nueva música para la revista y Somtrês correspondencia frecuente con Schiavon. Este choque de personalidades impulsó la creación de la RPM después del trabajo del dúo se reanudó, ahora en Sao Paulo.

Juntos, crearon las primeras canciones. El primero fue "Look 43", "La Cruz y la Espada" y bautizó a la música de banda que nació allí "Revolutions Per Minute". Grabaron un demo de estas canciones con una caja de ritmos y enviado a CBS Records, quien los consideraba ambiguo y difícil de tocar en la radio.

's nombre 45 rpm (45 rpm) se propuso inicialmente en una lista de nombres realizados por un amigo . Schiavon y Paul le gustó el nombre, pero tomó el 45 y cambiaron las Revoluciones por las revoluciones. Se invitó al guitarrista Fernando Deluqui (ex-Gang 90 de mayo de Oriente) y el baterista Charles Gavin (ex-Ira!) para completar el grupo. RPM ya doblada, consiguió un contrato discográfico con CBS, con el pacto de 1984, que vendría con las canciones "Icy Blonde" (la canción se convirtió en un éxito de los clubes y las listas de radio) y las "revoluciones por minuto" (que se censuró en el momento). "Blonde Icy" golpeó el gusto del público en todo el país y llevó a la banda a grabar su álbum debut, ahora con el baterista Paul PA Pagni (Banda Rascal anterior), que se unió RPM como invitado en el medio de la grabación del LP, lo que explica su ausencia en la portada de su álbum "Revoluciones por minuto". Charles Gavin había dejado el grupo para unirse a los Titanes.

1985: revoluciones por minuto.

En mayo de revoluciones por minuto llega a las tiendas, en el vacío de un país que aún desconcertado por la muerte de Tancredo Neves. La mezcla de la pasión y la declaración de amor platónico supuesta "Mira 43" emplaca en la radio y allana el camino para otras bandas, más politizados y / o conceptuales, hacer lo mismo. Las pistas del disco también se ocupan de temas como internacionales transformaciones políticas y socioeconómicas. Un elemento curioso es que el clima sombrío arreglos Luiz Schiavon. El éxito del álbum es mucho más rápido que el RPM emplaca una serie de éxitos en la radio (ocho de los once temas del disco) y llega a la marca de 100.000 discos vendidos (Disco de Oro). Revoluciones por minuto llegó a vender 300.000 copias.

1986: Pirate Radio Live.

Después de los espectáculos de divulgación primeros signos RPM contrato con megaempresário Poladian Manoel, que estaba buscando una banda de rock en alza en Brasil por su elenco de artistas de platino MPB. Las etapas habituales de los clubs son intercambiados por un éxito de taquilla, con la iluminación y la suscripción de dirección Ney, cañones láser y las multitudes hacinadas en gimnasios y estadios. En este punto, Paulo Ricardo es ahora vie símbolo:. Imprima varias portadas de revistas y enloquece niñas gritando

Shem "éxitos futuros" en la manga y mantener la banda en la subida, Poladian, los músicos y el lanzamiento sello discográfico en julio de 1986, un nuevo álbum con parte del grabar dos programas de la gira histórica. El repertorio de Pirate Radio en vivo trae cuatro grabaciones inéditas (dos cubiertas) y pistas de cinco revoluciones por minuto. Con la ayuda del plan de precios Cruzado congelado, 500 000 ejemplares se venden con antelación. Las ventas de Pirate Radio en vivo elevarse y llegar a 2,2 millones. La RPM se convierte en la banda más grande del sector de la venta nacional de grabación hasta ahora.

Sin embargo, el cantante Paulo Ricardo llegó a ser conocido sólo como "símbolo vie" y buscado y al alcance de los periodistas y fanáticos como ningún músico y modelo.

1987: La primera separación.

A pesar de todo el éxito en Brasil y en países como Francia y Portugal, la banda, que también ganó una edición especial del reportero Globe en 1986, pasó por una situación difícil.

En junio, se produjo el lanzamiento oficial de un álbum de mezclas, titulado RPM y Milton, con la participación de la cantante Milton Nascimento.

fracaso del proyecto RPM Records, un sello propio grupo, con el tiempo causando conflictos entre sus miembros. Al llegar a producir un LP con el Sao Paulo grupo C Booth (liderado por el ex Persona Titans Cyrus), que presionó y distribuido por RCA, fue un fracaso comercial importante. También en 1987, Paulo Ricardo, Fernando, y PA Schavion anunció la separación oficial del grupo.

1988: Cuatro Coyotes.

El grupo reanudó sus actividades en 1988 con el álbum "RPM" (más conocido como Four Coyotes), con una tirada inicial de 250 000 ejemplares. En la etiqueta, RPM todavía había destacado ya que vienen a dibujar con Roberto Carlos en términos de ventas, siendo la mayor fuente de ingresos para la compañía. Hubo un gran lanzamiento en ese momento:. En algún disco de radio llegó corriendo a través de toda la programación

separados por más de seis meses, la banda resurgió al parecer más maduro, con un disco basado principalmente en la percusión (el brasileño Paulinho da Costa, que viven en los EE.UU.). El sonido es estrictamente superior, con el instrumental superposición de las letras (excepto "Vanishing Point", de Paulo Ricardo). También son destacables el erotismo de La dalia Negro y también critica social, su futura grandeza que refleja, desde Bezerra da Silva. La tirada inicial de 250 000 ejemplares se vendió bien, pero la banda se considera el álbum como un fracaso. La banda se separa de nuevo.

No se sabe en el momento, pero el grupo todavía no había para hacer un remake de "La página Relámpago eléctrico" Ronaldo Bastos en 1989.

1993: Paulo Ricardo y RPM.

A pesar de no contar con el tecladista Luiz Schiavon y el baterista Paul PA Pagni, este álbum es considerado por muchos como el tercer álbum de estudio de la banda. Con Paulo Ricardo (voz y bajo), Fernando Deluqui (guitarras), Marquinho Costa (batería) y Franco Júnior (teclados), este álbum es el más pesado de la banda. Sin la influencia de la apuesta banda Schiavon en las guitarras pesadas y solos por Deluqui bien construido. El álbum, con la gran música misma, que no se refleja en el escenario y el éxito en las ventas. Muchas bandas de rock brasileño de los años 80 cayó en el olvido, especialmente con el fenómeno de la música country y la música hacha. Después de la gira malograda del disco, Pablo y Fernando decidieron seguir caminos diferentes. El guitarrista y grabar un álbum en solitario en 1995, jugaba con los Ingenieros de Hawai. Paulo Ricardo, a su vez, caminos trilharia de MPB.

2002: MTV 2002 RPM.

En 2001, el RPM cuatro músicos se reunieron de nuevo para ensayar, sin pretensiones principales, los viejos éxitos. Al darse cuenta de la relación perfecta y buena voluntad de toda persona a estar juntos de nuevo en el escenario, que se inició el regreso de RPM, incluyendo el regreso del empresario Manuel Poladian, considerado el "coyote quinto."

En 2001 se lanzó el single "Real Life", que fue elegido como el tema de apertura de la edición brasileña del reality show Gran Hermano.

banda volvió a los medios de comunicación con el CD y el DVD MTV 2002 RPM, grabado en el Teatro Procopio Ferreira, São Paulo, el 26 y 27 de marzo de 2002. Además de los grandes éxitos, la banda incluye canciones inéditas como el carbono 14, Queen, Come To Me y Where Is My Love (grabado en estudio y se incluye en la banda sonora de la novela Esperanza, Rede Globo). También son destacables las acciones de Pernambuco músico Otto, que contribuyó para Naja (incluido en el DVD), Roberto Frejat, el Barón Rojo, la reescritura éxito exagerado, Cazuza, y la participación en virtual Renato Russo canción La Cruz y la Espada .

En 2003, de nuevo con MTV, MTV Luau participado en el proyecto.

2003: Nueva S eparação.

El grupo, con el éxito del proyecto de MTV, y luego comenzó una nueva gira por Brasil, que no duró mucho. Las especulaciones dicen que la banda se separó después de que los otros miembros de descubrir que Paulo Ricardo había grabado todos los derechos sobre su nombre, iniciando una demanda por marca RPM. Otros dicen que no hubo acuerdo en el sonido de la banda.

Anda esta vez se dio a conocer un nuevo CD de RPM, pero con diferencias como la banda, el proyecto fue abandonado.

Luiz Schiavon y Deluqui Fernando junto con André Lazzarotto lanzó el LS CD + D ( Reality Travel) (2000 mil copias fueron puestas en libertad). La canción "Madrigal", que fue el tema de apertura de la telenovela Cabocla estaba bien ejecutados.

Paulo Ricardo y el baterista Paul PA Pagni formaron la banda PR.5. A pesar de la falta de Zum Zum cd, Paulo Ricardo lanzó la canción I Want You Take.

Paulo Ricardo en 2006 lanzó el CD y DVD acústico en vivo, con covers de clásicos internacionales como "Beautiful Girl" (INXS) y "Love Me Tender "(Elvis Presley). Ese mismo año, el segundo medio Paulo Ricardo, PA Luiz Schiavon y jugaron juntos en el programa Domingão Faustão, recuerda un encuentro memorable que llega a la banda de RPM.

2007: V olta

En 2007, Paul lanzó el Prisma CD, con algunas canciones de pop rock con "Say" y "Llegada El", con miembros de PR.5 como músicos de acompañamiento, incluyendo el baterista Paul PA Pagni y la participación de Luiz Schiavon la canción "Día D, hora H".

También en 2007, el grupo tocó RPM junto con todos sus miembros en São Paulo, con gran éxito.

banda anunció el lanzamiento de una caja con los 3 primeros álbumes y Banda además de un CD con remixes, tapas y temas inéditos, junto con el DVD Radio Pirata - The Show, que contiene el registro de un concierto celebrado en diciembre de 1986 en Sao Paulo, filmado por Rede Globo. Aunque todo el mundo espera que el lanzamiento oficial, Paulo Ricardo Luiz Schiavon, Fernando y Pablo Deluqui PA Pagni ir jugando juntos.

Luiz Schiavon hasta 2011, dirigió, junto con el músico Marco Pontes (Bin), un grupo musical en el programa Domingão Faustão, el Rede Globo.

2011: Elektra.

Recientemente, después de la liberación de la Revolución caja! RPM 25 años, y sobre todo después de mi toda la vida en el Globo, a finales de 2010, Paulo Ricardo publicó en su Twitter que la banda se reunirá para grabar un nuevo álbum. Schiavon, dijo que están viendo la oportunidad de volver a los escenarios ya su banda en Domingão Faustão no continuará en el 2011.

Días después de los rumores, Schiavon confirmado en su twitter que la banda ya está escribiendo para el nuevo álbum. El álbum contará con 13 pistas. Según Paulo Ricardo, la banda quiere hacer un sonido que se asemeja a bandas actuales que mezcla rock con música electrónica como Muse, The Killers, Blur, entre otros. Hubo algunos rumores sobre el productor Liminha, encargada de producir la mayoría de las bandas de los años 80 y 90, como los Titanes, Los Paralamas do Sucesso, ofensa a Rigor, Ira!, Kid Rock, City Negro, Ciencia Chico & Zombie Nation, The Rappa, entre otros. Sin embargo, el álbum fue producido por Paul y Schiavon. Además, los espectáculos será dirigido por Ulises Cruz. En ese momento, hubo rumores de que la banda se llevan a cabo en la cuarta edición del Rock in Rio ha sucedido en los meses de septiembre y octubre.

estreno de El Tour 2011, evento que pasó de honor en Sao Paulo "giro cultural". Un mes después de esta presentación, se estrenó el título del álbum, y fue nombrado Elektra cuatro canciones disponibles para su descarga en el sitio web oficial de la banda.

debut de la nueva gira se llevará a cabo el 20 de mayo de 2011, en ​​el Credicard Hall de Sao Paulo. Sin embargo, el 15 de mayo de 2011, la banda se presentó en el programa Domingão Faustão.

Emerson, Lake & Palmer

Emerson, Lake & Palmer (también conocida como ELP) fue una banda británica de rock progresivo que alcanzó su mayor popularidad en década de 1970, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos. La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones les pusieron a la altura de las grandes bandas de su época. El trío, al mismo tiempo, preparó el camino a otras bandas progresivas para la difusión del género, pasando de una especie de gueto musical a convertirse en un fenómeno radiofónico.

Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años '60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (proveniente de King Crimson); y el batería Carl Palmer (proveniente de Atomic Rooster). Con tal espléndido currículo era lógico que la nueva banda atrajera la atención tanto de la prensa como del público.

Además de la casa fundada por ellos, Manticore, otras discográficas que editaron la obra de esta banda fueron Island Records, Atlantic Records, Polydor, London Records, Geffen, Victory Records, Sanctuary Records, King Biscuit, Eagle, Metal Minds, Rhino y Castle.

Orígenes

La génesis de la banda se remonta a los últimos años de la década de los sesenta. Keith Emerson, a quien bautizaron "El Jimi Hendrix del órgano", tenía un grupo llamado The Nice, que, aunque había colocado algunos sencillos en las listas, era más conocido por sus extravagantes presentaciones en vivo que por otra cosa. En dos de sus presentaciones le tocó compartir el escenario con otra banda llamada King Crimson. Ésta era una agrupación con más carretera cuyo LP In the Court of the Crimson King además de ser un verdadero éxito que los puso a circular en Estados Unidos y Europa, es un mítico álbum para el rock progresivo y a menudo considerado el primer disco de ese género. Sobre su segundo encuentro el 17 de octubre de 1969 en el Farifield Hall Greg Lake recuerda:

“Estábamos en el Fillmore West en San Francisco y King Crimson se presentaba junto a The Nice. King Crimson se había empezado a desintegrar para ese momento y durante la prueba de sonido conversé con Keith. Ian y Mike decidieron que no querían irse de gira. De alguna manera nos presionaron y de esa manera la banda estaba a punto de separarse, al mismo tiempo Keith sentó a que él había llevado a The Nice tan lejos cómo se pudo. Durante esa prueba de sonido él (Emerson) estaba ensayando esta canción... que no puedo recordar su nombre, pero que era de jazz. Y entonces empecé a tocar junto a él y bueno...”

Otra anécdota a destacar es que antes de incluir a Carl Palmer en la batería, Keith Emerson y Greg Lake se habían contactado con Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience para ofrecerle el lugar de baterista en la banda. Mitchell se mostró desinteresado pero le pasó la idea a Jimi Hendrix, quién cansado de estar en su banda y con ganas de probar algo diferente, le pudiera satisfacer formar parte del supergrupo. Luego de la incorporación de Palmer la prensa británica comenzó a especular sobre la formación de un supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer). Debido a problemas de calendario en las giras algunos planes no pudieron concretarse, pero la idea inicial del trío de tocar con el guitarrista luego del Festival de la Isla de Wight y la posibilidad de que éste se les uniera eran una casi realidad. Lamentablemente, Jimi Hendrix falleció casi un mes después del aclamado festival y el proyecto jamás se concretó.

Los primeros ensayos del grupo partieron del repertorio de The Nice y King Crimson incluyendo sus temas más conocidos "Rondo" y "21st Century Schizoid Man", respectivamente. En agosto de 1970 aún sin tener terminado el material para su primer álbum Emerson, Lake & Palmer se presentó en el Plymouth Guildhall en Inglaterra y cuatro días más tarde en el célebre Festival de la Isla de Wight celebrado en el 29 de agosto del año 1970 donde lograron fama instantánea. En ese mismo festival se presentaron artistas de la talla de Jimi Hendrix, Jethro Tull (banda), Bob Dylan, The Doors, The Who y Jefferson Airplane.

Comienzos

El primer disco, titulado Emerson, Lake & Palmer, estuvo listo en septiembre y fue puesto a la venta en noviembre convirtiéndose en un éxito inmediato que estuvo entre los 10 más vendidos en Inglaterra y entre los 20 de Estados Unidos, todo este éxito se vio ayudado por el sencillo "Lucky Man" y su presentación rápidamente se dio a conocer como un espectáculo digno de ver. Esta obra clasificada como uno de los discos mejores hechos por el trío en su carrera a pesar de que no goce de composiciones hechas íntegramente por los miembros del grupo en conjunto. El disco contiene excelentes cortes como "The Barbarian" (basada en la obra "Allegro Barbaro" del compositor húngaro Béla Bartók de 1911) y "Knife Edge" (otro arreglo, en este caso basado en la "Sinfonietta" del compositor checo Leoš Janácek).

Luego de semejante explosión llegaría Tarkus, el segundo disco del supergrupo, un trabajo conceptual lanzado en 1971 que alcanzó el número 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba algo más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite.

Keith Emerson estaba interesado en explotar todo el rango de posibilidades del sintetizador concibiendo una suite cuya apertura era una erupción de sonido. Por su parte Palmer había encontrado un patrón de batería bastante inusual que quería usar a toda costa. Cuando ambos le presentaron sus ideas a Lake, que hizo de productor en el primer disco, no logró entroncar con el tema. Dudó y empezaron una serie de discusiones que hicieron pensar que no habría segundo disco. Finalmente el grupo acordó estar en desacuerdo sobre la pista sobre la que había diferencias: "Tarkus". Al final el tema se convirtió en el título del disco, conocida por ser uno de las composiciones más espectaculares y representativas del rock progresivo y lo que ayudó definir el sonido de Emerson, Lake & Palmer como se lo conoce hoy.

Más tarde el grupo grabó una adaptación de la obra del compositor Modest Petrovich Mussorgsky, Pictures at an Exhibition, durante una presentación en vivo en Newcastle City Hall el 26 de marzo de 1971. El disco fue puesto a la venta y rápidamente se convirtió en un éxito mayúsculo, además de ser esencial en cualquier colección progresiva.

Consagración

Ocho meses después Emerson, Lake & Palmer sacó a la venta Trilogy, otro de los trabajos más aclamados. La experiencia de su antecesor y el éxito alcanzado hizo que los tres músicos se entendieran mejor y que en este nuevo disco sus aportes estuvieran al mismo nivel cada cual asumiendo su responsabilidad musical. De hecho, Lake nunca había cantado mejor o el grupo sonado más relajado. Nuevamente fue un éxito comercial alcanzando el segundo lugar en las listas británicas. El número que se destacó de los demás y se convirtió en una especie de sello del grupo, la adaptación del tema "Rodeo" de Aaron Copland titulado "Hoedown". Además de otras canciones sumamente destacables como la explosión de rock progresivo de "Trilogy" y la balada acústica "From The Beginning", un éxito masivo en los ránkings.

En noviembre de 1973 el terceto pone a la venta Brain Salad Surgery, lo que es para muchos la obra maestra de ELP y sin lugar a duda una de las grandes joyas del género progresivo. Aquí la banda incorpora en la escritura de las letras de las canciones a Peter Sinfield conocido por su trabajo con King Crimson con lo que dio un toque sombrío y apocalíptico en las líricas del álbum. El plato fuerte del mismo es la pieza épica de 30 minutos "Karn Evil 9", un verdadero éxtasis de virtuosismo dividida en tres impresiones y considerada como uno de los últimos picos máximos del rock progresivo. Otros de los temas más representativos son "Jerusalem", que es una selección en la que recitan el poema del mismo nombre, escrito por William Blake, con el ritmo de la obra compuesta por Hubert Parry (fue el único single pero fue censurado en el Reino Unido por el contenido de su lírica), y la adaptación del cuarto movimiento del concierto para piano del compositor argentino Alberto Ginastera "Toccata". Nuevamente el trío llegaría a las altas posiciones tanto en las listas europeas (alcanzando en el Reino Unido la segunda posición) como en Estados Unidos.

La subsecuente gira mundial fue registrada en un triple disco en directo titulado Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends. Durante ese tour se dejó en claro que Emerson, Lake & Palmer era una de las bandas más importantes de la década por ese entonces cuando cerró el célebre festival California Jam en abril de 1974, dicho festival contó también con las participaciones de renombradas bandas como Deep Purple y Black Sabbath.

Declive

Tras algunas tensiones y, consecuemente, tres años de silencio, se juntaron nuevamente en el estudio. Su siguiente trabajo llamado Works, Vol. 1, lanzado en 1977, fue el final de los triunfos y la disolución del sonido del grupo. Cada integrante de la banda se sentía incómodo con el otro y preferían trabajar en sus propios discos antes que producir juntos. Sin embargo, la cordura prevaleció y se dieron cuenta que ningún proyecto en solitario iba a ser mejor que un disco en conjunto. Este álbum fue una solución salomónica de dos LP en los que cada artista tenía una cara del disco y una cuarta era colectiva.

El disco no vendió lo acostumbrado y el grupo dejó de sonar igual, el LP había destruido la unidad del trío. Parecía que lo único que los motivaba a tocar eran sus obligaciones contractuales. Más grave aún fue el hecho que perdieron tiempo trabajando en un doble LP mientras que el gusto de la gente estaba cambiando. Las bandas de rock progresivo estaban siendo criticadas porque el nivel de abstracción de la gente había bajado y las canciones largas, los discos conceptuales, la fusión entre lo clásico y el rock habían sido condenados a muerte por la música disco, un rock pop cada vez más liviano y el auge de la reciente música punk. Igualmente y a pesar de todo el grupo colocó un número uno en las listas y uno de sus temas más conocidos, "Fanfare For The Common Man".

Works, Vol. 2, que salió a la venta en noviembre de 1977, no fue más que una colección de oscuros lados B y algunos temas de hacía cuatro años.

Su siguiente disco, Love Beach, de 1978, fue descrito por los integrantes del grupo como resultado de la inercia y completamente prescindible, grabado por exigencias de la discográfica. No obstante, contiene una versión de "Canario" de Joaquín Rodrigo, de cierto interés musical.

Un año después del último trabajo referido se separaron, y ejercería cada uno diferentes proyectos en la industria musical. Greg Lake inició una carrera en solitario que resultó ser bastante exitosa, Keith Emerson se dedicó a grabar música para filmes y uno que otro proyecto personal, mientras que Carl Palmer se unió al supergrupo Asia.

Reencarnaciones

En 1985 la discográfica Polydor intentó rearmar Emerson, Lake & Palmer. Aunque Emerson y Lake prácticamente no se habían vuelto a ver desde la separación del grupo se reunieron en Londres para evaluar el proyecto. Palmer, por su parte avaló la idea pero no participó debido a que estaba atado a Asia. Luego de que varios bateristas se presentaran ante ellos contrataron a Cozy Powell quién tocaba con Whitesnake, además de haber estado en el grupo de Jeff Beck y en Rainbow.

Emerson, Lake & Powell lanzaron su disco debut en 1986 y empezaron a ensayar para su gira por los Estados Unidos e Inglaterra. Aunque no alcanzaron el éxito de la formación anterior el grupo logró producir un muy aceptable disco. Luego de que el trío anunciara su gira norteamericana para 1986 la gente empezó a entusiasmarse con la idea. Sin embargo, esa fue la única visita a norteamerica. Con el final de la gira llegó el final de Emerson, Lake & Powell.

Después de esta experiencia vinieron proyectos en los que se mezclaban integrantes de cuanta banda progresiva había existido, pero no fue hasta 1991 cuando fueron llamados por Phil Carson (Con el regreso de Carl Palmer) para que los tres ayudaran a componer la música de una película. La película nunca se concretó, pero el disco sí: Black Moon. En 1992 el grupo volvió a los escenarios y con un disco muy bien producido por Mark Mancina un músico de filmes, admirador a muerte del trío y un músico maduro. El álbum devolvió a ELP a la escena contemporánea de la música manteniendo el sonido tradicional del grupo agregándole un sonido vibrante y moderno.

Durante 1992 y 1993 estuvieron de gira y se instalaron en Los Ángeles para grabar a finales del '93 su siguiente disco. Fue durante este período que Keith Emerson empezó a tener problemas con un nervio de su brazo derecho que lo obligó a entrar al quirófano. Esto afectó seriamente la calidad de In the Hot Seat que debió ser grabado por separado y luego armado en un estudio. El estado de salud de Emerson obligó a suspender la gira que tenían planeada. Luego de dos años fuera de la escena musical volvieron en 1996 acompañados por sus colegas de Jethro Tull en una gira triunfal por todos Estados Unidos. Esta gira fue de las más apreciadas por la crítica y de las más aplaudidas por el público durante ese verano boreal. Y a pesar de que los tres miembros del grupo continuaban con sus propios proyectos la cálida recepción de la gente los consolidó como grupo nuevamente.

Sin embargo, cuando tenían planeado encarar el estudio de vuelta luego de una gira en 1998, la banda volvió a disolverse debido a tensiones entre los miembros. Desde entonces los músicos continuaron con sus proyectos en solitario sin la idea de volverse a juntar tras haber pasado ya una década. Aunque a principios de 2009 hubo intenciones de reunir nuevamente al trío para algunos shows pero fue cancelada debido a algunos inconvenientes físicos de Keith Emerson que lo llevó también a cancelar sus shows con su banda Keith Emerson featuring Marc Bonilla.

Legado

Desde hace 40 años y pese a los altibajos, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer están entre los grandes pioneros del rock progresivo. Su música se ha mantenido como un referente del género además de seguir llamando la atención de las nuevas generaciones. Sin duda tres artistas con talento extraordinario y que desde sus inicios causaron expectación en los medios al venir cada uno de sus anteriores bandas ya con algún prestigio (King Crimson, The Nice, Atomic Rooster) popularizaron tanto la interpretación de música clásica con arreglos de rock, como la fusión de ambas (Su éxito resulta peculiar si se considera que en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera, Béla Bartók o Aaron Copland)e ingresaron a la categoría de las bandas "Arena Rock" o "rock-estadio" tocando siempre para más de 50 mil personas o como alguna vez sucedió, hasta 300 mil, donde la exageración tanto en lo musical como en la vida misma del desarrollo de este magnifico trío lo constata.

Terry Reid

Terry Reid, nacido el 13 de noviembre de 1949, pudo convertirse en una superestrella de rock si aceptase la invitación de Jimmy Page para incorporarse como cantante a Led Zeppelin. Sin embargo Reid le recomendó el nombre de Robert Plant.

También poco después rechazó convertirse en el vocalista de otro gran conjunto, Deep Purple. Una pena, ya que el nombre de Terry Reid permanece injustamente desconocido.

La trayectoria del cantante y guitarrista Terry, con una mezcla entre hard rock, soul, pop y folk, se remonta a mediados de los años años 60, cuando formaba parte de Peter Jay & The Jaywalkers.

Tras el contacto con el productor Mickey Most dio inicio a su trayectoria como solista con “Bang Bang You’re Terry Reid” (1968), LP en el que estaba acompañado por el teclista Pete Solley y el batería Keith Webb.

Además de sus temas propios, como “Tinker Taylor” o “Sweater”, el disco incluía versiones de Sonny & Cher (“Bang Bang”), Gene Pitney (“Something’s gotten hold of my heart”), Eddie Cochran (“Summertime blues”) y Donovan (“Season of the witch”).

Most también le produjo “Terry Reid” (1969), uno de sus mejores trabajos con temas de Bob Dylan (“Highway 61 revisited”), Lorraine Ellison (“Stay with me baby”) o de nuevo Donovan (“Superlungs my supergirl”).

En los años 70 y tras un tiempo sin grabar a causa de conflictos legales con Most, Terry Reid retornó a las tiendas de discos con “River” (1973), LP aparecido en Atlantic y producido por Tom Dowd.

En el álbum, con temas como “Dean”, “Avenue”, “Dream” o “River”, colaboraba el multi-instrumentista David Lindley, antiguo miembro de Kaleidoscope.

Asentado en los Estados Unidos desde comienzos de los 70, Reid, que colaboró en discos con Jackson Browne y Bonnie Raitt, editó con posterioridad “Seed of memory” (1976), nada más y nada menos que producido por Graham Nash, y “Rogue Waves” (1979), LP que incluía varias adaptaciones de Phil Spector y una versión de los Everly Brothers (“All I have to do is dream”).

Este último trabajo no fue bien recibido por la crítica de la época lo que provocó el alejamiento de Terry Reid de los estudios de grabación.

“The Driver” (1991) y “Silver White Light” (2004), directo que recogía su actuación en la Isla de Wight en 1970, fueron otro de sus trabajos discográficos.